THE MILES DAVIS QUINTET - MILES IN FRANCE 1963 & 1964: THE BOOTLEG SERIES Vol. 8 (Legacy Recordings)

Ao mesmo tempo em que a Beatlemania começava lenta, mas seguramente a dominar o globo, Miles Davis avançava inexoravelmente em direção ao que era a música mais aventureira de sua carreira. “Miles In France -The Bootleg Series Vol. 8” captura um grupo de músicos liderado pelo "The Man with the Horn" no limiar de formar o que é chamado de seu segundo grande quinteto, para então se fundir naquele conjunto estelar.

E o drama dentro dessa designação rapidamente floresce plenamente, mesmo que o ouvinte não esteja ciente da história, incluindo a grande fanfarra com a qual esta série de arquivo começou em 2011. Este conjunto de meia dúzia de discos compactos (e também em oito LPs de vinil) funciona, portanto, como uma espécie de prequela de um dos períodos criativos mais abundantes, se não o mais, na carreira de mais de cinquenta anos de Miles Davis.

Ajuda que nessas datas de meados do verão no Mondial Festival na Europa, o quinteto em vigor na época se eleve acima do auge das gravações de estúdio contidas em “Seven Steps to Heaven (Columbia, 1963)”, o último álbum de Davis contendo standards. Abandonar canções como "Stella By Starlight" e "My Funny Valentine" foi um passo crucial para se afastar das convenções em mais de um sentido. Embora as transições entre os solistas sejam geralmente formais e educadas ao extremo, há casos fugazes de improvisação combinada e impetuosa que distinguiriam a próxima formação.

Não para menosprezá-lo, mas o saxofonista George Coleman apenas intermitentemente mostra tal coragem em meio à sua dependência predominante de escalas do bebop. Em contraste, o pianista Herbie Hancock regularmente aborda o precipício de voar mais livremente para tocar de forma tão espontânea - e aventureira. Ao final do primeiro disco, "Joshua" é apenas um exemplo.

Contendo mais de quatro horas de conteúdo inédito ao vivo, é tentador ignorar a sobreposição deste pacote com títulos lançados anteriormente, como “Seven Steps: The Complete Miles Davis Columbia Recordings 1963-1964 (Legacy Recordings, 2004)”. Sobre isto, os curadores deste esforço arquivístico contínuo entraram em território há muito habitado por suas contrapartes em Experience Hendrix.

Como tal, o apelo deste compêndio pode ser para os colecionadores e/ou os seguidores mais devotados de Miles Davis. Claro, isto não é uma grande limitação: o falecido trompetista/compositor/líder tem uma discografia que documenta sua posição na vanguarda de muitos desenvolvimentos estilísticos importantes no jazz (veja “The Complete Birth of the Cool (Capitol, 1998”).

O fato é que as redundâncias superficiais nesta coleção representam o fluxo e refluxo da produção de Davis em torno deste ponto crucial de sua história registrada. Embora ele dificilmente fosse avesso ao impulso —o material básico em “In A Silent Way (Columbia, 1969)” foi gravado em um simples dia para subsequente pós-produção de Teo Macero— mas o falecido ícone do jazz também fomentou a perseverança em seu trabalho.

Os discos marcantes do final da década de 1960, mencionados anteriormente, foram o ápice de um fascínio crescente por novas formas, incluindo os LPs “E.S.P. (Columbia, 1965)” e “Sorcerer (Columbia, 1967)”. E assim como os quintetos desses anos dependiam de um livro bastante padrão para o palco, as sessões de gravação da década de 1970 eram frequentemente consumidas com múltiplas variações do novo material disponível: veja “The Complete Jack Johnson Sessions (Legacy Recordings, 2003)”.

No contexto deste compêndio específico, é bom notar uma sofisticação requintada na execução, mais frequentemente nos tons etéreos do trompete do líder. Porém, há também explorações enganosamente intrincadas do trabalho do baterista precoce Tony Williams, como a de "Walkin'" de 26/07/63. Esta música, talvez não coincidentemente, é usualmente marcada na reta final das apresentações, que geralmente duravam cerca de uma hora ou um pouco mais.

