ALAIN METRAILLER - HEIGHTS PROSPECTION (Unit Records)

Quem será o próximo Miles Davis? Ou o próximo John Coltrane? Com ​​seus dois álbuns mais aclamados — "Kind Of Blue (Columbia, 1959)" e "A Love Supreme (Impulse, 1966)", respectivamente — o trompetista e o saxofonista (novamente, respectivamente) estabeleceram o padrão para os melhores trabalhos de conjuntos de jazz pós-bop. Uma meta tão alta que talvez nunca mais seja alcançada. Porém, há quem se esforce para alcançar esse alto nível de expressão artística. O trompetista polonês Tomasz Stańko, com uma série de álbuns lançados pela ECM Records, deu um bom impulso a essa direção. O saxofonista Oded Tzur está trilhando esse caminho com uma visão apurada, um espírito livre e uma voz composicional singular.

Para o saxofonista suíço Alain Metrailler, ainda é cedo. “Heights Prospection” é seu álbum de estreia, que demonstra que ele talvez não seja capaz de alcançar a genialidade de Davis e Coltrane — provavelmente ninguém é —, mas que poderia encontrar seu caminho para o patamar de Stanko ou Tzur.

Neste álbum de estreia, ele abrange uma ampla gama de estilos, desde a liberdade intensa e introspectiva à la Coltrane da faixa de abertura, "Obvious Transmission", passando pelos balanços descontraídos de "Crispy", a introspecção de "EWR Hero Saynt" e o êxtase criativo que permeia "Jump Loud".

Metrailler conta com um quarteto de estrelas para ajudar a moldar esse som: Elias Stemeseder no piano, Christopher Tordini no baixo e o onipresente Eric McPherson na bateria. Trata-se de um modo de operação com igualdade de entrada, que soa tão sincronizado e sinérgico quanto qualquer unidade em funcionamento atualmente, mesmo aquelas com longa história.  Embora o líder esteja à frente, é a interação do grupo — descontraída e altamente inspirada — que fica na memória depois de algumas rodadas.

"Flight of the Humblebees" apresenta Gregoire Maret na gaita, com Stemeseder criando um pano de fundo delicado e rendado para ele, enquanto McPherson desliza com uma delicadeza habilidosa que conduz a uma dança de linhas melódicas entrelaçadas de gaita e saxofone.

O conjunto inclui sete músicas originais da Metrailler e uma reinterpretação, a faixa de encerramento do disco, "Crazy He Calls Me". A paixão do saxofonista pela música é palpável durante toda a apresentação. Ele toca como alguém apaixonado. Nesta bela balada que encerra o espetáculo, ele demonstra uma reverência carinhosa e terna pela melodia familiar, que lembra a maneira como Coltrane tratou "Lush Life", de Billy Strayhorn, a faixa-título de seu álbum lançado, em 1961, pela Prestige Records.

O próximo Coltrane? Provavelmente não, mas sua estreia sugere que ele tem o que é preciso para alcançar, de forma convincente, o mesmo patamar de qualquer outro que tenha tentado.

Faixas: Obvious Transmission; Crispy; EWR Hero Saynt; Jump Loud; Flight Of The Humblebee; Unstablemates; I'm In Tears, Crazy He Calls Me.

Músicos: Alain Métrailler (saxofone); Elias Stemeseder (sintetizador,piano); Eric McPherson (bateria); Christopher Tordini (baixo).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 11/06

Alex Sipiagin (1967) – trompetista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=ZFBznxQQ38k&feature=related,

 Bob Gordon (1928-1955) - saxofonista,

Bob Roetker (1948) – guitarrista,

Hazel Scott (1920-1981) - pianista,

Jamaaladeen Tacuma (1956) – baixista,

Jean Oh (1978) – guitarrista,

John Riley (1954) – baterista,

Louis Van Taylor (1954) –saxofonista,flautista,

Lukasz Zyta (1975) – baterista,

Shelly Manne (1920-1984) – baterista 

 

AARON SHAW - AND SO IT IS (Leaving)

Uau. Jovens músicos de jazz que querem trilhar os caminhos cósmicos de Pharoah Sanders, Sun Ra, Alice Coltrane, etc., são aos montes. Muito mais raros são aqueles que fazem isso com a delicadeza que o multi-instrumentista de sopro de Los Angeles, Aaron Shaw, demonstra. Mais surpreendente ainda é o fato de Shaw ser um protegido de Kamasi Washington (cujo nome jamais apareceu associado à expressão "toque delicado. Porém, que não haja dúvidas de que, em "And So It Is (E Assim É)", Shaw se destaca sozinho.

Na verdade, a produção de Shaw (com o baterista/percussionista Carlos Niño) frequentemente enfatiza essa solidão, apesar da presença de vários colaboradores.

