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sábado, 11 de abril de 2026

OMER GOVREEN QUARTET - ALL THINGS EQUAL

Omer Govreen é um jovem contrabaixista israelita sediado em Amsterdam. Em crescente afirmação na cena europeia, temos tido a oportunidade de o ouvir em Portugal em colaboração com músicos como o saxofonista José Soares (de cujo quarteto é membro) ou o baterista João Pereira (com quem vem formando aquela que julgo ser uma das mais promissoras seções rítmicas da atualidade). Já com alguns álbuns editados na condição de colíder ou cocompositor, Govreen dá agora um passo importante no seu percurso, com o lançamento do seu primeiro álbum enquanto compositor principal e líder de banda, inscrevendo-se, assim, na importante linhagem de compositores-contrabaixistas que tem marcado a história do jazz.

O quarteto que ouvimos neste “All Things Equal” é o mesmo que gravou “Maya (2022)”, também editado pela norte-americana J.M.I. Recordings, em que a autoria das composições era repartida entre Govreen e o vibrafonista esloveno Aleksander Sever. Completado por dois músicos holandeses, o pianista Floris Kappeyene e o baterista Wouter Kühne, trata-se de uma verdadeira banda de trabalho, irrepreensivelmente coesa. Gravado e produzido em Nova-Iorque, o álbum apresenta um som de pendor americano, típico do jazz mainstream moderno, com bastante compressão, mas a música que nele escutamos afigura-se antes uma síntese de sonoridades americanas e europeias, residindo aí um dos seus principais fatores de interesse. À primeira escuta, poderíamos cair na tentação de destacar, por exemplo, o suingue de “For Granted” ou o lirismo de “Comfort” como representando, respectivamente, uma vertente mais americana e outra mais europeia, mas julgo que isso falharia, em grande medida, o alvo: a referida síntese verifica-se a um nível mais profundo, atravessando a totalidade da composição e do som do grupo.

Enquanto obra, este álbum é um bom exemplo de como o atual renascimento do vinil tem beneficiado o panorama da edição discográfica, promovendo o regresso de álbuns mais curtos e consistentes, pensados como um todo, ao invés de meras coleções de temas. Com pouco menos de 33 minutos de duração, parece ter sido, aliás, concebido como uma espécie de suíte, constatando-se certas relações entre as suas sete partes: note-se, por exemplo, as afinidades entre as faixas de abertura de cada um dos lados, “All Things Equal” (A) e “Comfort” (B), sobretudo entre o tema da primeira e a coda da segunda, em tons distintos, mas assentes em motivos e intervalos afins. Existe, pois, um nexo que atravessa o álbum e nos compele a ouvi-lo sem interrupções, algo para o qual a habilidade de Govreen a trabalhar com contrastes — quer entre faixas, quer no seio de faixas particulares — também contribui.

Govreen revela-se, além disso, um harmonicista notável, tanto ao nível da escrita como das suas próprias intervenções espontâneas. Se, por um lado, o material melódico da maioria das composições nos soa relativamente comum, estas apresentam, por outro, uma sofisticação harmônica assaz invulgar. Sofisticação essa também patente sempre que ouvimos Govreen em primeiro plano, como na breve peça para contrabaixo solo “Rivers (intro)” ou no solo que assina na balada “Comfort”. Aliás, embora os seus contributos visem sobretudo o coletivo — tal como acontece com os dos seus colegas, todos eles instrumentistas e improvisadores de excelente nível —, talvez o principal destaque deste álbum seja mesmo Govreen enquanto contrabaixista: com um som profundo e amadeirado, um toque preciso e uma afinação excepcional, julgo existirem aqui indicações suficientes de que estamos perante um músico com o potencial para se tornar uma referência do contrabaixo jazz no século XXI.

Faixas

1 All Things Equal

2 The Pole/Call

3 For Granted

4 Comfort

5 Rivers (Intro)

6 Narrowing

7 Waiting for Wouter

Músicos: Omer Govreen— contrabaixo; Aleksander Sever— vibrafone; Wouter Kühne— bateria; Floris Kappeyene— piano.

