MICHAEL DEASE - GROVE'S GROOVE (Le Coq Records)

A história da jornada de Michael Dease do sax ao trombone e de volta é algo que qualquer pai de uma criança com talento musical poderia reconhecer. Dease começou como saxofonista alto no ensino médio. Algum tempo depois, ele quis mudar para o sax barítono. Ele trabalhou nisso. E trabalhou nisso um pouco mais. Sua combinação de talento e prática valeu a pena. Dease tornou-se uma espécie de monstro jovem no instrumento, superando seus companheiros de banda mais velhos no ensino médio. Porém, o diretor da banda não sucumbiu ao fascínio do mero talento. Regras são regras. A antiguidade tem seus privilégios. Então, Dease não foi autorizado a tocar sax barítono porque isso deslocaria um músico mais experiente. Um ressentimento nasceu: "para mim, o sax barítono tem sempre significado político". Dease buscou refúgio tocando trombone após ouvir Curtis Fuller em “Blue Train” de John Coltrane (Blue Note, 1958). O sax tornou-se um prazer culpado. Ninguém encorajou uma dupla tão estranha por medo de que ele não fosse levado a sério em nenhuma dos instrumentos de sopro. Se um leitor chegou até aqui e pensou "Sorte de Benny Carter, esse garoto não se agarrou a Lee Morgan", bem, aí está. O talento encontra seu próprio caminho e sua própria voz, não obstante os diretores da banda. Roy Hargrove ouviu Dease tocando sax tenor, tomou-o seriamente e o encorajou. Era tudo o que Dease precisava, de alguma forma pensando que Hargrove poderia saber um pouco mais do que seu antigo diretor de banda.

Assim, aqui, o ouvinte tem o resultado do talento de Dease, o talento de Hargrove e o bom senso, e, talvez, alguma sorte. Acompanhado por uma galáxia de excelentes instrumentistas, Ex-alunos e amigos de Hargrove, há uma riqueza de boa música. O primeiro é "Grove's Groove", uma música de doze compassos. Blues que apresenta Dease, Steve Davis, Jocelyn Gould e Rodney Whitaker. A próxima a vir é "Tea for Two", um veículo para um vocal/guitarra para Jocelyn Gould que inicia com um verso que muitos ouvintes não saberão que existe. "Seiko Time" é mais latina que japonesa, com um adorável solo de trombone de Steve Davis. "Minor Funk" é o que é, cortesia de Cyrus Chestnut. Steve Davis uma vez brilha. "Never Let Me Go" diminui um pouco a temperatura. "The Viper" é uma faixa soul-jazz que apresenta Terell Stafford sintonizando Lee Morgan e algum órgão funkeado também. "Decisions" e "Father Figure" são composições de Dease que adiciona tempero e reflexão, com Rodney Whitaker obtendo espaço solo na última. "Broadway" apropriadamente encerra a sessão, com quase todo o conjunto entrando em ação.

Todos dirão que o mundo perdeu um grande instrumentista, um mentor, e provavelmente com a mesma frequência, um amigo quando Roy Hargrove faleceu muito cedo. Esta gravação é um memorial adequado para ele.

Faixas: Grove's Groove; Tea for Two; Seiko Time; Minor Funk; Never Let Me Go; The Viper; Decisions; Father Figure; Broadway.

Músicos: Michael Dease (trombone, saxofone barítono); Steve Davis (trombone); Terell Stafford (trompete); Jocelyn Gould (guitarra); Bill Cunliffe (piano); Rodney Whitaker (baixo); Ulysses Owens, Jr. (bateria); Alex Acuña (percussão); Jim Alfredson (órgão, Hammond B3); Eli Howell (trombone).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=WunCZ9_by70

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 13/09

Alex Riel (1940) - baterista,

Charles Brown (1922/1999) – pianista,vocalista,

Chu Berry (1910-1941)- saxofonista,

Dick Haymes (1916-1980)-vocalista,

Itamar Assumpção(1949-2003) – multi-instrumentista,vocalista,compositor,

Joel Nascimento(1937) – bandolinista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zzT6X0bd1oY,