O tenor dele na primeira metade de “Heart Of A Phoenix” tem tanta reverberação que parece que ele foi gravado no outro extremo de um galpão, longe dos microfones que captavam o pianista Sam Reid, a harpista Merci B, o baixista Lawrence Shaw, o violoncelista Kiernan Wegler, o vocalista Dwight Trible e Niño e, de fato, a própria flauta de Shaw. É como se ele já estivesse bem à frente na jornada, embora todos o alcancem na segunda metade. “The Path To Clarity”, por sua vez, é denso, mas devido às próprias gravações de Shaw tocando flauta. Algumas dessas camadas são drones com sonoridade eletrônica, que evocam o último álbum de Sanders com o Floating Points. “Echoes Of The Heart” replica esse recurso, mas adiciona saxofones. Shaw fica ainda mais sozinho consigo mesmo.

As dimensões espirituais de “And So It Is”, portanto, raramente são a confluência usual de gospel e raga (embora essa confluência faça-se presente, especialmente na faixa de abertura “Soul Journey”). “Jubilant Voyage”, por sua vez, soa inicialmente mais como uma gravação de campo de algum ritual tribal, pelo menos até se transformar em um banquete de circuitos de fita e obstáculos. O duo de tenor e piano de voz suave, "Windows To The Soul", por outro lado, tem uma melodia hard bop que poderia ter sido destaque em um álbum da Blue Note dos anos 50 ou até mesmo ter encontrado espaço nas rádios pop da época. Shaw tem muito a dizer, e muitas maneiras gloriosas de dizê-lo.

Faixas

1.Soul Journey 04:31

2.Heart of a Phoenix 09:27

3.Windows to the Soul 05:01

4.The Path to Clarity 03:48

5.Echoes of the Heart 02:52

6.Jubilant Voyage 05:10

7.Inner Compass 04:41

8.Never Catch Me Out of Alignment 06:46

Músicos: Aaron Shaw - flauta e saxofone tenor; Alex Smith – bateria; Carlos Niño – bateria e percussão; Dwight Trible – voz; Kiernan Weggler – cello; Lawrence Shaw – baixo; Merci B – harpa; Sam Reid – piano; Ghalani – vocoder.

Fonte: Michael J. West (DownBeat)

 

 

ANIVERSARIANTES - 10/06

Charnett Moffett (1967) – baixista,

Dicky Wells (1907-1985) - trombonista,

Dwayne Burno (1970-2013) – baixista,

Gary Thomas (1961) – saxofonista,

Guinga(1950) – violonista, compositor,

João Gilberto (1931-2019) – violonista,vocalista (na foto e vídeo)  http://www.youtube.com/watch?v=sF3hUYc9lc0&feature=related,

Kinan Azmeh (1976) - clarinetista 

 

SOPHIE AGNEL - SONG (SOPHIE AGNEL) [Relative Pitch Records]

Com “Song”, Sophie Agnel confirma seu lugar como uma das pianistas mais estimulantes e inventivas do cenário europeu de improvisação. Embora ela seja há muito tempo uma parceira formidável para nomes como John Butcher, John Edwards e Steve Noble, aqui ela reforça seu valor como solista.

Porém, essa não é toda a história. O que confere à sessão seu sabor peculiar é o recurso de enquadramento: uma voz gravada — a da soprano Mauricette Millot cantando uma versão de 1958 da tradicional canção natalina francesa "San Jousé m'a dit", na primeira e na última das sete faixas. Falaremos mais sobre isso adiante, mas basta dizer agora que a programação astuta demonstra outra das virtudes duradouras de Agnel: um senso refinado de estrutura, mesmo nos cenários mais livres.

Como muitos outros, ela trata o teclado menos como um instrumento fixo e mais como um gerador de ruído mutável, estendendo-se muito além das preparações estáticas prescritas por John Cage para um terreno que parece tátil, volátil e vivo. Porém, o que a distingue das demais não é apenas a técnica, e sim a precisão com que situa os sons individuais e a sua requintada calibração de contrastes. Basta ouvir e deleitar-se com as sutis e nem tão sutis degradações da sonoridade característica do piano. Suas peças se desdobram como poemas sinfônicos, sem restrições de forma, mas ricos em gestos e implicações.

Em outros exemplos de organização astuta, Agnel alterna a densidade entre os números. As gotas isoladas e as reverberações distorcidas de "Song 2" pairam no domínio da contenção, enquanto a percussão mecânica e implacável de "Song 3" é pura tensão e torque. Mesmo sem recorrer às gravações de voz, ela cria camadas sonoras que evocam metáforas vívidas e elementares: ondas oceânicas, tempestades distantes, zumbidos de cigarras, batidas errantes de poltergeist (NT: é um termo alemão que significa "espírito barulhento" [de poltern, fazer barulho, e geist, espírito]. Refere-se a fenômenos sobrenaturais caracterizados por ruídos inexplicáveis, movimentação de objetos, luzes piscando e quebras de itens, sendo associado a entidades invisíveis que interagem fisicamente com o ambiente). Por vezes, surgem como pulsações fragmentadas, outras vezes geram uma névoa cintilante e envolvente.

