KONRAD CIESIELSKI – KONIEC (Mindses Music)

Konrad Ciesielski parece um homem de contradições: um baterista de “extreme metal” (NT: é um termo coletivo para subgêneros do heavy metal marcados por alta agressividade sonora, letras sombrias e forte estética underground), que também toca “stoner rock” (NT: é um subgênero do rock e do heavy metal que mistura o peso do doom metal com a psicodelia do acid rock e o groove do blues-rock) do sul dos EUA paralelamente; alguém que é barulhento e poderoso, mas dotado de uma graça fluida, e que agora faz sua estreia solo com o título “Koniec (The End)”. Representando uma mudança de rumo em relação à sua trajetória anterior, trata-se de um panorama musical abrangente, de escala verdadeiramente vasta. No entanto, ao final desse filme virtual para os ouvidos, todas essas coisas nem sequer parecem contradições. O panorama é simplesmente vasto e abrangente o suficiente para comportar um pouco de tudo.

Sem se prender a um gênero específico, Ciesielski mantém o foco central no ritmo e se deleita ao explorar uma variedade de sonoridades eletrônicas futuristas. Padrões melódicos, muitas vezes minimalistas, ainda evocam um drama genuíno, por vezes, capaz de fazer o coração disparar, sem recorrer a teatralidade exagerada. Suas raízes no metal transparecem em sua disposição para soar alto ou agressivo; a faixa cyberpunk "Miscommunication Land" sobrepõe cantos quase mecânicos a um sintetizador de timbre zumbidor que ressoa e despenca com o peso de um buraco negro. No momento mais orgânico do álbum, "Labyrinthine" martela um transe de percussão tribal saído dos pesadelos de Peter Gabriel.

Embora a ambientação de ficção científica pudesse facilmente soar distópica, Koniec preserva insistentemente algo humano em meio à frieza. "Out of Gravity" gira em torno de uma voz incongruentemente fofa que divaga, em inglês, sobre devaneios celestiais. O balanço com um leve toque de rock progressivo de "Kamdra" dá lugar a um monólogo em polonês, suficientemente sereno para soar quase filosófico. Várias passagens apresentam um saxofone ou trompete criando cânions de eco, como se ressoassem pelo espaço sideral. Esses momentos evocam intensamente a atmosfera etérea e psicodélica do Portico Quartet, combinada a uma sonoridade de escala cinematográfica que remete à vertente mais grandiosa da obra tardia de Ryuichi Sakamoto.

Cada uma dessas peças parece habitar um mundo próprio, que continua a existir para além dos poucos minutos que podemos ouvir. A experiência parece constantemente tingida por algo estranho, mas quase sempre mantém uma pulsação orgânica palpável para impulsionar o motor de dobra. Com ambição e imaginação de sobra, espera-se que este Fim se mostre apenas o começo de coisas ainda mais fascinantes.

Faixas: Out of Gravity; Miscommunication Land; Taganana; Kamdra; Labyrinthine; Znaczenie; To Beginning.

Músicos: Konrad Ciesielski (bateria); Patrycja Tempska (saxofone); Dawid Lipka (trompete); Gabriela Wasilewska(vocal); Joanna Gośniowska-Budzisz (vocal); Jan Galbas (piano); Wojciech Łącki (baixo); Krzysztof Traczyk (vocal); Konrad Ciesielski e Maciej Stendek (mixagem e produção).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=x779Sp-5dEo

Fonte: Geno Thackara (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 15/10

Bill Charlap (1966) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=4Og-DP_kaAg&feature=related,

Freddy Cole (1931-2020) – pianista,vocalista,

Herman Chittison (1908-1967) - pianista,

Keith Javors (1971) - pianista,

Lisa Ullen ((1964) – pianista,

Palle Danielsson (1946) – baixista,

Reid Anderson (1970) - baixista,

Victoria Spivey (1906-1976) - pianista,vocalista 

 

BETO PACIELLO - THE STOIC SUITE (11 Moons Arts)

Beto Paciello toca piano em “The Stoic Suite”. Misteriosamente, ele não é creditado por essa participação em nenhum lugar da capa do álbum. Talvez o brasileiro relativamente desconhecido queira enfatizar o calibre de seus colaboradores: John Patitucci, John Ellis, Rogério e Anne Boccato e Eric Harland? Você não quer ouvir isso logo?