Joe Morris (1955) - guitarrista,

Larry Shields (1893-1953) - clarinetista,

Leonard Feather (1914-1994)- pianista ,compositor,

Moppa Elliot (1978) – baixista,

Mel Tormé (1925-1999) – vocalista,

Morten Lund (1972) – baterista,

Steve Brown (1968) - baterista 

 

ARKADY GOTESMAN - MUSIC FOR AN IMAGINARY BALLET (NoBusiness Records)

Gotesman ocupa uma posição singular na cena musical lituana, tendo se apresentado em mais de cinquenta festivais e concertos internacionais como percussionista, compositor e artista interdisciplinar, com um trabalho que abrange jazz, repertório de música clássica contemporânea, improvisação livre, teatro, literatura e cinema. Ao longo de quatro décadas, ele colaborou com uma gama excepcional de músicos — de Vyacheslav Ganelin, Petras Vysniauskas, Liudas Mockūnas, Anthony Coleman e Mats Gustafsson a Nate Wooley, Charles Gayle, Barry Guy e Dave Douglas, entre muitos outros — ao mesmo tempo em que estreou obras de Anatolijus Šenderovas, Osvaldas Balakauskas, Šarūnas Nakas e outros importantes compositores contemporâneos. Sua identidade artística é definida não apenas pela imaginação instrumental, mas por uma rara capacidade de integrar tradições artísticas divergentes: o experimentalismo lituano, o renascimento do Klezmer, a performance interdisciplinar e o modernismo acadêmico. “Music for an Imaginary Ballet” amplia esse amplo escopo criativo. Concebido como uma coleção musical de encontros gravados entre 2008 e 2025, o álbum reúne material de duetos, trios e quartetos com a participação de alguns dos colaboradores mais próximos de Gotesman. Reflete uma trajetória criativa moldada pela inquietude e pela curiosidade intelectual, uma linha de desenvolvimento na qual a improvisação deixa de ser apenas uma questão de impulso para se tornar uma forma de pensar, recordar e construir a forma.

“Music for an Imaginary Ballet” delineia o trabalho de Gotesman por meio da estética da improvisação de câmara contemporânea, priorizando a composição estrutural e a escuta atenta em detrimento do gesto. As doze gravações documentam uma série de encontros focados, em vez de um panorama retrospectivo. O álbum é emoldurado por dois trechos solo da obra “After Chagall”, de Anatolijus Šenderovas (faixas 1 e 12), que estabelecem uma simetria serena e reflexiva em torno do material de interação mais densa. Entre essas duas peças que delimitam o álbum, Gotesman transita por duetos (faixas 2, 3, 5, 8, 9 e 10) e trios (faixas 4, 6, 7 e 11), com cada formação revelando um aspecto diferente de sua abordagem em relação à proporção, à densidade e à consciência espacial. As gravações provêm de apresentações ao vivo, mas a música evita a volatilidade; seu foco reside na interação ponderada, na maneira como as linhas se encontram, divergem e se reconfiguram. O que emerge é uma sequência de trocas disciplinadas, nas quais a improvisação atua como método de construção, e não como exibição.

A coreografia em “Music for an Imaginary Ballet” desenrola-se na imaginação do ouvinte em sintonia com o som. Como lançamento, a obra se destaca como um exemplo fascinante de música de câmara improvisada contemporânea. Sua inteligência composicional estruturada e sua sutileza estética — perceptíveis nas formas cuidadosamente moldadas, no ritmo calibrado e nos contrastes deliberados entre os diferentes ambientes sonoros — conferem ao álbum uma clareza de concepção que convida a um tipo de escuta semelhante àquela proporcionada por uma apresentação elegante e repleta de detalhes em uma sala de espetáculos. As composições são consistentemente envolventes: cada uma contribui com sua própria tensão relacional, equilíbrio e dramaturgia, mas todas compartilham uma atenção disciplinada que eleva a música para além da espontaneidade do momento. No âmbito da música improvisada para pequenos grupos, o álbum se destaca pela combinação de musicalidade refinada e agudeza composicional. Nada parece casual ou provisório, embora a música surja de uma criação em tempo real.

Embora não pretenda ser uma obra que defina a carreira do artista, destaca-se por mérito próprio ao apresentar uma coleção focada e magistralmente executada, cuja coerência e profundidade sustentam um envolvimento significativo. Nesse sentido, o álbum é excelência sem grandiosidade e rigor sem rigidez.

