SOCIEDADE PARA APRECIAÇÃO DO JAZZ

ESCULTURA EM HOMENAGEM A NINA SIMONE

2010-02-08T16:06:00.002-03:00

Uma organização dedicada à memória da falecida cantora Nina Simone estará apresentando uma escultura, que a retrata, em sua cidade natal neste mês. A “Eunice Waymon-Nina Simone Memorial Project (NSP)” foi criada para celebrar a vida e o legado de Simone. O projeto ambiciona estabelecer bolsas de estudo, criando o “Trans-World Music Festival”, além de bancar a escultura.

A figura de aproximadamente 2,5 metros foi criada pelo escultor Zenos Frudakis e fundida na “Laran Bronze Foundry” em Chester, Pa. A escultura será desvelada no próximo dia 21 de Fevereiro— o 77° aniversário de Simone— durante uma cerimônia , seguida por um concerto em Tryon, N.C , cidade natal de Simone, que será acompanhada pela filha da cantora, que posou como modelo para Frudakis e Stephen Marley.

A escultura servirá como ponto focal para a instalação de uma instituição artística pública no centro da cidade na Nina Simone Plaza. Restos mortais de Nina, doados pela família, serão encerrados na escultura.

A bolsa de estudos foi lançada em 2007 após a doação no valor de $25,000 feita por uma firma recicladora de plástico, EcoResin, localizada na Carolina do Norte. Desde então, a Fundação Ghetto Youths pertencente a Stephen, Damien e Julian Marley tem mantido uma parceria com a NSP para a doação de uma bolsa de estudos, com o acréscimo da doação de metade dos lucros do próximo lançamento de um CD de Nina Simone pela NSP por parte de Stephen Marley.

A NSP é responsável anualmente por duas bolsas de estudos por ano, aberta a candidatos de todo o mundo, que devem ser usadas para estudos acadêmicos e oportunidades de enriquecimento cultural. Em 2009 Erica Wilkins e Andrew Fletcher foram selecionados para receber a bolsa de estudos, e cada um recebeu uma remuneração de $1,000 . Durante sua vida Simone dedicou-se à caridade voltada para a pesquisa sobre o câncer, programas de artes, prevenção de abusos domésticos e pesquisas e cuidados com a AIDS. A NSP busca dar suporte a estas causas em nome de Simone.

O objetivo final que a NSP busca realizar é o “Trans-World Music Festival”. O protótipo do festival—inicialmente chamado NinaFest— está previsto para ser lançado em Setembro deste ano em seguida ao 125° aniversário da cidade de Tryon. O festival terá todo tipo de forma musical como um aceno de Simone para quem cruzar o espectro da musica, do clássico ao gospel, para o jazz e rock and roll.

Fonte : JazzTimes /Aubrey Everett

ANIVERSARIANTES 08/02

2010-02-08T06:43:00.002-03:00

Buddy Morrow (1919) – trombonista, líder de orquestra,

Eddie Locke (1930- 2009) – baterista,

Lonnie Johnson (1899-1970) – guitarrista, vocalista (na foto),

Marc McDonald (1961) - saxofonista , Pony Poindexter (1926-1988) – saxofonista

HIROMI – PLACE TO BE (TELARC)

2010-02-07T16:02:00.004-03:00

Caso você já tenha assistido Hiromi Uehara em um concerto, você já estava esperando por este momento — seu primeiro disco solo. Hiromi, como ela é conhecida , já lançou cinco álbuns sob seu nome , mas cada um deles foi suportado por moderno grupo fusion com guitarra elétrica, baixo elétrico e bateria , e ela tocava sintetizador e piano. O ponto alto de cada show de Hiromi , entretanto, é sua atuação no piano solo. Ela toca extremamente rápido e de forma perfeita. Ela tem uma profunda afinidade com o blues e adora os finais dos registros mais baixos , mas não teme se lançar em alguma dissonância . Se você ainda não viveu esta experiência , ouça a sua versão para “I Got Rhythm”.

É um completo deleite, então, ouvir “Place to Be”, um conjunto de 12 solos que enche as medidas. “Choux a la Crème” é o seu melhor: embasado no blues, com um vigoroso stride na mão esquerda, um rápido ataque com a direita, e alguns movimentos contrastante apresentados em boa proporção (Comida parece ser um tema favorito para Hiromi. Este álbum, também , tem uma música chamada “Cape Cod Chips”, no estilo de Vince Guaraldi, que é uma homenagem ao seu petisco favorito, quando ela estava estudando na Berklee College of Music em Boston.). “BQE”, por outro lado, não é baseado no blues (ou em comida) — é naturalmente febril como é a obsessão natural de condução da Brooklyn-Queens Expressway— porém igualmente deliciosa.

A mais intrigante faixa é “Pachelbel’s Canon”. As cordas mais altas do piano são tratadas —como, não fica claro— de forma a se aproximar de uma espineta. Ela toca o início de forma convencional e então toma a liberdade para adicionar um suave sentimento bluseiro. Apresenta a sua dinâmica suingante na suíte em três partes, “Viva! Vegas”, onde você estará diante da gravação mais agradável de um solo de piano em muito tempo.