Os programas geralmente semelhantes, invariavelmente concluindo com um floreio irônico apelidado de "The Theme", permaneceram após a introdução do saxofonista/compositor Wayne Shorter na programação. Porém, torna-se óbvio ao ouvir as duas gravações de 1º de outubro de 1964 - depois que Shorter se juntou à trupe de Davis após cerca de quatro anos de namoro - que o nível combustível da execução havia aumentado tremendamente.

Essa clareza coletiva de pensamento está muito de acordo com a qualidade sonora das gravações. Os produtores Steve Berkowitz, Michael Cuscuna e Richard Seidel obteve as gravações com atenção meticulosa aos detalhes para masterização por Vic Anesini, portanto, apesar das pequenas falhas sonoras, a intensidade engenhosa é facilmente aparente, particularmente em passagens sustentadas.

Individual e coletivamente, os cinco músicos demonstram uma curiosidade constante ao explorar os recantos rítmicos e melódicos de materiais como "All Blues". Assim, todas as quatro seleções do segundo conjunto atingem durações de dois dígitos. Um verdadeiro ponto de inspiração para o grupo, a presença de Shorter faz toda a diferença na execução de todo o quinteto.

Como em "Autumn Leaves", por exemplo, Hancock é sutil, mas decididamente, mais despojado, enquanto o próprio Davis induz até mesmo seu solo triste com uma alegria silenciosa. Em "So What", Williams torna-se ainda mais animado em sua execução, indo e voltando com o saxofonista, como se não apenas correspondesse ao vigor imaginativo de sua execução, mas também para impressionar e inspirar e, por sua vez, alcançar patamares mais altos.

O segundo show de outubro de 64 também é revelador, mas de maneiras inusitadas. As gravações mono não permitem que o baixo de Ron Carter seja facilmente discernível em sua profundidade, mas é, no entanto, evidente que sua forma de tocar assume alguns dos ângulos elípticos que seus companheiros de banda adotam. Ele não parece nada reticente em se movimentar vertical e horizontalmente, em papéis de apoio ou solo, durante "All Of You".

Não é por acaso que cada um dos indivíduos presentes em “Miles in France” se porta com tal estilo que apresenta a essência de sua personalidade musical. Mas isso também não é nenhuma surpresa porque, tal como aconteceu com as exumações anteriores do cofre de Miles Davis, o nível de acuidade perspicaz aplicado a todo o esforço está além da replicação. Em um livreto de trinta e duas páginas incluso na caixa do pacote junto com a capa dupla de cada disco, entrevistas com Carter e Coleman são justapostas com um ensaio de Marcus J. Moore.

As percepções do escritor são particularmente agudas na captura da turbulência que dominou a existência de Miles Davis, pessoal e profissional. No entanto, ele foi muito incisivo ao explicar como as várias convulsões levaram, em última análise, ao efeito solto e libertador na música.

Neste contexto, a caixa recortada que envolve os CDs individuais e o livreto em um pacote finito é uma metáfora que representa a profundidade das mudanças que Miles na França representa: “The Bootleg Series Vol. 8” é muito mais do que mero cosmético.

Faixas : CD 1:. Introduction by Andre Francis; So What; All Blues; Stella By Starlight; Seven Steps To Heaven; Walkin’; My Funny Valentine; Joshua. CD 2: The Theme Closing announcement by Andre Francis; Introduction by Andre Francis; Autumn Leaves; Milestones; I Thought About You; Joshua. CD 3: All Of You; Walkin’; Bye Bye Blackbird; The Theme. CD 4: Introduction by Andre Francis; If I Were A Bell; So What; Stella By Starlight; Walkin’; The Theme. CD 5: Autumn Leaves; So What; Stella By Starlight; Walkin’; The Theme. CD 6: All Of You; Joshua; My Funny Valentine; No Blues; The Theme.

Músicos: Miles Davis (trompete); Herbie Hancock (piano); Ron Carter (baixo); Tony Williams (bateria); George Coleman (saxofone tenor); Wayne Shorter (saxofone).

