PAOLO ANGELI – LEMA (AnMa Productions)

Paolo Angeli traçou um caminho singular desde que “Dove Dormono Gli Autobus (Erosha, 1995)” apresentou o guitarrista da Sardenha ao resto do mundo. Naquela época, ele fazia malabarismos com guitarra sarda, guitarra clássica, baixo elétrico e percussão. Ele logo passou a tocar guitarra preparada, um híbrido de guitarra, violoncelo e harpa. Além dessa tríade de recursos, uma guitarra Angeli típica possui mais recursos do que se pode imaginar: pedais, martelos, minihélices, dualidade acústico-elétrica e eletrônica se combinam para criar uma orquestra de guitarras de possibilidades extraordinárias. Isso exige mãos excepcionais e visão conceitual, duas das marcas registradas de “Lema”. Neste, seu 14º álbum solo, Angeli explora temas como transição e renascimento, identidade e pertencimento, perda e o poder curativo da natureza.

Desde “Nijar (ReR Megacorp/AnMa Productions, 2023)” —sua homenagem a Federico Garcia Lorca com toques de flamenco—Angeli passou a usar um violão atualizado, fabricado pelos luthiers Micheluttis de Cremona e modificado pela Oran Guitars, da Sardenha. Os fãs mais atentos de Angeli podem intuir que um ou dois de seus sons característicos deram lugar a novos timbres. Cada vez mais proeminente também é a sua voz — frágil e lamentosa — que entoa poesia que abrange séculos. A magia reside na fusão de uma inovação técnica incomum com a paleta musical abrangente e comovente de Angeli: música folclórica da Sardenha, influências africanas e árabes, flamenco e pós-rock se combinam de forma sedutora — a confluência de séculos de intercâmbio mediterrâneo.

A música se desenrola como uma suíte contínua, com uma peça fluindo perfeitamente para a seguinte. Tema e contratema correm em paralelo sobre um zumbido semelhante ao de um órgão. Desde melodias cintilantes que lembram o som da cítara, até sonoridades que evocam a cítara asiática, as cordas de Angeli sugerem influências globais que refletem não apenas os rumos da história, mas também suas próprias viagens pelo mundo. Pulsações graves e ameaçadoras sustentam ondas de distorção psicodélica e crescentes ondas de ruído branco eletrônico. Tradição, modernidade, simplicidade e complexidade estão em constante transformação.

Contornos rítmicos fortes e melodias bem definidas — elementos importantes do vocabulário de Angeli — são ouvidos com grande efeito em "Mavi", com sua pulsação grave dominante, violão dedilhado com vivacidade e linhas líricas de violoncelo. O clima se transforma à medida que o ruído branco, a guitarra elétrica e os vocais evocam uma turbulência emocional. A interpretação apaixonada de Angeli da ode do século XIX do poeta galurês Petr' Alluttu à sua falecida mãe se resolve em uma suave reverência acústica, e a canção é sussurrada como uma prece.

Perda e resiliência caminham juntas em "Nakba", a resposta de Angeli ao poema "If I Must Die" de Refaat Alareer. Em árabe, nakba significa "catástrofe" e se refere à guerra de 1948 com Israel, que deslocou mais de 700.000 palestinos de suas terras. A interpretação comovente de Angeli presta homenagem a Alareer, o poeta, professor e ativista de Gaza morto em um ataque aéreo israelense em mais uma guerra catastrófica, juntamente com cinco familiares em dezembro de 2023. Tal como acontece com todos os poemas que Angeli interpreta em “Lema”, as palavras são cantadas no dialeto galurês do norte da Sardenha. Originalmente escrito em inglês, o poema de Alareer foi traduzido para cerca de 80 línguas e dialetos. Um testemunho poderoso e comovente da resistência palestina.