Faixas : 1. BQE 5:56 ;2. Choux a la creme 5:29;Sicilian Blue 8:26;4. Bern Baby Bern 2:56;5. Somewhere 5:38;6. Capecod Chips 5:41;7. Islands Azores 4:29;

8. Pachelbel's Canon 5:22;9. Viva! Vegas: Show City, Show Girl 3:56 ;10. Viva! Vegas: Daytime in Las Vegas 4:30;11. Viva! Vegas: The Gambler 5:37; 12. Place To Be 6:39

Fonte : JazzTimes / Steve Greenlee

ANIVERSARIANTES 07/02

2010-02-07T07:08:00.001-03:00

Clementina de Jesus(1901-1987) – vocalista,

Earl King (1934-2003) – guitarrista,vocalista,

Eubie Blake (1883-1983) - pianista,

Javier Vercher (1978) – saxofonista,

King Curtis (1934-1971) – saxofonista,

Ray Crawford (1924-1997) - guitarrista,

Rogério Duprat(1932-2006) – maestro,arranjador(na foto)

SALVADOR : NOVA GUINADA MUSICAL

2010-02-06T15:06:00.002-03:00

A Cidade da Bahia, nossa querida Salvador, grande centro de irradiação artística para o Brasil, ao longo de sua história, no século XX, deu ao cancioneiro nacional muitos nomes que revolucionaram a música brasileira e que ajudaram a conferir a este país a posição de um dos mais criativos produtores musicais do planeta.
Impossível, neste espaço, elencar os nomes baianos que agigantaram a canção brasileira. Mas, nossa sofrida e alegre cidade, internamente, sempre se alimentou de uma musicalidade dedicada ao carnaval que depois da invenção sagrada do trio elétrico de Dodô e Osmar, passou pelo samba do mestre Batatinha, de Riachão, Gordurinha, chegando à voz eletrizada de Moraes Moreira e da grandiosa Baby Consuelo; sem falar nos Apaches do Tororó, no Ilê, no Malê, no Badauê. Tudo muito centrado na carnavalização que descambou na rentável Axé Music, sistematizada pelo criativo Luiz Caldas; daí foram macacões, mortalhas, abadás; Chiclete, Asa, Ivete, para ilustrar a maior festa da Bahia. De 1985 até os dias atuais, a música baiana, com destaque midiático, com alcance massivo de público, girou em torno daquilo que o jornalista Hagamenon Brito, grande conhecedor de música popular, para chatear, nomeou Axé Music.

Ficamos mergulhados e desgastados na música do carnaval. Novidades vieram com o pagode do Gera Samba, depois É o Tchan, Harmonia do Samba (revolução sonora e comportamental na dança de Xandy); mais recentemente, Psirico e Fantasmão – tudo verão, tudo carnaval.

Feições artísticas que transpuseram a fábrica carnavalesca foram: o nome internacional Daniela Mercury, Carlinhos Brown, Margareth Menezes, Márcia Short e Gerônimo.
Agora, findando-se a primeira década do século XXI, temos a chance de viver intensamente nossa musicalidade alicerçada numa base criativa mais universal e menos presa à indústria carnavalesca. Tem acontecido na terrinha, o ecoar de vozes iluminadas, de canções urbanas, de músicos primorosos e inventivos, todos dedicados a conviverem com o Axé, fazendo de Salvador palco de efervescências sonoras dialógicas com o melhor que se produz nas principais capitais brasileiras.

Vamos dar uma guinada de muita qualidade, ouçam: Tiganá Santana, Stella Maris, Juliana Ribeiro, Márcia Castro, Sandra Simões, Manuela Rodrigues, Cláudia Cunha, Mariela Santiago, Carlos Barros, Ana Paula Albuquerque (na foto), Rita Braz, Juracy Tavares, Peu Murray, Jota Velloso, Clécia Queiroz, Mazzo, Déia Ribeiro, Dão, Flávio Assis. Eles fazem música para todos os dias e noites.

Fonte : A Tarde / Marlon Marcos (jornalista e antropólogo)
Colaboração : Gileno Xavier

ANIVERSARIANTES 06/02

2010-02-06T09:40:00.003-03:00

Bernie Glow (1926-1982) - trompetista,

Chaim "Chase" Roberts (1984) – saxofonista,
Ernie Krivda (1945) – saxofonista,

Howard McGhee (1918-1987) - trompetista,

Igor Prochazka (1975) - pianista,

John Pisano (1931) – guitarrista,

Natalie Cole (1950) – vocalista,

Natasha Miller (1971) – vocalista(na foto),

Sammy Nestico (1924) – líder de orquestra,

Scott Amendola (1969) – baterista

REGINA CARTER CELEBRA A MÚSICA AFRICANA

2010-02-05T17:12:00.002-03:00

A violinista Regina Carter, na foto, lançará seu álbum celebratório da música tradicional africana , “Reverse Thread (E1 Entertainment)”, no próximo dia 18 de Maio. O disco também contará com o músico Yacouba Sissoko na seção de cordas. “Há uma grande quantidade de boa música vindo de todas as partes do mundo, sendo que a maioria é pouco acessível”, Carter declarou. “Reverse Thread” deu-me a oportunidade de explorar e celebrar uma pequena porção da música que me inspirou.”

Com a influência africana de Sissoko, o disco inclui “Hiwumbe Awumba” e “Mwana Talitambula”, que são embasadas em referências dos judeus do oriente de Uganda. Outra faixa , “Un Aguinaldo”, combina ritmos africanos com harmonias que derivam da India e Porto Rico.

A banda que acompanha Carter é composta pelo guitarrista Adam Rogers, pelos acordeonistas Will Holshouser e Gary Versace , pelos baixistas Chris Lightcap e Mamadou Ba e pelo baterista Alvester Garnett.

Fonte : Downbeat

ANIVERSARIANTES 05/02

2010-02-05T08:18:00.002-03:00

Art Lande (1947) - pianista,

Big Bill Bissonnette (1937) - trombonista,

Bill Mays (1944) - pianista,

Keith Ingham (1942) - pianista,

Nenê(1947) – baterista (na foto),

Rick Laird (1941) - baixista,

Vinnie Colaiuta (1956) – baterista

VIOLINISTA PRODÍGIO LANÇARÁ CD

2010-02-04T16:33:00.002-03:00

Sam Weiser, na foto, 15 anos, considerado um violinista prodígio, estreia em disco com “Sam I Am”, que será lançado pela Disappear Records no próximo dia 16 de Fevereiro com renda destinada à Fundação Daniel Pearl .