Fonte: Doug Collette (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 02/08

Albert Stinson (1944 –1969) - baixista,

Aldir Blanc (1946-2020) – compositor,

Big Nick Nicholas (1922-1997) – saxofonista,vocalista,

Billy Kilson (1962) – baterista,

Carl Saunders (1942) – trompetista,

Chris Bennett (1948) – vocalista,

David Binney (1961) – saxofonista,

Jacob Collier (1994) – tecladista,

Naná Vasconcelos  (1944-2016) – percussionista(na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=zBb_B8lEhE4,

Natty Dominique (1896-1982) - trompetista,

Neil Welch (1985) – saxofonista,

Pete Rodriguez (1969) – trompetista,

Zach Brock (1974)- violinista  
 

NIKLAS PERSSON TRIO - LIVE AT TEATER TRIBUNALEN (Discreet Music)

Gravado no Festival FRIM, em Estocolmo, em 2024, este álbum apresenta o Niklas Persson Trio. Mesmo antes de colocar o LP debaixo da agulha, estamos curiosos porque somando-se ao fato de ser uma estreia da editora fora da sua zona habitual, estes grupos nórdicos têm uma atividade intensa nos clubes e festivais dos seus países, mas não são conhecidos fora desse circuito; e é o caso deste trio que, durante anos, se encontrou regularmente para tocar na casa do baterista Raymond Strid (que conhecemos bem de inúmeros grupos nórdicos como o Trespass Trio, a Fire! Orchestra, Guy-Gustafsson-Strid Trio, a Luso-Scandinavian Avant Music Orchestra).

Longe dos palcos e das expectativas, este trio foi trabalhando e desenvolvendo a sua música, muito assente na ideia de três discursos independentes, com personalidades próprias e ideias autônomas, que se cruzam para acionar a magia da improvisação. Por esta razão, apesar de ser uma estreia em disco a gravação soa tão madura e com tanta qualidade.

Começa por nos encantar o som do saxofone, seco e gravado à antiga, com espaço e sem artifícios. O fraseado de Persson, um pouco como o de Evan Parker, parece vir mais da prática de escalas da música oriental do que das europeias. Repetições, insistências, notas curtas e insistentes, stacatto, frases curtas.

O LP apresenta duas faixas — uma com 23 minutos e outra com 13 — que são, na verdade, um único corpo musical separado apenas pelas exigências materiais dos LP’s.  Ao longo de pouco mais de meia hora, o trio cria um movimento contínuo e intenso, com o saxofone a assumir um papel condutor, lançando ideias e mantendo a música viva e inquieta. Não há momentos de repetições ou de estagnação por estarem à procura, pelo contrário: a música avança com concentração plena, como se cada frase abrisse caminho à seguinte, o grupo está ligado e é capaz de reagir ao mesmo tempo, mudando de rumo em bloco, como se obedecessem a uma pauta.

Embora criada do instante (e – principalmente – de vários anos a improvisarem juntos, o que claramente se sente), a música revela solidez formal. O grupo tem um domínio raro da arquitetura global do discurso, evitando os automatismos habituais da improvisação, essa curva previsível de acalmia, ascensão e clímax (a “forma de kebab”, como Julien Desprez, por graça, chamou a este cliché da música improvisada). O que permanece, do início ao fim, é uma energia audível, sustentada pela interação sábia dos três e por uma ideia clara de forma em movimento.

É curioso como, apesar de estarmos a falar de um trio escandinavo, com esta forma de gravar e som, e com o modo como a bateria oscila entre o tradicional e o abstrato e o saxofone claro e afirmativo, traz à memória o som do jazz americano dos anos 60 e 70, como por exemplo no “Charles Mingus Presents Charles Mingus” ou em “Black Beings do Frank Lowe” (sem com isto querer dizer que há citações ou referências diretas, pois o grupo tem uma identidade própria). Mesmo nos momentos de maior intensidade, há uma economia de gestos e uma atenção constante à clareza e à concisão que impedem a música de resvalar para a catarse americana.