Ou talvez, Paciello esteja mais interessado em se apresentar como compositor, o que ele é, em todas as sete faixas de "The Stoic Suite". As composições certamente merecem atenção. Se é jazz brasileiro propriamente dito, não o é explicitamente. É mais como um pós-bop tradicional com um toque brasileiro. “Sunset Skies” é a faixa que mais se aproxima do som mais pesado, com Harland e Rogerio combinando-se em um ritmo de samba vibrante (ou pelo menos algo próximo ao samba), com o soprano de Ellis, o piano de Paciello e os vocais sem palavras de Anne Boccato expressando uma melodia à la Jobim. Entretanto, fiel ao seu nome, “Mar Mediterrâneo” revela um toque italiano com seu ritmo de valsa e melodia de clarinete baixo. “Tempus Fugit” (sem relação com o clássico de Bud Powell) é uma música ousada e quadrada, temperada por uma melodia doce, porém arrebatadora, para o clarinete baixo e a flauta de Ellis, e para os vocais de Boccato. Todas se distinguem pela melodia envolvente do compositor e pela rica e magnífica harmonia. Porém, também há solos estelares: Ellis está particularmente bem com sua flauta em "Tempus Fugit", Patitucci magnífico em "Sunset Skies".

Ainda assim, Paciello também merece mais crédito como pianista do que ele mesmo se dá. Seu solo harmonicamente ousado e com toques de tango na faixa de abertura “Amor Fati” é um dos destaques do álbum, e sua introdução (em parceria com um Patitucci com arco) em “Memento Mori” é uma passagem sensível que habilmente prepara o terreno para a linha melódica de Boccato. Ele participa da comovente faixa de encerramento “Nostalgia (For My Mother)”, então não lhe falta autoestima, mesmo assim, “The Stoic Suite” merece ser celebrado.

Faixas:

1 Amor Fati 07:18

2 Tempus Fugit 03:58

 3 Memento Mori 05:12

4 Eternal Love (For My Father) 07:08

5 Sunset Skies 07:37

6 Mediterranean Sea 04:47

7 Nostalgia (For My Mother) 04:01

 Músicos: Beto Paciello (piano); John Patitucci (baixo); Eric Harland (baterista); John Ellis (guitarrista); Rogério Boccato (percussionista); Anne Boccato (vocalista, percussionista).

Fonte: Michael J. West (DownBeat) 

 

 

ANIVERSARIANTES - 14/10

Aaron Aranita (1955) – saxofonista,pianista,

Andreas Stensland Lowe (1983) – pianista,

Dan DeChellis (1970) - pianista,

Dusko Gojkovic (1931-2023) - trompetista,flugelhornista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=RE7wNjaF3zU,

Eduardo Gudin(1950) – violonista,compositor,

Garrison Fewell (1953-2015) - gutarrista,

James Carney (1963) - pianista,

Jewell "Babe" Stovall (1907-1974) – guitarrista,vocalista,

John Graas (1924-1962)- frenchornista,

Kazumi Watanabe (1953) – guitarrista,

Matthew Parrish (1969) - baixista,

Spencer Williams (1889-1965) - pianista
 

LUKE BERGMAN, JASON BURGER MARTIN NEVIN - LUKE BERGMAN, JASON BURGER MARTIN NEVIN

Basear o tema de um álbum na soma de seus intérpretes dificilmente é uma ideia nova, mas é uma abordagem que, ainda assim, oferece inúmeras possibilidades de expressão, visto que as personalidades são sempre únicas. A dinâmica entre Luke Bergman, Jason Burger e Martin Nevin nesta gravação homônima não foge à regra, mas reflete os aspectos mais positivos de priorizar o conceito em detrimento das necessidades individuais de cada integrante. Juntos, eles unem suas mentes e apresentam um conjunto de arranjos de foco preciso e suave, admiravelmente pacientes e extremamente ricos em personalidade e atmosfera, ao adotar uma fusão minimalista de blues, swing e folk, impregnada da emoção típica dos filmes de estrada de Wim Wenders