Sam Weiser parece ter o mesmo estado de espírito de qualquer artista para lançar seu disco de estreia. Ele está excitado para falar sobre a música e a gênese do álbum. Está um pouco ansioso sobre a sua recepção. Está buscando realizar alguns shows ao vivo para apresentar o material do CD. Entretanto, diferentemente da maioria dos estreantes, ele também tem exercícios de matemática para fazer em casa. Observe, que por ter quinze anos ele ainda está no segundo grau. Aliás para ser exato, no segundo ano de faculdade considerando o sistema norte-americano (10th grade). Você se recorda o que estava fazendo no segundo ano de faculdade ? Não?. Nem eu. Eu posso afirmar que não estava gravando álbuns. Isto eu lembro.

O disco apresenta diversos estilos musicais, incluindo jazz cigano, swing, bebop, klezmer, música brasileira e folk. Weiser credita a um de seus mentores, Mark O’Connor, bem como à sua mãe o extenso rol de estilos apresentados no CD.

De fato, eu penso que é a primeira vez que entrevisto um artista e depois sua mãe (Eu deveria fazer disto uma regra para obter mais informações sobre o entrevistado). No caso do jovem Weiser, seus pais são uma parte importante da sua história como seria para qualquer jovem que necessita de orientação sobre onde realmente quer ir (com perdão dos meus amigos novaiorquinos que sempre precisam de um empurrãozinho).

Weiser disse que ouviu violino pouco tempo antes de vir a tocá-lo. “Eu escutei meu vizinho tocando por seis meses e começei a implorar à minha mãe por um violino”. Sua mãe, Tami, deu-lhe um e o matriculou em um curso com o método Suzuki.Ele tinha três anos.

Weiser declarou que seus pais não são músicos. “Meu pai gosta de dizer que toca rádio”, Weiser fala rindo. “Minha mãe, porém, é mais musical e ouve qualquer música. Ela me expôs a muitos estilos diferentes”.

Sua mãe disse que pensou que Sam era um músico excepcional, mas às vezes era difícil separar o orgulho filial de uma avaliação objetiva. “Nós não sabíamos por um longo tempo quão longe ele havia ido”, ela explicou. “Há aquele fator ‘aah’ de um garoto tocando muito bem e ele era muito esperto. Então quando fez dez anos, ele foi recrutado por um conservatório. Mas ele não queria ser apenas um músico. Creio que a idéia o assustava”.

Weiser e sua mãe concordam em uma coisa : Que seu desenvolvimento musical deu um salto graças à freqüência no curso de verão para violinistas de Mark O’Connor. Weiser tinha apenas nove anos quando o frequentou pela primeira vez. “Eu fui para o curso sem saber nada, realmente. Eu não tinha nenhuma experiência no mundo das cordas “alternativas”. Eu não conhecia o mundo fora da música clássica. Realmente, as portas foram abertas para mim”. Weiser retornou ao curso várias vezes e estabeleceu relações próximas com os grandes instrumentistas de corda do staff do curso, bem como com seus companheiros.“Ele tinha umas sacadas interessantes” sua mãe confirmou. “Ele tinha consciência : ‘Eu estou em casa com estes músicos’. Ele imaginava que poderia tentar qualquer espécie de música. Era uma revelação. Eles podiam está “jameando” e ele via aquilo. Quando acontecia, ele ficava alegre”.

Foi no curso de O’Connor onde Weiser tomou contato pela primeira vez com o legado de Daniel Pearl, o conhecido jornalista brutalmente assassinado no Paquistão por fundamentalistas islâmicos . Pearl, que no início da carreira trabalhou como jornalista musical era apaixonado por música, e a Fundação Daniel Pearl objetiva promover e fortalecer a comunidade através da linguagem universal da música.

Um dos programas da fundação é o “Daniel Pearl Memorial Violin”, elaborado por Jonathon Cooper, que dá suporte a jovens músicos por um ano. Weiser foi um dos participantes para violino no período 2008-2009. Ele disse que os instrumentos eram fantásticos. “Soavam muito bem”, Weiser relembra. “É difícil descrever a clareza e o timbre”. De fato, Weiser foi tomado pelo instrumento e pediu a Cooper para fazer-lhe um violino. Weiser está doando a receita do álbum para a Fundação. Para ele, é uma maneira simples de pagar a generosidade e a dedicação com ele, sendo um músico jovem. Sua mãe declarou que a vida de Pearl foi uma mensagem para Weiser. “Ele estava tocado por aquela experiência”, disse. “Ele conheceu a família de Pearl e aquilo realmente tocou seu coração. Agora ele quer incrementar a percepção da organização e seus objetivos”.

Foi no FODFest (um festival de música ligado à Fundação Pearl) que Weiser encontrou Sonia Rutstein, que o encorajou a gravar um disco. Ela agendou o período e produziu o CD, bem como contribuiu com três composições. O álbum, também, inclui standards como “Lullaby of Birdland” e “Desafinado.”

Mesmo uma rápida audição do disco de Weiser mostra-nos que este não é um jovem comum de 15 anos. Ele é verdadeiramente um prodígio em seu instrumento, tocando com maturidade e virtuosismo, indo além dos seus anos e além das habilidades da maioria dos músicos de qualquer idade. Ele transita do suíngue cigano da composição “Gypsy Fantastic” de O’Connor para o clássico bop de Bobby Timmons,“Dat Dere”, como se estivesse trocando de camisa. Ele canta em poucas faixas, incluindo a atraente “Rise Up” de Eddie Vedder da trilha sonora de “Into the Wild”. Weiser disse que ouviu este álbum de um líder de uma “Pearl Jam” enquanto viajava com um amigo. “Sua mãe adorou este disco.Eu tenho vontade de tocar bandolim e queria fazer alguma coisa daquele tipo. E apresentei aquela canção como é interpretada no bandolim. Assim eu imagino”.

Sua mãe disse que Sam gastará muito tempo “imaginando canções”, e relembra sua recente transposição de uma música de Cannonball Adderley para o violino. Justo agora ele está indo para um clássico, mas pesado jazz moderno, absorvendo o trabalho de Coltrane, Hancock e ouros grandes da era do post-bop . Ele mantém horários para lições e prática de música clássica. Weiser declarou que “Definitivamente há duas formas de pensar. Com o clássico, a boa técnica e o timbre são importantes. Mas é também fundamental manter a mente aberta. Algo que aprendi com Mark [O’Connor] e Sonia.”