Angeli encerra com uma referência percussiva a Sun Ra — embora resista à tentação de abordar a poesia afrofuturista do artista do Alabama — por enquanto. Embora Angeli já tenha incorporado poesia e texturas musicais díspares em suas composições há muito tempo, “Lema” soa como uma síntese de sua trajetória até o momento. Tecnicamente impressionante, sem dúvida, mas é a carga emocional pura na interpretação e no canto de Angeli que deixa a marca mais profunda.

Faixas: Periplo; Sciumara; Maví; Azafrán; Nakba; Conca Entosa; Ramadura; Sun Ra.

Músicos: Paolo Angeli (guitarra, vocal, guitarra sarda preparada)

Fonte: Ian Patterson (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 23/06

Alessandro Minetto (1969) – baterista,

Ben Paterson (1982) – pianista,

Daniel Szabo (1975) – pianista,

Donald Harrison (1960) – saxofonista,

Eddie Miller (1911-1991) - clarinetista,saxofonista,

Elza Soares (1937-2022) – vocalista (na foto e vídeo) http://musica.uol.com.br/ultnot/multi/2008/12/23/04023672C4C94326.jhtm?elza-soares-interpreta-se-acaso-voce-chegasse-na-sesctv-04023672C4C94326=, 

George Russell (1923-2009) - pianista,líder de orquestra,

Helen Humes (1913-1981) - vocalista,

Milt Hinton (1910-2000) – baixista,

Sahib Shihab (1925-1989) - flautista, saxofonista 

 

THE ED PALERMO BIG AND – PROG VS. FUSION: A WAR OF THE AGES (Sky Cat Records)

Às vezes, músicos com grande talento levam sua música um pouco a sério demais. Outros, no entanto, conseguem combinar talento e humor de uma forma contagiante. A Ed Palermo Big Band é um dos melhores exemplos deste último. Com álbuns que bebem de influências tão diversas quanto Frank Zappa, Paul Butterfield e King Crimson, Palermo oferece uma base sólida de jazz, infundida com um espírito de experimentação e um olhar para o absurdo. Com “Prog vs. Fusion: A War of the Ages”, ele mais uma vez corresponde às expectativas.

Embora gêneros como pop, country e metal já atraíssem grandes públicos há muito tempo, na década de 1970, artistas de jazz-rock também lotavam estádios. A música geralmente se dividia em duas categorias distintas: jazz fusion e rock progressivo. Embora ambos os grupos se concentrassem em performances virtuosas, havia uma divisão um tanto amigável entre os dois lados — algo como times esportivos rivais.

Conhecido há muito tempo por seus arranjos criativos e humor sagaz, Palermo transforma este projeto num confronto teatral entre titãs do gênero. Imagine uma jam session noturna com John McLaughlin, Chick Corea, Frank Zappa e Yes com uma pitada de Soundgarden (NT: foi uma banda de rock americana de Seattle, formada em 1984, conhecida como uma das pioneiras do movimento grunge) para completar. O resultado é um espetáculo audacioso, impulsionado por metais, que se mostra simultaneamente cerebral, visceral e profundamente divertido.

Desde o início, a banda de Palermo mergulha num campo de batalha sonoro onde guitarras elétricas duelam com saxofones e compassos ímpares, que lutam com passagens harmônicas exuberantes. Não se trata de uma simples mistura. É uma colisão cuidadosamente orquestrada, repleta de nuances e carinho por ambos os gêneros. As faixas oscilam entre a sátira à la Zappa e a intensidade ao estilo Mahavishnu, muitas vezes em questão de compassos.

Como sempre, a capacidade de Palermo de equilibrar complexidade e clareza é impressionante. Seus arranjos oscilam entre a grandiosidade orquestrada do programa e o abandono descontraído do fusion, mantendo sempre um fio condutor de humor e precisão musical. A banda — experiente, destemida e coesa — dá vida a cada música com talento, capturando o espírito dos originais e, ao mesmo tempo, injetando-lhes energia e contexto renovados.