A bateria de Raymond Strid funciona como eixo do discurso. O contrabaixo de Patric Thorman sustenta o conjunto com discrição firme, enquanto o saxofone de Niklas Persson oscila entre as propostas melódicas e a abstração. A experiência acumulada dos músicos — e a tradição do jazz sueco e em particular o modo como sempre lidou descomplexadamente com o free — fazem esta música soar tão viva e ainda pertinente.

Editado numa tiragem limitada, o LP funciona simultaneamente como estreia mas também como afirmação de uma vontade de seguir por caminhos sólidos e por música que vale a pena, relembrando que o free jazz escandinavo continua a ser um território criativo e inovador.

Não conseguimos evitar tentar saber mais sobre o local onde o concerto foi gravado: Teater Tribunallen. Que nome magnífico! A internet diz-nos que é a casa de um coletivo teatral independente que se instalou num antigo cinema, que foi sala pornográfica antes de ser clube cultural. Desde a sua fundação, o Tribunalen assumiu-se como um teatro declaradamente político, interessado em confrontar o poder, questionar decisões governamentais e intervir nos grandes debates da sociedade sueca. Aqui está um local a não perder numa visita à Veneza do Norte. Viva a Europa!

Faixas

1.Tungan I Rätt Mun 23:12

2.Shanghajad i Heby 13:01

Músicos: Niklas Persson— saxofone alto; Raymond Strid— bateria; Patric Therman— contrabaixo.

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 01/08

Aderbal Duarte (1949) – violonista,

Dave Ratajczak (1978-2014) – baterista,

Dayna Stephens (1978) – saxofonista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=YLrZx6FIqKg,

Deitra Farr (1957) – vocalista,

Hakon Mjaset Johansen (1975) – baterista,

Josh Nelson (1978) – pianista,

Ligia Piro (1971) – vocalista,

Ney Matogrosso (1941)- vocalista,

Paulo Levita(1945) – violonista,

Robert Cray (1953) – guitarrista, vocalista
 

ORRIN EVANS AND THE CAPTAIN BLACK BIG BAND - WALK A MILE IN MY SHOE (Imani / 88 Keys Productions)

Uma olhada na lista de faixas — com reinterpretações de Stevie Wonder e Marvin Gaye e dois clássicos vocais da era do swing — pode dar uma impressão errada. Sim, este é um álbum muito acessível e comovente, mas é um jazz sério e sincero, com a marca pessoal de Orrin Evans que o torna único. Blues, soul e gospel os sons dividem o palco aqui com influências do swing, straight-ahead e avant-garde, o que não surpreende, considerando a década em que Evans tocou com a Mingus Big Band.

O piano de Evans define o tom imediatamente, começando a primeira faixa, "Dislocation Blues", com acordes de blues entrecortados, e depois adicionando nuances harmônicas e elegância em poucos compassos. O organista convidado Jesse Fischer envolve Evans num dueto misterioso e ligeiramente dissonante, antes da entrada dos metais e do vocalista Paul Jost. Ao longo de toda a obra, são os riffs (NT: é um motivo musical curto, melódico ou rítmico, repetido ao longo de uma canção, servindo como base harmônica principal, especialmente no Rock, Blues e Jazz) com toque de blues e as harmonias incomuns de Evans, que impulsionam essa música.

Dos quatro vocalistas do álbum, Lisa Fischer se destaca. Ao interpretar "Overjoyed", a obra-prima vocal de Stevie Wonder, Evans faz com que Fischer comece num andamento mais lento, acompanhado inicialmente apenas por piano e o obbligato de trompete de Nicholas Payton. Fischer adota uma abordagem lenta, grave e com influências de blues, mantendo-se um pouco atrasado em relação ao tempo, enquanto a música cresce gradualmente e passa pelas modulações características de Wonder.

Este é o quinto álbum de Evans com a Captain Black Big Band, o primeiro com tantos vocais, e neste, os metais geralmente fornecem acentos, floreios e solos, em vez de dominar os arranjos. Em "Hymn", os metais são proeminentes, mas estão acompanhando Evans ou ele está dando suporte a eles? Embora o som se torne grandioso em alguns momentos deste álbum, a música geralmente soa intimista, uma qualidade sugerida pelo título escolhido por Evans.