Eu sei que com esta leitura você gostaria que eu dissesse que Weiser é uma criança autosuficiente, mas, na verdade, ele mais do que isto. Weiser é modesto e simplesmente feliz por, ocasionalmente, tocar com pessoas como O’Connor ou Darol Anger ou John Blake. Ele realmente deseja freqüentar uma Universidade e estudar algo além da música. “Eu estou realmente interessado em engenharia de música”. Sua mãe declarou que seria importante que ele não fique atraído exclusivamente pelo competitivo mundo dos estudos dos conservatórios. “Ele é um garoto normal que frequenta a escola pública. E ele quer se manter deste jeito”. Os pais de Weiser merecem crédito por inculcar-lhe a ideia de que não precisa ser um músico famoso para ter sucesso na vida. É positivo simplesmente desfrutar a música e ver até onde ela leva você.

Fonte : JazzTimes / Lee Mergner

ANIVERSARIANTES 04/02

2010-02-04T10:20:00.001-03:00

Artie Bernstein (1909-1964) - baixista,

John Stubblefield (1945-2005) – saxofonista,

Julie Hardy (1977) – vocalista,

Jutta Hip (1925-2003) - pianista,

Min Rager (1975) – pianista,

Tony Fruscella (1927-1969) - trompetista,

Zé Canuto(1966) – saxofonista (na foto)

GRUPO RABO DE LAGARTIXA GRAVA VILLA-LOBOS

2010-02-03T16:36:00.002-03:00

Um mapa de um país continental como o Brasil exposto sobre a mesa, e um homem disposto a palmilhá-lo por inteiro. Assim Heitor Villa-Lobos mergulhou em sua terra para traduzir em música a diversidade de seu povo. Dar conta da responsabilidade de regravar uma obra minuciosa como a de Villa, fugindo do óbvio, é algo desafiador. Depois de revelar uma competência brutal em composições próprias, como Quebra-Queixo e Brincadeiras de Quintal, o grupo Rabo de Lagartixa, na foto, naturalmente foi convidado a gravar um disco apenas com temas de autoria de Villa-Lobos, O Papagaio do Moleque. Em entrevista por telefone, Marcello Gonçalves, um dos violões 7 cordas mais seguros da atualidade, fala do equilíbrio entre temas famosos e outros menos conhecidos, e como Villa comporia hoje diante de uma geração talentosa de instrumentistas.

Além do longo trabalho de pesquisa, quanto tempo demoraram para gravar?

Foi um trabalho complicado, porque não foi só chegar e tocar, pesquisamos praticamente o ano inteiro. Gravando foram quase cinco semanas. Lá na Biscoito Fino falavam: "Vocês estão demorando mais que a Maria Bethânia." (risos)

Por perfeccionismo?

A graça desse repertório é justamente os detalhes ficarem explicados. No fundo, foi como se o Villa-Lobos estivesse vivo aqui, hoje, e a gente pedisse arranjos a ele para nossa formação. O que a gente fez foi tentar mergulhar e entender o raciocínio das composições dele.

Como é pegar uma composição feita originalmente para orquestra e transportar para o popular? É um trabalho de enxugamento?

É complicado, você tem de fazer escolhas. Normalmente o que fazem é fugir um pouco dos detalhes, e pegar o primordial: melodia, linha de baixo... A minha teoria (risos), se é que podemos dizer assim, é que um compositor como o Radamés Gnattali, que teve contato com músicos populares de altíssimo nível, como Garoto, Zé Menezes, e depois a geração do Raphael Rabello, ficou estimulado com aquilo e compôs em homenagem a eles. O Villa-Lobos teria feito alguma coisa assim se tivesse do lado dele um Raphael Rabello. Naquela época também existiam grandes músicos populares, mas nem liam partituras. O interessante é imaginar como que o Villa estaria vendo essa geração de músicos populares muito bem preparados, que podem ler partitura e ter uma boa execução daquilo.

Você acha que é sempre arriscado pegar essas obras e fazer novos arranjos?

Muito. O Henrique Cazes falou: "Olha, vocês deveriam ganhar um prêmio só pela coragem." (risos) Mas ao mesmo tempo é fascinante. O Villa-Lobos tinha uma noção muito grande da música popular, mas como escreveu para formações eruditas, muitas vezes nas gravações certos detalhes que são típicos da música popular passam despercebidos, soltos no meio da orquestra. Existe um folclore de que o Villa teria usado coisas indígenas ou do candomblé. Se ouvir com atenção, tem isso lá. Tem ritmos típicos de candomblé, sabe? Na nossa formação a gente tem a possibilidade de deixar isso mais claro.

Fonte : OESP / Lucas Nobile
Colaboração : Gileno Xavier

TERREIRO AFRICANTAR NO PELOURINHO

2010-02-03T12:36:00.003-03:00

ANIVERSARIANTES 03/02

2010-02-03T10:53:00.001-03:00

Bob Stewart (1945) –tubista,

Bobby Durham (1937-2008) - baterista,

Craig Bailey (1960) – saxofonista, flautista,

Gregory Tardy (1966) – saxofonista(na foto),

John Handy (1933) - saxofonista,

Neal Miner (1970) – baixista,

Nelson Cascais (1973) – baixista,

Paul Kendall (1961) –saxofonista,

Rob Garcia (1969) – baterista,

Snooky Young (1919) - trompetista

Tributo a Julie London

2010-02-02T19:18:00.004-03:00

O quê: Tributo a Julie London

Quem: JESUANE SALVADOR (voz) ALDO SCAGLIONE (guitarra) HORACIO SCAGLIONE (baixo).

Quando: 03/02/2010.

Quanto: R$ 10,00

Onde: ALL OF JAZZ - R. João Cachoeira, 1366, Vila Olimpia, São Paulo - SP.

