LIONEL LOUEKE & DAVE HOLLAND – UNITED (Edition Records)

Por que não pensaram nisso antes? Uma pergunta justa. Mas, como disse o poeta grego Homero, até um tolo é sábio depois do acontecimento. "Por que você não pensou nisso antes?", Homero poderia ter respondido. Sim, a música em “United” é tão sublime, tão natural, que o guitarrista Lionel Loueke e o baixista Dave Holland parecem almas gêmeas de uma dupla antiga. A verdade, entretanto, é diferente. Embora a dupla tenha tocado junto em vários cenários, eles nunca se apresentaram como uma dupla , até em uma jam improvisada durante uma passagem de som. Felizmente, eles se conectaram musicalmente, e uma semente foi plantada. “United” é o fruto saboroso deste encontro.

Poderíamos chamar esse encontro de coincidência, mas poderíamos atribuí-lo a uma abertura compartilhada a novos horizontes. Os dois têm bastante em comum. Ambos deixaram suas terras natais em busca de novas oportunidades: depois de várias paradas internacionais, Loueke, nascido no Benim, estabeleceu-se em Luxemburgo. Holland trocou sua Inglaterra natal pelos EUA há décadas. Ao longo de suas carreiras, ambos os músicos buscaram novos desafios e alianças. "Jogar pelo seguro" simplesmente não está no vocabulário de nenhum dos dois.

Holland é um veterano experiente quando se trata deste formato mais íntimo. Do início a meados dos anos 70, tocou em duplas com nomes como Barre Phillips, Sam Rivers e Derek Bailey. Colaborações posteriores levaram Holland a se juntar a Steve Coleman, Pepe Habichuela e Kenny Barron. Loueke, em contrapartida, tem um currículo de duo menos extenso, embora tenha cultivado uma parceria gratificante com a cantora Gretchen Parlato.

Porém, é Loueke quem lidera pela frente nessas 11 faixas, embora apenas por um nariz, para usar o jargão das corridas de cavalos. Ele compôs todas as músicas, exceto "United" de Wayne Shorter.  Seu canto, uma mistura personalizada de scatting inspirada em Xhosa, pontuada por seu característico estalar de língua percussivo e ofegante staccato, dá cor a todas as músicas, exceto a faixa-título com toque bop. Às vezes, o acompanhamento vocal adicional produz uma textura coral suave, como na dançante "Yaoundé", com infusão do bop, e na suavemente cadenciada "Stranger In A Mirror", esta última que abriga um exemplo fantástico das linhas de guitarra híbridas da África Ocidental com jazz de Loueke.

Tudo isto não quer dizer que Holland fique em segundo plano. Ao contrário, o baixista está realmente ocupado, alternando com lógica impecável entre incursões contrapontísticas afiadas, coloração harmônica hábil e linhas uníssonas. Seu brilhantismo também se reflete em alguns solos maravilhosos, e poucos conseguem forjar ostinatos de baixo tão poderosos quanto Holland. Acompanhamentos improvisados de baixo matadores no jazz-funk do deserto, que é "Celebration", e, no deliciosamente balançado "Hideaway", oferecem a prova definitiva disso.

Não há dúvida de que há força e beleza no grupo. Este álbum fala eloquentemente sobre essa verdade. Loueke e Holland compartilham outra conexão. Ambos tocaram com Herbie Hancock, embora com trinta anos de diferença. Loueke já criou um excelente tributo solo ao maestro do teclado em “HH (Edition Records, 2020)”. Porém, imagine como seria bom se Loueke e Holland se reunissem em um álbum duplo com músicas de Hancock. Reflita sobre essa previsão, Homer.

Faixas: Essaouira; Pure Thought; Tranxit; Chant; Celebration; Stranger In A Mirror; Yaoundé; Life Goes On; Hideland; Humanism; United.