Entre os destaques, estão os motivos progressivos reinventados que se transformam em explorações jazzísticas de ritmo acelerado, juntamente com momentos em que os gêneros se confundem de forma tão convincente, que fica difícil lembrar que alguma vez houve uma linha divisória entre eles. Isto não é uma paródia nem um pastiche, mas sim uma homenagem com um toque especial, guiada pela visão singular de Palermo.

Seja pelo virtuosismo, pela audácia em transitar entre gêneros ou simplesmente pela alegria de ouvir uma big band se soltar, “Prog vs. Fusion: A War of the Ages” não decepciona. É um álbum conceitual que se recusa a se levar muito a sério, mas nunca deixa sua qualidade cair por terra. Nas mãos de Palermo, a "guerra" entre o jazz progressivo e o fusion termina numa espécie de armistício musical, onde a imaginação vence.

Faixas: Resolution; Black Hole Sun/Bodhisattva; There Comes A Time; Tarkus; Vrooom; Long Distance Runaround; Snake Oil; There's No Mystery About My G-Spot; Spanish G-Spot Tornado; Mystic Knights Of The Sea; On The Milky Way Express; Take A Pebble; One Word; The Fish; Fred; Black Hole Sun; Pictures Of A City.

Músicos: Ed Palermo (saxofone); Cliff Lyons (saxofone alto); Phil Chester (instrumentos de palheta); Bill Straub (instrumentos de palheta); Ben Kono (saxofone tenor); Barbara Cifelli (instrumentos de palheta); Ronnie Buttacavoli (trompete); John Bailey (trompete); Augie Haas (trompete); Bobby Spellman (trompete); Charley Gordon (trombone); Mike Boschen (trombone); Matt Ingman (trombone baixo); Bruce McDaniel (guitarra); Bob Quaranta (piano);Ted Kooshian (piano); Paul Adamy (baixo); Ray Marchica (bateria); Mike Keneally (guitarra); Katie Jacoby (violino).

Fonte: Kyle Simpler (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 22/06

Arturo O´Farrill (1960) – pianista,

Craig Russo (1963) – percussionista,

Eumir Deodato (1942) – pianista,

Hermeto Pascoal (1936-2025) – multi-instrumentista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=qaKtBdhD3vg&feature=related,

John Mosca (1950) – trombonista,

Justin Thomas (1987) – vibrafonista,

Keter Betts (1928-2005) – baixista,

Maurizio Rolli (1965) – baixista,

Ray Mantilla (1934) - percussionista 

 

SERGIO PEREIRA – BOSSA +

O guitarrista/compositor e vocalista brasileiro Sergio Pereira, residente em Nova York, lança um álbum de música brasileira leve no “Bossa+”, continuando sua exploração da bossa nova, samba, choro e outros estilos brasileiros, fundindo-os com um som ambiente de jazz clássico que vai muito além da música tradicional familiar. Orgulhoso de sua herança cultural e do impacto da música em sua vida, do álbum Pereira afirma que "Bossa +” “reflete a música e os sons que vêm das minhas experiências de vida, influências, sons e lugares". Conseqüentemente, o álbum é mais do que uma coleção de belas músicas. É uma documentação musical que reflete diversas experiências ao longo de sua vida.

Gravado em Valencia, Espanha, Pereira atua com um quinteto de jazz latino com o trompetista venezuelano Chipi Chacon, o pianista cubano Luis Guerra, o baixista cubano Ariel Ramirez e o colega produtor e amigo, o baterista brasileiro Mauricio Zottarelli. Na sonhadora "One for Pat", um tributo ao grande guitarrista Pat Metheny, Pereira grava com um quinteto inteiramente diferente apresentando o renomado guitarrista brasileiro Romero Lubambo, o pianista Iván Melón Lewis e o baixista Ivan Ruiz Machado— ambos vindo de Cuba— com o baterista uruguaio José San Martín. Todos aparecem como convidados especiais.