Reservas por telefone: (11) 3849-1345 / (11) 3849-1345

Mais informações: http://www.allofjazz.com.br

LA TANYA HALL – IT´S ABOUT TIME (BRIDGE)

2010-02-02T16:22:00.003-03:00

Oportunidades são aquelas em que algumas vezes, através da década passada, você escutou La Tanya Hall. Talvez estivesse atrás de Steve Tyrell ou Aretha Franklin, ou durante seus cinco anos com Harry Belafonte ou seus subseqüentes quatro anos como membro da banda “Voicestra” de Bobby McFerrin, ou como nome principal da excursão dentro dos Estados Unidos de “Dreamgirls”, ou em qualquer das dúzias ou mais de casas noturnas de qualidade de Manhattan, estendendo-se da “Feinstein´s” ao “Regency” até o “Blue Note”.

Agora como o título do seu álbum modestamente sugere, a suave e sentimental Hall estreia o seu disco solo. Ela viaja através de uma dezena de canções clássicas. Hall, que sugere a força interpretativa de Maxine Sullivan, sublinhada pela sofisticação elegante de Nancy Wilson, mostra maravilhosa destreza com atrativa exatidão em “I Got It Bad (and That Ain´t Good)” e como se estivesse elevando a temperatura em “(It´s Gonna Be A) Great Day” .

Igual crédito deste charmoso disco é devido ao arranjador/maestro Angelo DiPippo. Seja burilando “Summertime” como um samba sensual ou esculpindo “You Don´t Know What Love Is” dentro de uma pegada blueseira, com toques da seção de metais, suas abordagens são esplendidamente imaginativas, incrementando completamente a vibração do estilo Broadway de Hall.

Faixas : 1. The Nearness of You Listen ;2. Summertime; 3. It's All Right With Me; 4. Like a Lover; 5.Straighten Up and Fly Right; 6. Skylark;7. (It's Gonna Be A) Great Day; 8. I Got It Bad (and That Ain't Good);9. Bluesette;10. You Don't Know What Love Is; 11. Sabor a Mi; 12. A Lazy Afternoon

Músicos : La Tanya Hall (vocal);Chuck Wilson, Gary Keller, Dave Mann, Al Regni, Dave Rickenberg (saxes, clarinetes, flautas);Richard Heckman (oboe);Glenn Drewes, Don Downs (trompetes, flugelhorns);Kevin Osborne, George Flynn (trombones);
Barry Finclair, Richard Sortomme, Ann Leathers, Carol Pool, Shinwon Kim (violinos);
Stephanie Cummins, Arthur Fiacco (cellos);Dave Finck (baixo); Jay Bianchi (piano);Jay Berliner (guitarra);Ron Zito (bateria);Mauro Refosco (percussão);
Angelo DiPippo (acordeón, regência e arranjo).

Fonte : JazzTimes / Christopher Loudon

ANIVERSARIANTES 02/02

2010-02-02T12:38:00.005-03:00

Andrew Gilpin (1974) – pianista,

Henrique Cazes(1959)–violonista,cavaquinista,

James Blood Ulmer (1942) – guitarrista,

Jodie Christian (1932) – pianista,

Joe Mondragon (1920) – baixista,

Louis Sclavis (1953) – clarinetista, saxofonista,

Sonny Stitt (1924-1982) – saxofonista(na foto),

Stan Getz (1927-1991) – saxofonista

Jazz Multimídia - Dezenas de Vídeos de Jazz para assistir

2010-02-01T10:53:00.002-03:00

Dezenas de vídeos de Jazz com uma lista em ordem alfabética.

http://www.sobresites.com/jazz/forum/viewtopic.php?t=126

Bom proveito.

Livro Jazz ao Seu Alcance

2010-02-01T10:49:00.000-03:00

Para leigos e puristas

Luiz Orlando Carneiro
luizoc@jb.com.br

JAZZ AO SEU ALCANCE’ (Ed. Multifoco, 604 páginas), de Emerson Lopes, criador do Guia de Jazz na internet (www.sobresites.com/jazz), não é apenas, como sugere o título e como diz o autor, um livro destinado a “desmistificar o jazz e mostrar que uma pessoa ’normal’ pode ter o prazer de ouvir Miles Davis, Dizzy Gillespie, Duke Ellington e tantos outros mestres”. Sem entrar no mérito dos conceitos do autor sobre os “preconceitos” dos puristas – o que o leva, por exemplo, a oferecer “dicas” bem “democráticas” de 130 CDs para os “leigos” (páginas 285-445), mas indicando, pelo menos, uns 40 álbuns indispensáveis nas melhores discotecas de real jazz– vale dizer que a obra reúne alentado material de consulta muito útil não só para os newcomers mas também para os jazzófilos. Sobretudo os mais idosos e ranhetas, que não têm intimidade com o teclado de um notebook nem orientação para garimpar, na internet, discos, DVDs, livros e informações sobre clubes, festivais e a cena jazzística de um modo geral.

Emerson Lopes apregoa o seu produto de modo bem pragmático: “Antes deste livro chegar em suas mãos, ele já existia virtualmente na internet. Isto não quer dizer que você não precisacomprá-lo. Aqui estão três bons argumentos para você não achar que gastou dinheiro à toa. Para esta publicação, todas as 600 páginas indicadas no site foram revisadas e ampliadas. Além disso, há dois tópicos – DVDs e livros – que não estão no site e que foram aglutinados no capítulo Ler e ver. Para terminar, o capítulo Entrevistas traz um bate-papo com 17 pessoas ligadas ao mundo do jazz (...)”. Esta parte do livro, que começa sempre com a pergunta “Como nasceu o seu interesse pelo jazz?”, consome quase um quarto das páginas. Com a palavra, experts, diletantes e músicos mais ou menos famosos, entre os quais Luiz Fernando Veríssimo, José Domingos Raffaelli, Luiz Carlos Antunes, Carlos Calado, Ivan Monteiro, Roberto Muggiati, Zuza Homem de Mello, Mário Jorge Jacques, o português José Moreira dos Santos e o inesquecível trompetista Marcio Montarroyos (1949-2007).