“Walk a Mile in My Shoe” usa "shoe" no singular e, com isso, faz uma revelação pessoal: " Minha jornada musical está intimamente ligada à minha jornada médica, e este disco é a minha forma de abrir as portas para aquilo com que convivo há anos”, disse ele. " Eu uso bengala porque nasci com neurofibromatose. Foi isso que o 'Elephant Man' teve, mas, felizmente, afetou apenas minha perna/pé esquerdo. Fiz várias cirurgias, a última quando tinha oito anos. Não tenho mais problemas neurológicos, mas passei por diversas cirurgias reconstrutivas desde então"

Resiliência e persistência também caracterizam a carreira de Evans, com mais de 30 álbuns lançados como líder, além de seu trabalho com o The Bad Plus e como músico de apoio. Ele também ocupa um cargo docente na Universidade Rutgers. Para dar visibilidade à sua música, ele criou seu próprio selo, o Imani Records, que agora também distribui trabalhos de muitos outros artistas e organiza o evento anual Imani Records Club Patio Jazz Day perto da cidade natal de Evans, Filadélfia. Se este álbum serve de indicação, viajar para Filadélfia para ver a Captain Black Big Band ao vivo no festival pode ser uma ótima ideia.

Faixas: Dislocation Blues; Sunday in New York; All That I Am; Blues in the Night; Hymn; Save the Children; Overjoyed; Smoke Gets in Your Eyes; If.

Músicos: Orrin Evans (piano); Josh Lawrence (trompete); Todd Bashore (saxofone alto); Caleb Wheeler Curtis (saxofone); David Gibson (trombone); Reggie Watkins (trombone); Vicente Archer (baixo); Madison Rast (baixo); Anthony Tidd (baixo); Anwar Marshall (bateria); Mark Whitfield, Jr. (bateria); Sean Jones (trompete); Nicholas Payton (trompete); Jesse Fischer (teclados); Lisa Fischer (vocal); Bilal (vocal); Joanna Pascale (vocal); Paul Jost (vocal).

Fonte: Steve Plever (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 31/07

Celso Pixinga (1953) –baixista,

Dafnis Prieto (1974) – baterista,

Gene Ess (1965) – guitarrista,

George Kelly (1915-1998) – saxofonista,vocalista,

Gordon Johnson (1952) – baixista,

Hank Jones (1918-2010) – pianista (na foto e vídeo), http://www.youtube.com/watch?v=Ur9nz3yrx6M,

Kenny Burrell (1931) - guitarrista,

Kiko Constantino(1969) – pianista,

Michael Wolff (1952) – pianista,

Paula Morelenbaum (1962) – vocalista,

Peter Bocage (1887-1967) – cornetista,violinista,

Roy Milton (1907-1983) – baterista,vocalista,líder de orquestra,

Stanley Jordan (1959) – guitarrista,

Stephen Fulton (1954) – trompetista,flugelhornista

 

 

FRED VAN HOVE - WIM FANFARE - FREE MUSIC (1975 -1988) [Cortizona Heritage]

Paralelamente à intriga e à inovação da música, o jazz é uma história de reorganização política e econômica. Nos Estados Unidos, desde os tempos do swing, do bebop e, eventualmente, do free jazz, a história é repetidamente a dos músicos contra as gravadoras, as casas de shows e os financiadores que buscam controlar tanto seus salários quanto seu desenvolvimento artístico. Esta arte, amada e respeitada globalmente, também está manchada pelos legados de marginalização, mercantilização implacável e negligência socioeconômica, inclusive de seus maiores luminares. Devido a essa história vergonhosa (e presente imutável), é essencial que os devotos do gênero prestem muita atenção às tentativas de libertação do jugo do comercialismo desenfreado, por mais raras e muitas vezes clandestinas que sejam.