A faixa-título é leve, quente e suave, abre com a voz suave do flugelhorn de Chacon e o líder em seu violão Raimundo acompanhado por Guerra ao piano, iniciando o álbum com um impressionante sabor de bossa . Love" mostra o guitarrista tocando as cordas levemente enquanto canta pela primeira vez com Chacon no trompete surdinado, entregando vários solos curtos em uma convidativa canção de amor que vai direto ao coração.

Em sua única aparição no álbum, com exceção de Lubambo, os convidados especiais tocam um esplêndido acompanhamento  em "One for Pat", apresentando o trabalho do baterista com vocais sem palavras de Pereira, um solo de contrabaixo de Machado e mostrando o trabalho prático de guitarra de Lubambo no violão, enquanto Pereira toca seu arco elétrico Sadowsky, enquanto os dois trocam deliciosas lambidas nas cordas. "Montgo" permite ao trompetista carregar a melodia e a entonação, exibindo seu talento no instrumento com algumas notas agudas, enquanto Pereira alterna entre guitarras elétricas e acústicas em uma das melhores faixas do trabalho.

Lubambo e Pereira unem forças mais uma vez na rítmica e encantadora composição original "Saudades", com o líder tocando a melodia enquanto o convidado especial apresenta um solo magnífico nesta "bossa vibrante", uma peça fundamental do álbum. A música segue numa direção diferente com a animada e vibrante "Desamor", que conta com Pereira nos vocais e todos os membros da banda nesta faixa animada e envolvente.

Pereira encerra a sessão com o clássico de Warren/Gordon "There Will Never Be Another You", mas com um arranjo decididamente brasileiro, dando os toques finais a uma gravação excelente. “Bossa+”, de Sergio Pereira, é uma gravação musical excepcional. Apesar de ter apenas sete faixas, o álbum apresenta muitos pontos positivos e nenhum negativo, tornando-o agradável em vários aspectos.

Faixas: Bossa; Sea of Love; One for Pat; Montgo; Saudades; Desamor; There Will Never Be Another You.

Músicos: Sergio Pereira (violão e vocal); ChipiChacon (trompete); Luis Guerra (piano); Ariel Ramirez (baixo); Mauricio Zottarelli (bateria); Romero Lubambo (guitarra acústica); Ivan Melon Lewis (piano); Ivan Ruiz Machado (baixo); Jose San Martin (bateria).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=4yWBJH77KDk

Fonte: Edward Blanco (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 21/06

Ajamu Akinyele (1972) – baixista,

Christy Doran (1949) - guitarrista,

Dave Bass (1950) – pianista,

Eric Reed (1970) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=2Hvrjhw2Lv4,

Jamil Nasser (1932) - baixista,

Joe Purrenhage (1966) – guitarrista,

Jon Hiseman (1944-2018) – baterista,

Lalo Schifrin (1932-2025) -pianista,

Rob Schneiderman (1957) – pianista,

Steven Feifke (1991) - pianista 

 

LED BIB – HOTEL PUPIK (Cuneiform)