Bergman, Burger e Kevin trazem, cada um, sensibilidades artísticas maduras e marcadas por vivências diversas ao álbum. Originário do estado de Washington, Bergman desenvolveu uma musicalidade impecável em diversos instrumentos, destacando-se especialmente ao tocar baixo com nomes como Bill Frisell, Cuong Vu e Ted Poor. Aqui, sua arma de escolha é o pedal steel (NT: é uma guitarra elétrica horizontal apoiada em pés), que lhe permite abordar o repertório, composto majoritariamente por versões de outras músicas sob uma perspectiva diferente. De fato, a qualidade da sonoridade mais lenta e crescente do pedal steel é fundamental para que o álbum transmita, em sua totalidade, uma sensação de algo inerentemente antigo e suave, ainda que levemente ambíguo. O baixo de Nevin, de maneira semelhante, ancora o trio com notável delicadeza, sempre ativo, porém ponderado e focado na tarefa em questão. Burger, que integrou as bandas de Andrew Bird, Big Thief e Kenny Werner, também demonstra habilidade ao escolher com precisão os gestos e momentos em que sua contribuição pode melhor apoiar o esforço conjunto do grupo. Juntos, esses artistas soam como três sábios que preferem observar a descrever seu objeto.

A música não é meramente uma homenagem, apesar de transmitir uma impressão decididamente clássica. Névoa, poeira e tons de sépia vêm à mente ao ouvir, mas sem se enquadrar em nenhuma tradição específica. Ao escolherem músicas de Duke Ellington, Kurt Weill e Roy Orbison para expressar o que pensam, esses três não tentam evocar tempos supostamente mais simples. O diálogo entre eles ocorre no tempo presente, como amigos que compartilham impressões livres de julgamentos, intenções ocultas ou reatividade, mantendo um espaço de respeito mútuo e em relação a cada peça que escolhem. Em outras palavras, todos esses instrumentistas chegaram preparados para deixar o momento fluir, sem interferir nem sentir necessidade de chamar a atenção para si mesmos. As coisas simplesmente existem e se movem por conta própria, como microcenas ao estilo de Rockwell.

Cada peça é reinterpretada de modo a permitir que emoções e impressões muito específicas se manifestem. Começando com a suave "Reflections in D", de Ellington, a sequência de faixas desenrola-se como os acontecimentos de um dia comum, retratando o mundo ondulante de um filme rodado à mão que desperta lentamente para a vida. As peças são todas tratadas de tal forma que parecem cenas distintas, porém relacionadas, do mesmo dia. Os solos nunca parecem interrupções, e a responsabilidade pela forma e estrutura, embora algo evidente, parece assumida com leveza. As coisas simplesmente surgem e desaparecem. A versão do grupo para "So Long, Frank Lloyd Wright", de Simon & Garfunkel, transporta a música original para uma atmosfera de lentidão diurna, como uma manhã que não precisa ter fim, sendo tudo isso emoldurado por uma releitura introspectiva de "Don't Let It Bring You Down", de Neil Young, que atravessa a noite em solidão, sem qualquer perspectiva de amanhecer. Há a sensação de que as apresentações começam e terminam apenas devido às limitações do processo de gravação.

Composta predominantemente em meados do século XX por compositores estadunidenses, é difícil não sentir uma leve ponta de saudade ou nostalgia, talvez, mas considere a mensagem por trás da seleção deste repertório como se essa fosse a única música que já existiu. As canções, então, definiriam umas às outras tanto quanto a si mesmas, e essas associações conferem nova vida a todas as partes e ao todo. A inclusão de "A Figure Descends", a única obra original de Nevin, sugere que o grupo, ao menos em parte, se concebe inserido em uma espécie de continuidade com esse mundo imaginado, em vez de simplesmente prestar algum tipo de homenagem a tempos passados. Cada peça foi originalmente composta por diferentes compositores, em locais e épocas distintos, e em diferentes momentos de suas respectivas carreiras. No entanto, a visão deste trio permite que nuances únicas emerjam da música e que cada peça soe como momentos de uma única conversa prolongada entre amigos. Assim como o suave nascer do sol da faixa de abertura de Ellington, o grupo finalmente atenua as luzes com um arranjo de encerramento para "The Voice of Love", de Angelo Badalamenti, música do filme “Fire Walk With Me”, de David Lynch. Todas as nuances tonais das faixas anteriores começam a se fundir, formando um arco-íris carregado de emoção e de qualidades inexprimíveis, antes de se dissiparem suavemente nas últimas notas do acorde final de Bergman.      