Na Bélgica, o Festival de Música Livre do WIM (Workshop for Improvising Musicians) caiu no esquecimento da história do jazz, mas nem por isso deixa de ser espetacular. Fundado em 1975 por Fred Van Hove, Cel Overberghe, André Goudbeek e Ivo Vander Borght, o Festival de Música Livre foi realizado anualmente até 1988, atraindo tanto músicos locais de free jazz quanto público internacional. O festival não tinha vínculos com gravadoras, editoras ou organizadores além dos próprios artistas. As bandas se apresentaram nas ruas rústicas de Antuérpia, em praças, parques públicos e outros espaços da região metropolitana. Sem casas de concerto, sem restaurantes, sem bares, apenas plateias perplexas seguindo com suas rotinas diárias, agredidas pelos trinados ásperos do acordeão de Van Hove, pelo trompete estrondoso de Kris Vinck ou pelo grasnido corrosivo do saxofone alto de Goudbeek. Van Hove e sua banda inventaram uma música que não podia ser dissociada dos intérpretes, da cidade, nem mesmo do momento exato em que era tocada. Uma música imune ao vampirismo ganancioso dos produtores. Infelizmente, isso também significa que os ouvintes atuais tiveram um conjunto muito limitado de gravações para aguçar seu apetite, até agora. Remasterizado a partir de fitas promocionais raras, impressas para uma revista belga de artes e cultura, WIM FANFARE oferece um vislumbre inestimável da revolução local do grupo, incluindo uma apresentação da formação original da banda em 1975.

Cada faixa tem cheiro de rua. O acordeão estridente e expressionista, dedilhado entre baquetas metálicas, tem gosto de queijo coalho encharcado e bolinhos fritos oleosos. Os sons lascivos de Goudbeek lembram a aspereza terrosa dos slogans do vendedor. É difícil confundir o incorrigível vai e vem entre a soprano de Herman Paessens e uma série de tenores e contraltos em "Gutcha" com algo além de uma pequena briga espontânea, que irrompe de algum contratempo sem nome em um boulevard.

As apresentações oscilam entre o ridículo e o carnavalesco, e ao perceberem essa linha tênue, a ultrapassam com entusiasmo. Marchas, ragtimes, jigs (NT: Designa uma dança folclórica rápida e animada, típica da Irlanda e da Escócia [conhecida no Brasil como "jiga"], ou a música tocada para essa dança), polcas e muito mais, tudo representado com igual fervor. Toda a história da música folclórica do século XX é encenada, em parte uma procissão grandiosa, em parte uma farsa maluca. As órbitas do sublime e do grosseiro são representadas muito próximas, as duas colidindo e se misturando como meteoros, que se dirigem para a Terra. Nada é sagrado, ou talvez tudo seja. Os penhascos gêmeos, profundos e profanos, encarando o mesmo abismo insano.

Os concertos da WIM nascem das ruas e, naturalmente, absorvem os diversos sinais e nuances que a vida urbana produz. Eles estão longe de ser os primeiros a fazer isso. Porém, os músicos não agem como papagaios, não se dignam a imitar essas cenas, o que frequentemente as reduz a uma zombaria. Não é a tradução que eles buscam, mas a "coisa" em si. Se a linha de bateria sincopada lembra o golpe controlado de um açougueiro flamengo, ou se o som estridente do trompete de Richard Cuvillier evoca a risada nasal de um velho camponês, isso não se deve a uma interpretação errônea, mas sim à integração. Os músicos tocam com a mesma humildade de um tocador de realejo solitário ou de um artista de rua errante. Eles tocam como se seus concertos fossem partes naturais da vida na cidade, porque em Antuérpia, eles realmente eram. Hoje, o nome de Van Hove está tão indissociavelmente ligado à cidade quanto o de Peter Paul Rubens, e por que não? Há evidências de sua sonoridade (e, por extensão, da WIM) em cada esquina e em cada praça pública. A verdadeira revolução do grupo foi justamente esta: libertar o artista da tirania de seus senhores e devolvê-lo ao povo e às comunidades que formaram sua identidade. Não há nenhum disco este ano que valorize tanto o mau cheiro da vida.

Faixas: Prijs 75; Wrijloop; FM 84; Leer Mij Zingen; Gutcha; Piket; FM 88.

Músicos Fred Van Hove (acordeom); Cel Overberghe (saxofone); André Goudbeek (saxofone alto); Ivo Vander Borght (percussão)

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)