Fonte: João Esteves da Silva (jazz.pt)

 

 

ANIVERSARIANTES - 11/04

Alejandro Santos (1956) – flautista,

Bobby Kapp (1942) – baterista;

Claus Fischer (1965) – baixista;

Fernando Merlino (1960-2021) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=5skjP1_LxsY,

G.F. Mlely (1936) – pianista,

Jakob Bro (1978) – guitarrista,

John Levy (1912) – baixista,

Nathan Peck (1977) – baixista,

Nick LaRocca  (1889-1961) – cornetista,

Zeca Baleiro (1966) – vocalista
 

sexta-feira, 10 de abril de 2026

WDR BIG BAND – BLUEGRASS (MCG Jazz)

O violinista Darol Anger literalmente teve um sonho, no qual ele estava tocando sua música bluegrass não com o David Grisman Quintet ou outro pequeno grupo, mas na frente de uma big band completa e, na Alemanha, de todos os lugares. Embora fosse um sonho que ele pensava que nunca se tornaria realidade, era tão vívido e tentador que Anger o compartilhou com seu amigo de longa data e colega musical, o bandolinista Mike Marshall, que concordou que era um tanto rebuscado, mas ainda assim intrigante.

Há momentos, no entanto, em que, devido a circunstâncias totalmente imprevistas, mas promissoras, até mesmo os sonhos mais fantasiosos podem de alguma forma se tornar realidade, e o de Anger, como se vê, foi um deles. Após uma série de eventos improváveis ​​que, por razões desconhecidas, não são relatados no que viria a se tornar o álbum "Bluegrass", Anger e Marshall se viram vivendo o sonho, ensaiando para um concerto de temas de bluegrass apoiados pela WDR Big Band alemã de classe mundial, com arranjos inovadores de um de seus heróis musicais, o saxofonista e diretor musical da WDR, Bob Mintzer.

Além de ser um forte concorrente ao título de álbum mais enganoso do ano, “Bluegrass”, que parecia à primeira vista ser um conceito ousado — combinando música bluegrass tradicional com jazz contemporâneo de big band — fica muito aquém de sua premissa ousada. Atribua isso aos impressionantes arranjos de Mintzer, à experiência da WDR Big Band, à seriedade e maestria demonstradas por Anger e Marshall, ou a qualquer justificativa que você possa citar. O fato é que “Bluegrass” se destaca orgulhosamente, não como um híbrido incomum, mas como outro exemplo conclusivo da posição elevada e invejável da WDR na estratosfera das big bands. Isso não é para contestar a contribuição de Anger e Marshall, que é indispensável, mas sim para observar que eles são apenas um componente em um relacionamento maior, uma equivalência que prova que o espírito e a linguagem do bluegrass e do jazz estão mais inter-relacionados do que muitos espectadores podem ter imaginado.

A interface se desenrola desde o início, enquanto o bandolim ágil de Marshall ajuda a inaugurar sua própria composição ensolarada, "Slip and Slide", enquanto o conjunto se mantém firme em sua fonte de jazz, assim como a saxofonista alto Karolina Strassmayer, cujo solo precede o de Marshall. Um dialeto irlandês/escocês infunde um medley das canções tradicionais "Elzic's Farewell" e "Yew Piney Mountain", abrindo espaço para solos estelares do saxofonista soprano Johan Horlen e do trompetista Ruud Breuls, além de giros de tirar o fôlego de Anger. Um segundo hino tradicional, "Down in the Willow Garden", mostra o lado mais caloroso de Anger e incorpora o primeiro de vários solos incríveis de Mintzer, este no sax tenor (ele muda para EWI em seu próprio e fértil "Green Lawn", no qual Anger também faz solos), levando à valsa de Anger "Emy in the Woods" e ao final alegre e colorido de Marshall, "Borealis", o ingrediente mais próximo no menu do bluegrass puro.