Músicos: Lionel Loueke (guitarra, vocal); Dave Holland (baixo).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=DklhS7ZaP84

Fonte: Ian Patterson (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES -06/09

Buddy Bolden(1877-1931) - cornetista,

Claire Martin (1967) – vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=z5Py2h_PMus,

Clifford Thornton(1936-1983) – saxofonista,trombonista,

Dave Bargeron (1942) – trombonista

Eddie Duran (1925) - guitarrista,

Jeff Rupert (1964) – saxofonista,

Jimmy Reed ( 1925-1976) – guitarrista,gaitista,vocalista,

John Letman (1917-1992) - trompetista,

Laurent Filipe (1962) – trompetista,

Marcelo Bratke (1960) – pianista,

Zé Menezes (1921-2014) – violonista,bandolinista,banjoista,cavaquinista,guitarrista,baixista
 

ANDRÉ ROSINHA – ERMO (Sintoma)

Apesar da sua centralidade na história do jazz e da música improvisada, pelas suas características sonoras é difícil o contrabaixo assumir-se como protagonista. Terá sido por isso que o primeiro álbum solo de contrabaixo só tenha surgido em 1969, gravado pelo norte-americano Barre Phillips: “Unaccompanied Barre”, posteriomente reeditado com os títulos “Basse Barre” e “Journal Violone”; poucos anos depois, Phillips gravaria ainda outro marco na história do instrumento: “Music from Two Basses”, gravado em duo com Dave Holland.

Duas figuras históricas do jazz português, Carlos Bica e Carlos Barretto, têm-se afirmado como “músicos de grupo”: lideram os seus projetos, sempre envolvidos em diferentes coletivos com diferentes músicos; mas ambos, apesar dos amplos percursos e discografias, trataram também de registar o som dos seus contrabaixos em formato solo. Bica editou em 2005 o solo “Single (Bor Land)”; Barretto lançou em 2002, pela CBTM, o histórico “Solo Pictórico”, tendo editado em 2024 ao formato solo, com “Lonely Dog”. Também o contrabaixista portuense Miguel Ângelo arriscou um disco a solo, em 2017: “I Think I'm Going to Eat Dessert (edição da Creative Sources)”.

Não sendo um desafio fácil, o contrabaixista André Rosinha aventura-se agora nesta empreitada desacompanhado. Se Rosinha já se tinha afirmado como acompanhante muito sólido, a acompanhar músicos como Salvador Sobral, Júlio Resende ou João Barradas, tem consolidado uma discografia em nome próprio cada vez mais inescapável. Em 2018 estreou com Pórtico, ao leme de um quinteto com Albert Cirera, João Barradas, Eduardo Cardinho e Bruno Pedroso; formou depois um trio com o pianista João Paulo Esteves da Silva e o baterista Marcos Cavaleiro, com quem gravou três álbuns muito sólidos: “Árvore (2019)”, “Triskel (2022)” e “Raiz (2025)”. E, em trio com Beatriz Nunes (voz) e Paula Sousa (piano), editou os álbuns “À Espera do Futuro (2021)” e “A Céu Aberto (2025), num processo de partilha democrática.

Editado pela Sintoma, o novo álbum “Ermo" abre em registro solene, com umas breves pinceladas com o arco (“Kyrie”). Ao segundo tema, "Gotama", Rosinha exibe o pizzicato ágil. E em seguida vem um dos momentos mais marcantes do álbum: “Kokoro” com uma melodia irresistível, que arrebata. Se nos trabalhos autoriais anteriores se salientava atenção particular à melodia, este registro sem rede confirma essa veia melodista. Ao longo de onze temas (todos curtos, nenhum chega aos quatro minutos), Rosinha não se perde em explorações nem divagações; desenhou os temas (todos originais, à exceção de um tradicional) e interpreta-os com muito rigor, sobrando pouco espaço para invenção no momento.

Repescada do seu disco inaugural, “Árvore”, a composição “Ré” brilha em todo o esplendor, apesar de mais despida, revelando profundidade. Em “O carpinteiro ilegal” chega um inesperado balanço. Outro momento muito bem conseguido é a revisão de “Minha mãe, lá vem o Jorge”, uma música tradicional portuguesa, aqui trabalhada pelo pizzicato, que explora o seu eixo melódico, indo à raiz. Quase a terminar, “Tripa coração” surge como espécie de anticlímax: estávamos mergulhados no ambiente austero do contrabaixo e de repente a voz de Salvador Sobral tira-nos o tapete. A voz de Salvador é imaculada e o tema é belíssimo; contudo, não destoará demasiado do resto do material no álbum? Obriga-nos a sair do mundo onde tínhamos mergulhado.

Confirmando definitivamente Rosinha como músico em toda a amplitude, este disco eleva o contrabaixista a um novo patamar. O disco não se inscreve na tradição histórica mais radical, mas, apesar da escassez de recursos, a abordagem torna o álbum muito acessível, revelando profunda musicalidade. Um solo de contrabaixo poderia ser um salto no escuro. Rosinha aterrou seguro.