Faixas: Stiklo gabaliukai; It's coming; Duo 1; Trio 1; Duo 2; Quartet; Trio 2; 7th Track; Duo 3; Duo 4; Trio 2; Stiklo gabaliukai

Músicos: Arkady Gotesman (percussão); Nate Wooley (trompete); Charles Gayle (saxofone); Ned Rothenberg (saxofone); Martin Kuchen (saxofone); Petras Vysniauskas (saxofone soprano); Vytautas Labutis (saxofone); Jan Maksimovic (saxofone); Liudas Mockūnas (saxofone);Vyacheslav Ganelin (piano); Tomas Kutavičius (piano); Eugenijus Kanevičius (baixo);Vladimir Volkov (baixo acústico); Mark Sanders (bateria).

Fonte: Ieva Pakalniškytė (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES -12/09

Adam Rudolph (1955) - percussionista,

Brian Lynch (1956) – trompetista,

Cat Anderson (1916-1981) - trompetista,

Champian Fulton (1985) – pianista,vocalista,

Denny Christianson (1940-2021) – trompetista, flughelhornista,

Dom Salvador(1938) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=yxgtjwW4NMg&feature=related,

Furio Di Castri  (1955) – baixista,

Geraldo Vandré(1935) – violonista,vocalista,compositor,

Gerard Presencer (1972) - trompetista,

Joe Shulman (1923-1957) - baixista,

Joëlle Léandre (1951) – baixista,

Leci Brandão (1944) – vocalista, compositora,

Marcelo Mariano (1967) – baixista,

Maria Muldaur (1943) - vocalista,

Nélson Rufino (1942) – vocalista,compositor,

Papa John DeFrancesco (1940-2024) - organista,

Pedrito Martinez (1973) – percussionista,vocalista,

Scott Hamilton (1954) - saxofonista,

Shep Fields (1910-1981) – saxofonista, clarinetista, líder de orquestra,

Steve Turre (1948) - trombonista 

 

CHES SMITH - CLONE ROW (Otherly Love Records)

Ches Smith, baterista nascido em San Diego e criado em Sacramento, que estudou filosofia na Universidade de Oregon antes de mergulhar de cabeça na cena musical experimental da Bay Area, é há muito tempo um dos espíritos mais inquietos do jazz moderno. Seu extenso currículo inclui trabalhos com Marc Ribot, Tim Berne, John Zorn, Mary Halvorson e Nels Cline, consolidando sua reputação como um dos principais arquitetos rítmicos da vanguarda e do jazz progressivo. Após o aclamado álbum com seu grupo de dez integrantes, "Laugh Ash (Pyroclastic, 2024)”, Smith deu uma guinada ousada que faria muitos líderes de banda suarem frio: ele desmontou toda a estrutura e a reconstruiu com apenas quatro músicos.

O título pode sugerir ficção científica distópica, mas o que Smith clonou foi um som que combina o conforto do familiar com um choque de surpresa. A sintonia do quarteto parece telepática, forjada por anos de encontros na cena musical criativa de Nova York. Halvorson e Ellman transitam entre uma perfeita sintonia harmônica e uma colisão deliberada, mantendo a música imprevisível, mas sempre envolvente.

"Ready Beat" define a declaração de missão. A complexidade rítmica nunca compromete o balanço, e a bateria de Smith evita exibicionismos em favor da construção de uma base flexível e responsiva. Texturas de sintetizador cintilantes e seu trabalho ágil com o vibrafone permeiam a música enquanto a banda cria linhas uníssonas intrincadas, que desafiam a audição. A interação entre diálogos de guitarra excêntricos e fraseados lineares e incisivos conferem à peça uma energia inquieta. "Abrade With Me" demonstra a versatilidade do grupo, transitando de diálogos sussurrados a uma intensidade avassaladora e explosões punk de vanguarda.

"Town Down" é uma concisa conversa musical de quatro minutos, impulsionada por uma pulsação de rock distorcida e mudanças de ritmo. "Heart Breakthrough" inclina-se para a melodia sem perder a força, moldada pelo vibrafone discreto de Smith e uma batida de percussão eletro-world. Os guitarristas respondem com trocas rápidas e reviravoltas tonais surpreendentes, dando à faixa um brilho inquieto.