Anger escreveu a animada e poderosa "Replace It All", na qual ele revela mais uma vez seu talento incrível, como faz na igualmente persuasiva "In the Lion's Den" de Marshall, improvisando com Marshall e o tenor Paul Heller, e com Mintzer e o pianista Billy Test na canção folk/bandeira de Marshall "Dexter", nenhuma das quais estaria deslocada em qualquer biblioteca decente de big band. Mintzer faz o EWI soar respeitável, assim como em seus outros solos com o instrumento incomum. "Borealis" encerra o pacote com perfeição, com o bandolim de Marshall e o violino de Anger abrindo caminho para uma resolução forte e agradável, e Mintzer acrescenta outra declaração contundente e conclusiva ao EWI.

O ensolarado e colorido “Bluegrass” recebe notas altas em todos os aspectos do conceito, planejamento e desempenho, e especialmente para lembrar aos amantes da música de todos os tipos que as fronteiras entre gêneros são muitas vezes arbitrárias e não devem ser usadas como um impedimento para conter os desejos daqueles que acreditam que a música, em qualquer forma, é uma expressão universal cujas fronteiras são tão limitadas quanto escolhemos fazê-las.

Faixas: Slip and Slide; Elzic’s Farewell/Yew Piney Mountain; Down in the Willow Garden; Green Lawn; Emy in the Woods; Replace It All; In the Lion’s Den; Dexter; Borealis.

Músicos: Bob Mintzer (saxofone); Wim Both (trompete); Ruud Breuls (trompete); Andy Haderer (trompete); Martin Reuthner (trompete); Johan Horlen (saxofone alto); Karolina Strassmayer (saxofone alto); Jeremy Powell (saxofone); Paul Heller (saxofone tenor); Jens Neufang (saxofone barítono); Ludwig Nuss (trombone); Tim Hepburn (trombone); Andy Hunter (trombone); Mattis Cederberg (trombone baixo); Billy Test (piano); John Goldsby (baixo); Dominik Raab (bateria).

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 10/04

Alex Iles (1961) – trombonista,

Andreas Skar Winther (1991) – baterista,

Barbara Lea (1929-2011) – vocalista,

Claude Bolling (1930-2020) - pianista,

Cláudio Dauelsberg (1963) – pianista,

Eric Bolvin(1961) – trompetista,

Fraser MacPherson (1928-1993) - saxofonista,

Jimmy Rosenberg (1980) – guitarrista,

Joey DeFrancesco (1971-2022) - organista,

Jon Delaney (1976) – guitarrista,

Lupa Santiago (1973) – guitarrista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zhupPeT3dwg,

Omar Sosa (1965) - pianista,

Walter Bishop, Jr. (1927-1998) - pianista

 

quinta-feira, 9 de abril de 2026

KRISTEN R. BROMLEY QUARTET – WES 101

A guitarrista Kristen Bromley não esconde sua admiração por um antecessor ilustre, o saudoso e genial Wes Montgomery. Aliás, esse respeito é o tema central de “Wes 101”, o sétimo álbum de Bromley como líder e/ou solista. Ela e seu quarteto interpretam oito de suas composições encantadoras e luminosas, várias das quais foram inspiradas em melodias que Montgomery escreveu ou interpretou.

Bromley substitui o piano habitual pela organista Melanie Shore, o que é definitivamente um ponto positivo, assim como os esforços incansáveis ​​do baixista David Ian Baker e do baterista Matt Coleman, que interligam o conjunto de forma estilística. O trio oferece a Bromley todo o apoio necessário enquanto ela desliza sem esforço por um mosaico agradável e colorido de músicas inspiradas principalmente em Montgomery.

Embora não haja qualquer indício disso aqui, o simples fato de Bromley ser capaz de tocar guitarra já é quase um milagre. Há nove anos, em 2016, o braço esquerdo de Bromley sofreu uma fratura grave e o nervo radial foi esmagado. Na época, disseram a ela que talvez um dia recuperasse parcialmente o uso do braço e da mão. Bromley aceitou a decisão e começou a trabalhar para revertê-la. O resultado do seu trabalho é evidente em “Wes 101”, onde Bromley toca como se aquele terrível revés nunca tivesse acontecido.