Medrando nas áreas difusas de interseção entre o jazz, o rock, a improvisação, mais ou menos livre, e o noise, os Led Bib são uma das bandas mais reconhecidas do Reino Unido. Ao longo de uma trajetória de mais de duas décadas, o agora quarteto — após a saída do tecladista Toby McLaren, peça fundamental desde a fundação do grupo — tem combinado todos estes ingredientes, em diferentes proporções, para engendrar um universo próprio e distinto. Formados em 2003 pelo baterista e compositor norte-americano Mark Holub, na Universidade de Middlesex, norte de Londres, os Led Bib já editaram uma dúzia de álbuns (entre gravações de estúdio e ao vivo) e fizeram digressões internacionais, tendo sido nomeado para o Mercury Prize por “Sensible Shoes (2009)”. A energia visceral patente nos primeiros álbuns, como “Arboretum (2005)” e “Sizewell Tea (2007)”, deu progressivamente lugar às arquiteturas sônicas multiformes que escutamos em “Bring Your Own (2011)” — altura em que passaram por Lisboa, para atuarem na edição de 2012 do Jazz em Agosto — e “The People In Your Neighbourhood (2014”), às experimentações vocais de “It’s Morning (2019”) e à reinvenção (quase) total operada em “Hotel Pupik”, editado pela Cuneiform. O grupo incorpora agora um componente melódico mais marcado, sem abdicar da inventividade e da propensão para arriscar novas soluções. Não nos esqueçamos que o local onde o grupo foi criado fica a uma curta distância de Canterbury, epicentro de um braço do rock psicodélico e do jazz-rock a partir de meados da fervilhante década de 1960, encabeçado por bandas como Soft Machine ou Hatfield and the North. “Hotel Pupik” acaba por ser uma espécie de anomalia na discografia dos Led Bib, embora as marcas essenciais do grupo se mantenham intactas: os saxofones de Pete Grogan e Chris Williams, em permanente interação, são duas faces de uma mesma moeda; o baixo de Liran Donin injeta um balanço irrequieto e o baterista Mark Holub continua a mostrar o seu vocabulário amplo. Após a partida de McLaren nem tudo correu bem para os Led Bib: os primeiros concertos no novo formato instrumental foram problemáticos. «Não foram fáceis», admite Holub em entrevista de apresentação do novo álbum. «Acho que estávamos a tentar tocar como um quarteto, mas da mesma forma que sempre tocamos. E parecia que faltava alguma coisa.» O baterista observa ainda que os Led Bib consideraram recrutar um novo membro, mas decidiram não mexer na química existente entre os quatro músicos restantes e nos vínculos de cumplicidade urdidos ao longo de tantos anos de trabalho conjunto. «Isso obrigou-nos a repensar o que estávamos a fazer, de uma forma realmente positiva», explica Holub. «Em que medida as escolhas que faço nos Led Bib, em termos sonoros, têm a ver com as outras pessoas desta banda e com as nossas experiências em conjunto, e em que medida têm a ver com o que eu próprio escolheria? Por isso, de certa forma, fazer este disco foi uma forma de imaginar que nunca tínhamos tocado juntos antes. Para onde iríamos se começássemos de novo?» Estas inquietações acabaram por ter uma resposta cabal em “Hotel Pupik”, o álbum. O Hotel Pupik, o local, fica nas dependências de um castelo em ruínas nos arredores de Scheifling, no coração da Áustria. Rodeado por colinas íngremes e aninhado num bosque de árvores caducas, é um complexo de habitações e espaços abertos, semelhantes a lofts; no verão, artistas são convidados a lá conduzirem experiências, atraídos pela promessa de alojamento gratuito, paisagens atraentes e um ambiente acolhedor. O ritmo tranquilo das sessões de gravação, realizadas ao longo de uma semana, permitiu à formação explorar diferentes caminhos e possibilidades. Apenas uma pequena parte do que foi gravado conhece a luz do dia: os Led Bib moldaram as gravações escolhidas no que Holub chama, com ênfase deliberada, de «um disco». «Estávamos a pensar em álbuns clássicos de rock, como “The Dark Side of the Moon”, dos Pink Floyd», diz. «A pensar em criar algo em que o álbum em si fosse uma história e, neste caso, considerando realmente o formato LP de 20 minutos em cada lado», sublinha o baterista.