O capítulo Rápido e rasteiro (pp.159 a 224) é a consolidação de listas de CDs criadas pelo autor, a partir da ferramenta encontrada no site da loja virtual Amazon. As listas (Top 20) são divididas por instrumentos (inclusive a voz) e tópicos como jazz no cinema, bossa nova jazzística, e registros fundamentais do selo Blue Note (Andrew Hill, Joe Henderson, Dexter Gordon, Wayne Shorter, Herbie Hancock & Cia., na gloriosa década de 60, são os destaques).

Numa dessas listas, Lopes assume o risco de relacionar 20 álbuns essenciais, preparado para “ouvir críticas e elogios”, mas tendo em mente uma causa nobre: ajudar “quem quer conhecer um determinado ritmo e não sabe por onde começar”.

Tirante o fato de que o jazz não é “um determinado ritmo”, mas um modo de expressão musical, a grande maioria dos Top 20 se lecionados pelo autor está de acordo com o seu objetivo de abrir a cortina do amplo palco do jazz para os leigos. SeLouisArmstrongentra na relação apenas com Ella & Louis(Verve, 1956), em compensação, nela estão 10 discos de essencialidade indiscutível: Bill Evans (Sunday at the Village Vaguard, 1961); Duke Ellington (At Newport, 1956); John Coltrane (A love supreme, 1964); Miles Davis (Kind of blue, 1959); Keith Jarrett (Köln concert, 1975); Charlie Parker-Dizzy Gillespie (At Massey Hall, 1953); Sonny Rollins (A night at the Village Vanguard, 1957); Ornette Coleman (Free jazz, 1960); Thelonious Monk-Coltrane (At Carnegie Hall, 1957); Dave Brubeck (Time out, 1959).

Domingo, 31 de Janeiro de 2010

MOU BRASIL RONCA E A PLATEIA SONHA

2010-02-01T06:53:00.004-03:00

Mou Brasil,(na foto), apresentou ontem, 31/01, às 20h,mais uma sessão da temporada do seu show autoral, Ainda Estamos Roncando,no Theatro XVIII.Eu, particularmente, adoro discos e shows autorais. Por favor, não pensem que sou contrário aos Standards, já que por eles tenho imenso carinho, mas a música precisa mover-se. Com Mou Brasil, ela segue ligeira. O próprio explicou o título estranho dado ao show, como se fosse um estágio entre o momento em que ficamos apenas sonhando com projetos ou lembrando de coisas passadas, ou seja, a idéia é que ele continua em atividade criativa e proativa. Espero que tenha capturado o sentido. Isto pouco importa, pois o que se deve destacar é a beleza do espetáculo, que além do competentíssimo líder tem uma banda coesa, cujos componentes quando atuam como solistas demonstram por completo suas habilidades. O time é formado por Marcelo Galter no piano, Ldson Galter no baixo acústico, Vítor Brasil na bateria e Letieres Leite no saxofone tenor e flauta. A lamentar alguns tropeços na sonorização.

Ressaltamos a música que homenageia Dorival Caymmi; uma composição de Mou Brasil e Tiganá Santana(desculpe se erro na grafia, mas pode usar o espaço à vontade para a devida correção) com letra em inglês e um show de interpretação (lembrou-me o timbre de Kevin Mahogani) e a música que encerra o show, cujo nome Mou não anunciou. Aliás neste show conseguimos vários títulos das composições, coisa que não ocorreu em outro belo show autoral do guitarrista, incluído na programação do Mercado Cultural e apresentado no Teatro ACBEU, onde saí extasiado com as músicas sem título. Creio que já há material suficiente para a realização de um disco.

Mou ,discordo de você que nos agradeceu por termos saído de casa em um domingo para assistirmos a um show de música instrumental. Nós é que devemos ficar gratos por, ainda, termos em nossa cidade músicos que façam este tipo de música com a qualidade demonstrada.

Ficam as palavras do pianista carioca André Mehmari, que define Mou Brasil como um músico que demanda atenção: “ Um acorde que desafia, que surpreende, uma melodia que leva para outro lugar, nada comum. Resumindo, sua música tem o jenessequá que diferencia um músico de um mero repetidor de notas”.

Lembrete importante: No próximo dia 07 de fevereiro haverá espetáculo. Local ? Theatro XVII . Preço ? R$ 5,00. Última chance para quem ainda não assistiu.

Parabenizo a direção do Theatro XVIII pelo uso criativo dos recursos do Fundo de Cultura, como bem demonstra sua programação.

ANIVERSARIANTES 01/02

2010-02-01T00:16:00.002-03:00

James Black (1940-1988) – baterista,

James P. Johnson (1894-1955) - pianista,

Joe Sample (1939) – pianista,

Joshua Redman (1969) – saxofonista(na foto), Nora McCarthy (1958) – vocalista,

Sadao Watanabe (1933) – saxofonista,

Tricky Sam Nanton (1904-1946) - trombonista,

Tyrone Brown (1940) - baixista

JOE LOCKE / DAVID HAZELTINE - MUTUAL ADMIRATION SOCIETY 2

2010-01-31T16:36:00.003-03:00

No último ano do século XX, a Sharp Nine Records lançou “Mutual Admiration Society”, uma performance de um quarteto co-liderado pelo vibrafonista Joe Locke e pelo pianista David Hazeltine, que incluía o baixista Essiet Essiet e o baterista Billy Drummond. Uma idéia esperta do controlador da Sharp Nine, Marc Edelman, que percebeu que a colaboração destes dois amigos de longo tempo foi baseada no desejo de explorar o vigor de cada um. Hazeltine tinha uma forte interação com a pegada do blues, que é o lado forte do toque de Locke, bem como as experiências com as composições harmonicamente audazes do vibrafonista. Locke considerou benvinda a oportunidade de interpretar os arranjos de Hazeltine e praticar o suingante estilo individual do pianista. Alguns dos pontos altos do disco incluiu uma deliberadamente tranquila, uma versão sonhadora do sucesso pop dos anos 60, "I Say a Little Prayer", a composição de Hazeltine "Can We Talk?" , que transitou entre o funk e o suíngue tradicional e a intrigante rearmonização de Locke para o standard "Spring Will Be a Little Late This Year".