De volta à ativa, Bromley aprimorou suas habilidades até ser capaz não apenas de gravar uma homenagem a um dos guitarristas lendários da história do jazz, mas de fazê-lo de uma maneira que refletisse seu gênio como instrumentista e compositor. Bromley usa "Full House" de Montgomery como base para sua música "House of Fire", se inspira em "West Coast Blues" para "Indy Blues" e constrói a faixa-título do álbum com progressões de acordes de "Four on Six" de Montgomery.

A balada de Bromley, "Cherished Moments", segue a linha do clássico "Misty", que Montgomery interpretava com frequência, enquanto "Wahoo!" começou como uma homenagem à sua "Cariba" antes de seguir por outros caminhos. O tema de abertura de Bromley, "Bring It On", e "Swing It for the Maestro", que vem a seguir, são canções animadas e vibrantes, não escritas com nada especificamente pensado para Montgomery. A música é consistentemente precisa e envolvente, o quarteto em perfeita sintonia em cada compasso. Bromley é uma solista esplêndida na tradição de Montgomery, enquanto Shore não só acompanha o ritmo como acrescenta algumas nuances encantadoras de sua própria autoria.

Os fãs de guitarra em geral, e de Wes Montgomery em particular, devem retribuir essa admirável homenagem com elogios e entusiasmo.

Faixas: Bring It On; Swing It for the Maestro; Wes 101; Cherished Moments; House of Fire; Wahoo!; Indy Blues.

Músicos: Kristen R. Bromley (guitarra); Melanie Shore (órgão, Hammond B3); David Ian Baker (baixo); Matt Coleman (bateria).

Para conhecer um poco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=UySkPyFNPQY

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 09/04

Arthur Maia (1962-2018) – baixista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=2HXbdP4cucE,

Dave Allen (1970) – guitarrista,

Justin Brown (1984) – baterista,

Kenny Wollensen (1966) – baterista,percussionista,vibrafonista,

Michael Hashim (1956) – saxofonista,

Reuben Wilson (1935) - organista,

Sharkey Bonano(1902-1972) - trompetista,

Steve Gadd (1945) – baterista

 

quarta-feira, 8 de abril de 2026

ANTHONY BRAXTON - TRILLIUM X (PMP)

Trabalhando diligentemente em sua própria zona expressiva marginal, o complexo operístico “Trillium” de Anthony Braxton, impossível de categorizar — nascido nos anos 80 — atingiu um novo ápice com o lançamento de uma poderosa gravação ao vivo e em estúdio de sua épica obra de quatro horas, “Trillium X (PMP; 453:37)”. Embora esta seja a sexta ópera de seu ciclo contínuo, a execução precisa e convincente de “Trillium X” pela Orquestra de Performance Musical de Praga (PMP), regida por Roland Dahinden, parceiro de longa data de Braxton, marca um momento triunfante.

A tempo do 80º aniversário de Braxton, uma caixa especial com oito CDs inclui tanto a estreia mundial de 2023, em Praga, quanto uma gravação de estúdio feita em Darmstadt, na Alemanha. O documento é a melhor manifestação até agora da aventura operística de Braxton, uma década depois de ele ter terminado de escrever a ópera em 2014.

A escala importa aqui. Braxton segue o exemplo de seus heróis criadores de telas gigantescas, Richard Wagner, famoso pelo ciclo de quatro óperas do Ring Cycle, e Stockhausen, cuja série de óperas Licht, onde "quanto maior, melhor", chegou a 29 horas de duração. Para o público, o compromisso com a experiência completa de X pode ser transformador. Com a mentalidade correta, a experiência total do ouvinte com a obra épica de Braxton se transforma em um reino hipnótico que expande o tempo e a mente, em grande escala.