Mark Holub — a residir em Viena há vários anos — já tinha sido artista residente no Hotel Pupik e concluiu que este poderia ser o lugar ideal para lançar uma nova fase dos Led Bib com um álbum diferente. Depois de discutir com a banda, prepararam uma candidatura junto do Arts Council England e, para surpresa de todos, a mesma foi aceita. «A ideia», explica Holub, «era passarmos uma semana apenas a tocar e realmente tentar reavaliar o tipo de linguagem que estamos a usar. Obviamente, está ligado ao que fizemos antes; não é completamente estranho ao catálogo», acrescenta o baterista. «Mas era realmente uma questão de pensar: “Tínhamos 22, 23, 24 anos quando nos conhecemos. Atualmente temos 44, 45, 46. O que faremos agora?”» A falta do tecladista e as suas implicações no som da banda colocava-os perante diversos dilemas. «O que faremos sem um tecladista?», perguntaram-se vezes sem conta. «Quando nos separamos de uma namorada ou esposa ou o que quer que seja, de alguma forma temos de reavaliar quem somos sem elas. É como se disséssemos: “Estamos juntos há tanto tempo que a nossa identidade está intrinsecamente ligada a essa pessoa ou, neste caso, à banda. Quem sou eu se não estiver com essa pessoa?» As possibilidades para o rumo a seguir pelo quarteto eram, agora, virtualmente infinitas. O que manter, o que mudar? «Não é improvisação livre, como a improvisação livre com L maiúsculo, ou a improvisação de Derek Bailey», admite Holub. «É improvisar dentro do mundo sonoro que os Led Bib ocupam. Mas não havia muita estrutura no sentido de “É assim que esta música vai ser”. O material anterior dos Led Bibera quase sempre sobre uma forma mais tradicional de trabalhar o jazz: tema, solos, tema. Era isso que costumávamos fazer, e os solos eram sempre livres, mas de alguma forma relacionados com o que tínhamos tocado antes.» Embora algumas coisas que tocaram nas sessões de preparação de “Hotel Pupik” tenham seguido esse modus operandi, o que acabou por ficar no disco não é, em termos gerais, assim. A vertente composicional é agora mais marcada, o que acabou por surpreender o próprio grupo. Na inicial “Iron Ore”, da autoria do baixista, a bateria logo imprime um ritmo maquinal; os saxofones apresentam-se em bloco e o baixo elétrico vinca uma linha repetitiva, qual fio de Ariadne para uma peça em que o grupo declara ao que vem, ligando as pontas de um jazz mais aventureiro à intensidade do rock. “A Tin Teardrop”, de Holub, é mais atmosférica, com o tenor a desenhar uma bela melodia; o barítono entra na conversa, de melodia e contramelodia, parada e resposta. Evoluindo em crescendo, com a dupla rítmica a puxar vigorosamente a música para a frente, sem que o cômputo perca elegância. Noturna e solene, “Dawn Chorus” joga-se no limiar do silêncio.  “Transient Weaving” começa por envolver-nos numa nuvem de mistério que paulatinamente se dissipa e se transforma num ambiente quase festivo. “Pure O” começa em modo contemplativo e segue por caminhos mais angulares, de um camerismo esdrúxulo, feito de agudos afiados. Do tema que dá título ao álbum, improvisação coletiva criada no último dia da residência, avultam as espirais de som saídas do saxofone alto, hipnotizantes; a dupla rítmica aquece e sustenta as deambulações cruzadas dos dois sopradores. A dado momento tudo serena e os saxofones perseveram no diálogo, mas aqui num registro totalmente diferente. A peça segue até final por caminhos mais frágeis (atente-se nos detalhes que o baterista propõe), com um breve solo de baixo a culminar. “Till Next Time” é sucinto e esperançoso epílogo que se dilui no silêncio. No estado em que está o nosso mundo, que haja uma próxima vez.

Faixas      

1.Iron Ore 03:52

2.A Tin Teardrop 07:24

3.Dawn Chorus 04:08

4.Transient Weaving 05:30

5.Pure O 05:31

6.Hotel Pupik 12:21

7.Till Next Time 03:25

 Músicos: Pete Grogan— saxofones; Chris Williams— saxofones, efeitos; Liran Donin— baixo elétrico, efeitos; Mark Holub— bateria.

 Fonte: António Branco (jazz.pt)