Locke e Hazeltine tocaram durante seis noites no Sweet Basil em New York City para divulgação do disco e então partiram para caminhos distintos. No início de 2009, Edelman trouxe o quarteto de volta ao estúdio e mais uma vez os co-líderes contribuem com a maior parte do material. Os acordes que circundam por baixo da melodia da composição de Locke, "Pharoah Joy", assemelha-se a uma versão mais rápida de "The Creator Has A Master Plan" de Pharoah Sanders. Dedicada ao falecido baterista Tony Reedus, a música de autoria de Hazeltine, "One For Reedy Ree", proporciona uma pulsante e repetitiva introdução seguida por uma melodia angular com poucos desvios e mudanças. Embasado em "Everything I Love" de Cole Porter, a composição de Locke,"What's Not To Love?", inicia com uma figura frequente, vocalizadas nos mais baixos registros do vibrafone e do piano, que reaparecem no meio desta brilhante e otimista música. Empregando ritmo latino e recursos do swing tradicional, "Blues For Buddy" de Hazeltine tem andamento veloz, que deixa sem fôlego um punhado de melodias dentro de vinte e quatro compassos.

É duro imaginar um baixista e um baterista mais adequados para complementar
Locke e Hazeltine. Essiet e Drummond têm muito com que contribuir, e a maior parte do que eles tocam não soa demasiadamente excessivo ou particularmente exagerado. Eles apresentam diversas maneiras de suingar, em geral, sutilmente ajustados ou exercendo pouca pressão atrás dos solistas durante o curso de uma simples apresentação do tema.

Locke e Hazeltine são expansivos, improvisadores estimulantes que permanecem em conexão com todas as coisas em volta deles. Em última análise, entretanto, é o som do grupo que faz este álbum especial. Até nas faixas mais agitadas como "Convocation" e "Blues For Buddy", há entusiasmo e uma vibração centrada na música. É um prazer ouvir como eles dão suporte um ao outro (o trabalho de Hazeltine atrás de Locke, por exemplo, é maravilhoso), e sempre encontram um terreno comum sem preocupação com o sentimento ou o andamento do material.

“Mutual Admiration Society 2” é uma contibuição significante para a tradição do jazz . Aqui a esperança é que não tenhamos que esperar mais dez anos para um próximo lançamento.

Faixas: Pharoah Joy; The Peacocks; One For Reedy Ree; Twelve; What's Not To Love?; Convocation; If It's Magic; Blues For Buddy.

Músicos: Joe Locke: vibrafone; David Hazeltine: piano; Essiet Essiet: baixo; Billy Drummond: bateria.

Fonte: All About Jazz / David A. Orthmann

ANIVERSARIANTES 31/01

2010-01-31T09:06:00.002-03:00

Benny Morton (1907-1985) - trombonista,

Bobby Hackett (1915-1976)- trompetista, cornetista,

Charlie Musselwhite (1944) – gaitista, vocalista,

Isham Jones (1894-1956) - saxofonista,

Joyce (1948) – violonista, vocalista (na foto)

PIANISTA MARCELO BRATKE LANÇA OBRA DE VILLA-LOBOS NO EXTERIOR

2010-01-30T16:34:00.002-03:00

Um compositor erudito com alma popular ou um compositor popular com espírito erudito? Na hora de definir o legado de Villa-Lobos, o pianista Marcelo Bratke, na foto, encontra espaço para ambas as definições. E vai além - a compreensão da obra do autor das Bachianas passa necessariamente por um equilíbrio entre as duas. Bratke lança este mês no mercado internacional o primeiro de oito discos em que vai registrar a integral para piano do compositor (selo Quartz e, no Brasil, Biscoito Fino). A iniciativa integra um projeto mais amplo, o Villa-Lobos Worldwide, que inclui, além dos discos, uma série de apresentações em todo o mundo ao lado de artistas convidados (The Villa-Lobos Event) e recitais-solo com estrutura temática (Villa-Lobos & Brasil e Carnaval Trilogy). Na entrevista a seguir, Bratke fala sobre o nascimento do projeto e discute a importância de Villa-Lobos no cenário nacional e internacional. "É com Villa-Lobos que surge uma árvore genealógica na música brasileira, da qual compositores eruditos e populares herdaram uma estética que mostra os vários Brasis que existem no nosso país", diz.

Como surgiu o projeto Villa-Lobos Worldwide?

Sempre me identifiquei com a sua música mas, a partir dos anos 90, comecei a inserir as suas obras em concertos que realizava no exterior e fui notando que o público ficava curioso. Na maioria dos casos, as pessoas sabiam que Villa-Lobos era o maior compositor brasileiro e só isso; desconheciam a sua obra. Percebi que sua música era pouco programada nas grandes salas de concerto do exterior. No início de 2008 fui convidado para realizar um concerto no Carnegie Hall e já com o intuito de divulgar Villa-Lobos no exterior de uma maneira mais ampla, tive a ideia de fazer em Nova York um programa inteiro homenageando a sua obra. Um programa radical, que propunha diálogo entre a sua música e peças de outros compositores que o influenciaram ou que por ele foram influenciados, como Bach e Tom Jobim, da música erudita ao universo popular. Com a boa recepção do projeto, fui falar com a gravadora Quartz e eles gostaram da ideia da campanha de divulgação internacional da obra de Villa-Lobos e me contrataram para gravar a obra integral para piano-solo.

Por que gravar sua integral para piano?