Musicalmente, X opera em uma linguagem pós-moderna entre tonalidade e atonalidade, em um estilo vagamente inspirado pelo serialista Alban Berg, cujas óperas Wozzeck e Lulu fizeram parte da obsessão de Braxton pela ópera por volta dos 40 anos. Em X, os cantores, uniformemente impressionantes e dedicados, frequentemente interpretam seus textos sinuosos em uma espécie de formato de canção-falada no estilo singspiel (NT: é um gênero de drama musical alemão, considerado um tipo de ópera, caracterizado pela alternância entre diálogos falados e números musicais como árias, canções e conjuntos, com tramas geralmente cômicas ou românticas, muitas vezes com elementos de fantasia, como em "A Flauta Mágica" de Mozart, sua obra mais famosa). O ambiente geral de intensidade intelectual e cerebral é periodicamente pontuado por doses de humor, ora banais, ora bizarras: "se isto é uma ovelha, eu sou George Washington", "e aí, gata!?" e "no futuro, todos vão adorar a indústria da gaita de foles... Estou aberto ao brilho, mas primeiro as coisas mais importantes".

Piadas internas também aparecem, como na frase bem colocada "X marca o lugar", "considerando tudo, acho que o diretor fez um ótimo trabalho" e "o que temos aqui é um caso de certeza idiomática". O senso de humor subestimado de Braxton está intacto e é usado de forma astuta ao longo de X.

Como estrutura narrativa, X segue um caminho sinuoso e decididamente não linear, com comentários espirituosos inseridos em um libreto elaborado. A "narrativa" se transforma, passando de um navio pirata no mar, liderado pela capitã Helen (interpretada com maestria por Eva Esterkova), para um confronto com robôs malfeitores que subvertem o sistema financeiro (pressagiando cibercrimes da IA?). O Act III retrata um casamento triplo entre ladrões de banco, e o Act IV transita das forças bélicas da Casa Branca para um local de orgia. Vários colapsos acontecem ao longo do caminho.

De certa forma, a proposta da ópera de mesclar texturas surreais de ficção científica, fluxo associativo livre, linguagem metafísica e surpreendentes referências à cultura pop evoca paralelos com o clássico romance de Robert Heinlein, "A Lua é uma Amante Cruel (The Moon is a Harsh Mistress)", que faz referências à proto-inteligência artificial, e com as óperas experimentalistas e lúdicas com a linguagem de Robert Ashley, "Perfect Lives" e "Now Eleanor's Idea". Mas a marca registrada de Braxton, como criador musical e pensador rebelde, nunca está longe da superfície.

O jazz, como tal, surge sorrateiramente, com uma breve improvisação de saxofone no início do segundo ato, a inserção da pianista Hildegard Kleeb interpretando uma composição já existente de Braxton e, no terceiro ato, "Three Sisters", uma aparição repentina de um segmento fugaz e um tanto embriagado de big band. Este último aspecto evoca o espírito aventureiro e desconstruído das big bands do projeto Creative Orchestra Music de Braxton, que remonta à década de 1970. Em outra referência cruzada, uma variação vertiginosa da "Wedding March" de Lohengrin, que encerra o Ato III, presta uma homenagem um tanto embriagada a Wagner.

A vasta paisagem sensorial de X atinge um ponto final estranhamente gracioso, à medida que uma onda atonal de som se transforma suavemente em um tema cíclico melancólico para cordas graves, passando para um clarinete solo que se desvanece. O tema de 21 notas retorna à introdução da ópera, de forma semelhante à estrutura de frases que vão da última à primeira, presente em Finnegans Wake, de James Joyce.

X é um mundo onírico e lógico em si mesmo, um lugar para se perder por algumas horas, como Wagner, mas estritamente de acordo com as regras de ordem e exploração de Braxton.

Faixas

1.Anthony Braxton: Trillium X: Act 1 (Prague) - Act 1: Voyage to the New Worlds (Prague) 01:02:13 vídeo

2.Act 2: Robots versus Humans (Prague) 43:37

3.Act 3: The Three Sisters (Prague) 47:17

4.Act 4: Four Disasters (Prague) 01:17:25

5.Act 1: Voyage to the New Worlds (Darmstadt) 59:17

6.Act 2: Robots versus Humans (Darmstadt) 41:24

7.Act 3: The Three Sisters (Darmstadt) 47:09

8.Act 4: Four Disasters (Darmstadt)

 Fonte: Josef Woodward (DownBeat)