Faixas

1.Kyrie 00:44

2.Gotama 03:24

3.Kokoro 03:35

4.Dias 02:35

5.O carpinteiro ilegal 01:35

6.Ré 03:55

7.Pasárgada 02:14

8.Canção para uma nuvem 03:26

9.Minha mãe lá vem o Jorge 02:24

10.Tripa coração 02:47

11.Desfecho 01:22

Músicos: André Rosinha – contrabaixo; Salvador Sobral— voz.

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 05/09

Albert Mangelsdorff (1928-2005) - trombonista,

Bjorn Meyer (1965) – baixista,

Bruce Harris (1979) - trompetista,

Eddie Preston (1928) – trompetista,

Lars Danielsson (1958) – baixista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=OE0Avd0uV1g,

Richie Powell (1931-1956) - pianista,

Ryojiro Furusawa 1945-2011) – baterista,

Sunnyland Slim (1907-1995) – pianista,vocalista 

 

WIN PONGSAKORN - TIME HAS CHANGED (Cellar Music Group)

“Time Has Changed” é a segunda gravação como líder do trompetista Win Pongsakorn, que nasceu em Bangkok, Tailândia, mas está firmemente ligado ao jazz contemporâneo de estilo americano desde que começou a tocar trompete aos quatorze anos, em 2011. Assim como em seu álbum de estreia, “Yes, It Is! (Cellar Music, 2020)”, Pongsakorn conta com o apoio de uma seção rítmica estelar, supervisionada pelo aclamado pianista David Hazeltine, com Paolo Benedettini no baixo e Jason Brown na bateria.

Diferentemente daquele projeto inicial, no qual Pongsakorn compôs sete das oito músicas, desta vez ele escreveu apenas quatro (de dez), incluindo as quatro seguintes em sequência após o tema de abertura de Glen Ballard e Sarah Garrett, o elegante e charmoso "Homem no Espelho". Além da graciosa canção que dá título ao álbum, o repertório inclui a valsa "Pensri", a suave "Hummingbirds at Balata Garden" e a animada "Caipirinha". Em seguida, Pongsakorn explora outros temas com resultados em grande parte admiráveis, interpretando "Will You Still Love Me Tomorrow", de Carole King, o clássico "You're Getting to Be a Habit with Me", a reflexiva "Theme for Ernie", de Fred Lacey, e "Imagination" (que não é um clássico), antes de encerrar com a elegante e reluzente "Pearls", de Hazeltine.

Grande parte da justificativa para a avaliação elogiosa reside na capacidade singular de Pongsakorn de captar e realçar a essência e a alma de qualquer canção, devido à sua abordagem perspicaz e comovente. Nas críticas ao seu álbum anterior, Pongsakorn foi comparado a mestres como Blue Mitchell, Carmell Jones e Bobby Shew, entre outros, e ele não oferece motivos para mudar essa opinião. As frases são lógicas e claras, o timbre é puro e as improvisações são incisivas e perspicazes. Um ouvinte imparcial poderia argumentar que Pongsakorn toca com uma maturidade superior à sua idade, que ainda não chegou aos trinta anos.

Ponsakorn também se beneficia da experiência de sua seção rítmica, que não só oferece um apoio firme e preciso, como também divide os solos na maioria das faixas, com Hazeltine, como sempre, especialmente de forma criativa e agradável. Quem esperava uma queda de rendimento de Pongsakorn em seu segundo álbum não encontrará nenhum sinal disso aqui. Sim, “Time Has Changed” (NT:Os tempos mudaram)”, mas essa alteração não diminuiu em nada as habilidades ou o comportamento de Pongsakorn. De fato, com base nas evidências aqui apresentadas, pode-se argumentar de forma convincente que ele está se tornando um artista ainda mais focado e inventivo com o passar do tempo.

Faixas: Man in the Mirror; Pensri; Hummingbirds at Balata Garden; Time Has Changed; Caipirinha; Will You Still Love Me Tomorrow; You’re Getting to Be a Habit with Me; Theme for Ernie; Imagination; Pearls.