Para encontrar e deixar explícito o equilíbrio entre a influência da cultura popular e os elementos de um modernismo particular que ele desenvolveu na sua obra, relação que não é devidamente explorada. São fraseados diferentes, texturas sonoras, ritmos, timbres, gingas, sons que lembram instrumentos de percussão e sons da natureza que eu sempre ouvia nas entrelinhas da sua música. Quando o projeto da gravação se concretizou, vieram outras ideias e ampliei o projeto com concertos internacionais, concertos voltados para um público infantil e um documentário em inglês para TV sobre o mundo imaginário de Villa-Lobos, que será feito em colaboração com as artistas plásticas Mariannita Luzzati e Renata Padovan. Coincidentemente, o Ministério das Relações Exteriores escolheu o DVD Alma Brasileira, no qual dirijo a Camerata Vale Música, para uma ação internacional que distribuirá o DVD a cinco mil diplomatas brasileiros e estrangeiros pelo mundo. Depois de Nova York, realizei concertos do Villa-Lobos Worldwide em Tóquio, Nagoya, Londres, Frankfurt, Bruxelas e Belgrado. Em 2010, o projeto Villa-Lobos Worldwide segue para 7 cidades do Leste Europeu.

Em que medida o trabalho conjunto e o trabalho solitário ao piano dialogam e se alimentam entre si?

Os concertos com convidados acabam articulando ângulos diferentes na percepção do universo de Villa-Lobos, pois ele é um compositor totalmente "em aberto". Eles alimentam o trabalho-solo e vice-versa. Ambos trazem ideias para as gravações, assim como os concertos para as crianças que realizei na Escola das Nações Unidas em Nova York e em várias escolas do Japão me trouxeram outras revelações que procuro absorver no projeto.

Uma integral de um compositor pode subentender um corpo coeso de obras. No caso da integral para piano de Villa-Lobos, é isso o que acontece?

Vejo Villa-Lobos como um compositor multidirecional. Há muitas faces que apontam para lugares diferentes. Ele era como uma espécie de antena captando tudo ao seu redor. Inspirado em Bach, no modernismo europeu, nos ritmos regionais do folclore brasileiro, na natureza e no universo infantil. A verdade é que ele transformava tudo em Villa-Lobos, como um antropófago. Pretendo fazer com que cada CD tenha um tema característico do seu mundo imaginário. Por exemplo, o primeiro CD é inspirado no universo infantil brasileiro, muito ligado ao folclore com uma textura harmônica sem grandes dissonâncias, mas que revela uma fisionomia rítmica muito diversificada.

Na obra de Villa-Lobos, erudito e popular dialogam de modo muito rico - de certa forma, ele sugeriu a ausência de limites que pautou boa parte da produção musical brasileira nas décadas seguintes. Qual a importância desse elemento em seu legado?

É isso que gostaria de oferecer ao público: um equilíbrio entre o "compositor erudito com alma popular" e o "compositor popular com espírito erudito" que existem em Villa. É aí que surge esta árvore genealógica na música brasileira, da qual compositores eruditos e populares herdaram uma estética que mostra os vários Brasis que existem no nosso país. Nesta ausência de limites que você cita está o objetivo artístico desse projeto. Se não há fronteiras como o próprio Villa dizia, gostaria que os ouvintes dessas obras não pensassem se é erudito ou popular e simplesmente vivenciassem a música. Para isso, a minha leitura busca revelar aquilo que sempre ouvi nas entrelinhas da sua música. Este elemento que marca o seu legado; a falta de barreiras entre a cultura popular e erudita e a vontade de inovar. Talvez seja este o maior produto de exportação de conteúdo da cultura brasileira, e Villa-Lobos nos revela esse fato.

Fonte : OESP / João Luiz Sampaio

Colaboração : Gileno Xavier

ANIVERSARIANTES 30/01

2010-01-30T09:43:00.002-03:00

Ahmed Abdul-Malik (1927-1993) - baixista,

Astor Piazzolla (1921-1992) – bandoneonista,

Buddy Montgomery (1930) - pianista,vibrafonista,

Lou Czechowski (1958) – pianista,

Ralph Lalama (1951 - saxofonista,

Roy Eldridge (1911-1989) - trompetista(na foto),

Tubby Hayes (1935-1973) - saxofonista, flautista, vibrafonista

CINDY BLACKMAN HOMENAGEIA TONY WILLIAMS

2010-01-29T15:59:00.002-03:00

A baterista Cindy Blackman,(na foto), está homenageando um dos seus mentores, Tony Williams, em seu próximo lançamento “Another Lifetime (Four Quarters Entertainment)”. O disco, que irá às ruas no próximo dia 23 de Fevereiro, apresenta músicas do grupo “Lifetime”, que ele liderou entre 1969 e 1976.

“É verdade que este álbum o celebra, mas realmente isto é só um registro das sessões de gravação que compõem “Another Lifetime”” Blackman declarou. “O impacto de Tony em mim foi grande, de modo que eu o celebro a cada dia da minha vida. Cada vez que eu penso sobre música , eu homenageio Tony, porque eu celebro aquele nível de virtuosismo . Eu estou aqui para mantê-lo conhecido e como ele carregou a história inteira de todos os grandes bateristas do jazz em sua atuação. Ele foi um incrível baterista formador que mostrou a direção para mim. Quando eu o ouvi pela primeira vez, eu soube o que eu queria para mim. Eu me recordo, pensando sobre aquilo. Celebrar Tony não é apenas algo de um dia ou de um álbum, mas é um modo de vida , um modo de ser criativo, espontâneo, imaginativo e diligente em impulsionar as coisas para frente.”

Os músicos que participam do disco são o guitarrista Mike Stern, o organista Doug Carne e o baixista Benny Reitvald, que aparecem em sete das onze faixas. O guitarrista Fionn O Lochlainn e o organista Carlton Holmes estão em duas faixas, enquanto a faixa final de “Another Lifetime”, “Wildlife”, apresenta o guitarrista Vernon Reid, o tecladista Patrice Rushen e o baixista David Santos. O saxofonista Joe Lovano aparece como convidado em dueto com Cindy Blackman na versão de “Love Song.”

Fonte : Downbeat