Faixas: Reflections in D; So Long, Frank Lloyd Wright; Goodbye Pork Pie Hat; Boplicity; Don't Let It Bring You Down; West Wind; A Figure Descends; Just Let Me Make Believe; Blood Count; The Voice of Love

Músicos: Luke Bergman(multi-instrumentista); Martin Nevin (baixo); Jason Burger (bateria).

Fonte: Max Kutner (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 13/10

Art Tatum (1909-1956) – pianista,

Edu da Gaita(1916-1982) – gaitista,

Frank Colón (1951) - percussionista,

Johnny Lytle (1932) – baterista,vibrafonista,

Lee Konitz (1927-2020) - saxofonista,

Matt Jorgensen (1972) - baterista,

Meegan Coleman ( 1975) – vocalista,

Orphy Robinson (1960) – vibrafonista,

Pharoah Sanders (1940-2022) - saxofonista,

Ray Brown (1926-2002) – baixista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=Hg5YU3HB7JA

Ray Brown Jr. (1949) - vocalista,

Renato Braz (1968) – violonista,vocalista,

Rick Vito (1949) -guitarrista,vocalista,

Terry Gibbs (1924) - vibrafonista,vocalista,

Vic Stevens (1959) - baterista 

 

CHAMPIAN FULTON - AT HOME (Turtle Bay Records)

É simplesmente um prazer ouvir Champian Fulton, sem dúvida. Existem tantos vocalistas e, Deus sabe, ainda mais pianistas, que encontrar um que nunca decepcione é uma tarefa árdua, especialmente depois de quase 20 gravações. Nesta apresentação, acompanhada pelo instrumentista de sopro Klas Lindquist, radicado em Estocolmo, Fulton canta e toca diversas peças do seu repertório, demonstrando grande entusiasmo e, sem dúvida, muita técnica. Fulton tem uma relação um tanto tímida com a batida, às vezes bem presente, às vezes não, mas isso torna seu trabalho ainda mais vibrante. Justamente por ser um tanto imprevisível e inesperada, mesmo com melodias familiares, para não dizer clássicos consagrados, Fulton proporciona uma audição agradável. Por exemplo, alguém certa vez chamou "Bésame Mucho" de talvez a pior canção já escrita (teria sido Harry Reasoner no programa "60 Minutes" da CBS?), mas Fulton (e Lindquist, aliás, o vocalista principal) de alguma forma a resgata do esquecimento que merece. Ela interpreta "You Can Depend on Me" com um pouco mais de naturalidade do que alguns, mas ainda assim permanece convincente. A versão instrumental de "My Monday Date" é cativante, até mesmo alegre, pois ela é acompanhada por Lindquist.

Lindquist é um talento por si só, alternando entre o clarinete e o saxofone alto sem perder o ritmo. E justamente quando parece que muitos saxofonistas altos vão desafinar, por algum motivo, Lindquist toca teimosamente na afinação correta. Ele não domina completamente nenhum dos instrumentos, mas toca com precisão e sentimento, num estilo bebop, porém com suíngue, e com uma contenção de bom gosto. Ele e Fulton formam uma ótima dupla: prendem a atenção do ouvinte desde o início e a mantêm. "Just the Thought of You" é um exemplo esplêndido dessa colaboração: voz, clarinete e piano. Lindquist apresenta um belo solo, sincero e reflexivo. E então Fulton completa seus pensamentos ao teclado.

Ouvir uma gravação por puro prazer, um mimo inesperado quando há outras questões mais urgentes a tratar, bem, os resultados falam por si.

Trata-se, portanto, de uma descoberta agradável. Se chamar o jazz de "tradicional" é um elogio, que assim seja. “At Home” foi gravado em uma sala de estar, e essa sensação aconchegante nunca desaparece. Pode não ser uma gravação desafiadora, mas certamente é boa e divertida. Quem poderia, como diz a música, pedir mais alguma coisa?

Faixas: The Very Thought of You; Don’t Do That to Me; You Can Depend on Me; Tea For Two; Serenade In Blue; Someday You'll Be Sorry; I Was Looking for You; Bésame Mucho; My Monday Date; P.S. I Love You.

Músicos: Champian Fulton (piano e vocal); Klas Lindquist (saxofone alto).

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)