Músicos: Win Pongsakorn (trompete); David Hazeltine (piano); Paolo Benedettini (baixo); Jason Brown (bateria).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=qK7_GNMw8xo

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 04/09

Biréli Lagrène (1966) – guitarrista,

Dave Liebman (1946) saxofonista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=5Y882pCNDEo,

Gene Ludwig (1937) - organista,

Gerald Wilson (1918-2014) - trompetista,líder de orquestra,

Jan Savitt (1913-1948) – violinista,líder de orquestra,

Julius Rodriguez (1998) – pianista,

Kenny Davis (1961) – baixista,

Lonnie Plaxico (1960) - baixista,

Meade Lux Lewis (1905-1964) - pianista,

Patrick Cornelius (1978)-saxofonista,

Samuel Torres (1976) - percussionista 
 

JAN BANG - ARVE HENRIKSEN - AFTER THE WILDFIRE (Punkt Editions)

Jan Bang é um músico, compositor e produtor musical que nasceu em agosto de 1968, em Denver, Colorado, mas cresceu em Kristiansand, na Noruega. Arve Henriksen é um trompetista, vocalista e compositor nascido em março de 1968, em Stranda, na Noruega. Para a 42ª edição do Skopje Jazz Festival, em 2023, Bang e Henriksen foram convidados a colaborar na criação de novas músicas. O resultado foi “After the Wildfire”. A obra foi apresentada pela primeira vez no festival com Bang no live sampling e eletrônica, Henriksen no trompete e voz, além do guitarrista Eivind Aarset e do percussionista Ingar Zach, acompanhados pela Orquestra do Instituto FAMES e vozes macedônias, com arranjos e regência de Dzijan Emin. Essa estreia revelou uma música situada entre gêneros — ambiente, folk e sinfônico —, tendo como principais características a inovação e a criatividade.

O álbum em si, “After The Wildfire (Punkt Editions, 2025)”, evoluiu significativamente em relação à versão do festival, mantendo, no entanto, todos os seus elementos. O álbum traz gravações adicionais realizadas no estúdio Punkt por Aarset, Bang e Henriksen, incluindo a faixa de abertura, "Seeing (Eyes Closed)", a faixa que abre o segundo lado, "Halfway Between Noon and Sunset", e a faixa de encerramento, "Remnants". "Seeing (Eyes Closed)" destaca o trompete etéreo de Henriksen e proporciona um início caloroso e envolvente. "Acadia" transborda emoções diversas, sejam elas tristeza, amor, perda ou aconchego. "Meridian Moon" sintetiza as emoções daqueles que contemplam o céu noturno — ou diurno — em busca de padrões ou de algum significado. "Grassland" é tensa e espaçosa: uma caçada silenciosa, um rosnado grave e o som abafado das patas de um predador. É uma música de vastas paisagens, onde a quietude esconde predadores que se movem furtivamente sob a grama alta.

No segundo lado, "Halfway Between Noon and Sunset" pulsa com uma inevitabilidade quase mecânica, precisa, porém assombrosa, enquanto "Pehlivan Fighters" irrompe com energia extasiada: heróis populares da alma erguendo-se diante de uma multidão invisível, o embate ritualístico como celebração comunitária, o ritmo como músculo e espírito. "Abandoned Cathedral II" é a desconfiguração da própria arquitetura, onde o presente assombra o passado e o passado assombra o presente, cada um racionalizando-se por meio de uma revisitação da perda. Por fim, "Remnants" deixa apenas um brilho tênue, o cintilar da luz sobre águas escuras, onde o que é definido se dissolve em sugestão. Escassa e frágil, é a imagem residual que permanece após um incêndio. Entrelaçada em toda a obra, encontra-se uma meditação sobre a força da natureza frente à impermanência dos empreendimentos humanos.

Faixas: Seeing (Eyes Closed); Acacia; Miriidian Moon; Grassland; Halfway Between Noon And Sunset; Pehlivan Fighters; Abandoned Cathedral II; Remnants.

Músicos: Jan Bang (live sampling, programação); Arve Henriksen (trompete, eletrônica,voz); Eivind Aarset (guitarra, eletrônica); Ingar Zach (percussão); Vera Josofovska Milosevska (vocal); Anastasija Ilievska (vocal); Jovana Bogdanoska (vocal); Milan Ninkovic (cello); Dzijan Emin (condução); Fames Institute Orchestra; Mario Kuzev: tapan [é um tambor tradicional de dupla face muito usado na música folclórica do Leste Europeu (Macedônia, Bulgária e Romênia)]; Andrej Trajikovski (kaval, zurla); Ropert Angelovski (kaval, zurlu).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assista ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=v5fP0qrn-v0

Fonte: John Eyles (AllAboutJazz)