O uso da voz de Millot acrescenta uma dimensão emocional inesperada. Na faixa de abertura, a canção natalina surge como uma presença espectral em meio a um chiado ambiente, ruídos e toques de teclado ressonantes. Quando reaparece na faixa final, é uma entidade muito mais corpórea, que Agnel inicialmente ignora com toques hesitantes, mas depois alinha gradualmente, revelando a progressão harmônica subjacente, juntamente com batidas, dedilhados e ecos, tudo sustentado mesmo quando a voz se dissipa, até que ela finaliza a faixa com uma coda suave e cadenciada de dois acordes repetidos em uma resolução silenciosa.

É um desfecho impressionante para um álbum com uma trama revigorante — menos um clímax do que uma reconciliação — em um disco concebido com rara atenção aos detalhes. Embora a música seja minimalista em sua execução, ela é rica em ideias, e sua coerência reside na habilidade de Agnel em moldar o tempo e a ressonância com foco inabalável.

Faixas: Song 1; Song 2; Song 3; Song 4; Song 5; Song 6; Song 7.

Fonte: John Sharpe (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 09/06

Alegre Correa (1960) – guitarrista,violonista,

Alexander Claffy (1992) – baixista,

Alune Wade (1978) – baixista,

Caecilie Norby (1964) – vocalista,

Cláudio Nucci (1956) – vocalista,violonista,compositor,

Cole Porter (1891-1964) – compositor,

Dudley Philips (1960) – baixista,

Jocelyn Gould (1986) – guitarrista,

Karl Latham (1961) – baterista,

Kenny Barron (1943) – pianista (na foto e vídeo) http://www.dailymotion.com/video/xqle4_stan-getz-kenny-barron_music ,

Les Paul (1916-2009) – guitarrista,

Michael Stephans (1945) – baterista,

Mick Goodrick (1945-2022) – guitarrista,

Mike Melillo(1939) – pianista,

Wayman Tisdale (1964-2009) - baixista

 

NATSUKI TAMURA / SATOKO FUJII / RAMÓN LÓPEZ - YAMA KAWA UMI (Not Two Records)

Em aproximadamente 30 anos de carreira, Satoko Fujii (pianista, líder, compositora, provocadora, experimentadora sonora de primeira linha) mostrou-se uma das artistas mais ousadas e intransigentes da música. De certa forma, ela é como Thelonious Monk no sentido de que - em uma experiência inicial com a música de Monk (e de Fujii) - o não iniciado pode não saber muito bem o que fazer com o que está ouvindo, porque nenhum desses artistas segue um livro de regras. Eles eram/são eles mesmos. O melhor conselho para quem não está familiarizado: deixe ir e ouça.

A contagem de álbuns de Fujii, agora, ultrapassa cem lançamentos. Estes são CDs que você realmente segura na mão, com belas capas. Ela não entrou muito no mundo do streaming. Yama Kawa Umi (em japonês, "Montanha, Rio, Mar") a encontra em conluio com seu parceiro conjugal e musical, o trompetista Natsuki Tamura e o baterista Ramón López, dando continuidade à segunda tentativa deste trio em particular (ela tem muitas), depois de “Mantle (Not Two Records)” de 2020.

“Yama Kawa Umi” irrompe em existência com um ataque, lá em cima nas "Headwaters", um tumulto selvagem de interação a três, que soa como se dois times de hóquei estivessem se misturando depois que as luvas foram tiradas e os jogadores estão flanando livremente. Isto dura menos de um minuto. Então as coisas se tornam ruminativas, e o devaneio introspectivo de Fujii substitui o caos. O baterista López entra, assim como Tamura, com contribuições deliberativas, que ganham impulso na direção do combustível.

Fujii é conhecida por sua grandiosidade e poder do hard rock em álbuns como “Dog Days Of Summer (Libra Records)” de 2024. Ela também é conhecida por suas reviravoltas composicionais, mudanças de ritmo e momentos de beleza requintada. É isso que temos aqui, deixando de lado a briga inicial. Momentos de presságio sombrio se aproximam. Tamura sopra em discursos técnicos prolongados que fazem todo o sentido nos contextos do trabalho assertivo da bateria e dos músculos, piano girando livremente que bate em uma órbita elíptica ao redor dele.

E assim vai outra tentativa de descrever o indescritível: O mundo sonoro de Satoko Fujii, neste caso um álbum que é em parte uma suíte composta em torno do funcionamento de um rio que nasce nas montanhas, na tumultuada "Headwaters", brilha ao longo de sua jornada, espalhando-se em segmentos pensativos nas seções mais planas ao longo do caminho e continua, implacável em seu exame das mudanças de humor e ritmos, enquanto obedece à inevitabilidade da gravidade e encontra o mar.

Faixas: Headwaters; Signpost; Sparkling Water; One Day Later; Cold Water; Yama Kawa Umi; Dusk Sky; Bolognaise; Malakoff.

Músicos: Satoko Fujii (piano); Natsuki Tamura (trompete); Ramón López (bateria).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)