Com “Clone Row”, Smith prova que reduzir as forças pode aprimorar a precisão. Despojada da grandiosidade orquestral, a música concentra-se no que torna sua obra tão fascinante: a busca pela beleza no espaço instável entre o caos e a estrutura. É ao mesmo tempo focado e destemido, executado por um quarteto que toca com a segurança de uma banda consolidada, e não de um grupo que se reuniu pela primeira vez em 2019.

Este não é apenas mais um ótimo lançamento no catálogo de Smith. É uma declaração de intenções de um artista ainda ávido por redesenhar os limites do jazz progressivo. Essencial para qualquer pessoa curiosa sobre os rumos da música criativa em 2025, este álbum proporciona tanto a emoção da exploração quanto a satisfação de chegar a um lugar completamente novo.

Faixas: Ready Beat; Abrade With Me; Clone Row; Town Down; Heart Breakthrough; Sustained Nightmare; Play Bell (For Nick).

Músicos: Ches Smith (bateria, vibrafone, eletrônica); Mary Halvorson (guitarra); Liberty Ellman (guitarra); Nick Dunston (baixo, eletrônica).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=7qLjgYzT0f8

Fonte: Glenn Astarita (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 11/09

Baby Face Willette (1933) - organista,

Charles Moffett (1929-1997) - baterista,

Chris Thompson (1958) - trompetista,

Dan Aran (1977) - baterista,

Harry Connick, Jr. (1967) – pianista,vocalista,

Hiram Bullock (1955-2008) – guitarrista,

Ian Hamer (1932-2006) – trompetista,

James Westfall (1981) - vibrafonista,

Jaribu Shahid (1955) – baixista,

Jazz Gillum (1904-1966) - gaitista,

John Martyn (1948-2009) – guitarrista,

Lorraine Geller (1928-1958) - pianista,

Matthew Halsall (1983) – trompetista,

Michael O'Neill (1946) - saxofonista,

Oliver Jones (1934) – pianista,organista,

Paolo Lattanzi (1977) - baterista,

Pascoal Meirelles (1944) – baterista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=0kQYYb7RSb8,

Peck Morrison (1919-1988) – baixista,

Tibério Gaspar (1943-2017) – compositor,violonista

 

ALLISON PHILIPS - MAKE IT BETTER (Dox Records)

Em sintonia com a nostalgia, ao mesmo tempo melancólica e agradável, da fotografia de sua avó que ilustra a capa, há um espírito digno, quase ligado à classe trabalhadora, impregnado no jazz moderno de fôlego e sofisticação intelectual presente em “Make It Better”, da trompetista Allison Philips, do Brooklyn. Nele, melodias calorosas e firmes ancoram as estruturas de improvisação com um senso de propósito, história e sensibilidade. Criado, assim como grande parte dos lançamentos mundiais de meados da década de 2020, no limbo contemplativo da pandemia, período em que Philips trabalhou por mais de um ano em uma empresa de bufê, o trabalho dela e de seu quarteto resulta em uma música que funciona tanto como lar quanto como veículo (talvez uma perua já rodada, mas de estrutura sólida): um lugar onde se pode sentar e refletir, mas também aventurar-se pelo mundo afora. É uma sonoridade que encontrou seu lugar em redutos da cultura litorânea, como o Brooklyn e Seattle, mas que aqui é executada com uma sensibilidade e maturidade particulares.

Para deixar claro, nem tudo no álbum é revestimento de madeira e móveis vintage; por mais que haja um toque folk, a música ainda é repleta de aventura e desafios. A faixa de abertura do álbum, "Welcome Back Daisy", faz uma breve declaração antes de lançar o ouvinte de cabeça em uma mistura de linhas de trompete e saxofone tenor que ora competem, ora se harmonizam; já a melodia de "Tandem", com ares de rodeio saído de um sonho febril, abre os portões do coliseu para uma profusão sonora igualmente frenética e variada. Há momentos, na atmosfera introspectiva e simples de "Door Song", em que o baterista Conor Parks desestabiliza sutilmente a valsa de base, ao estilo de Paul Motian, e, ao longo do disco, tanto Philips quanto a saxofonista tenor Neta Renaan deslocam o eixo do foco tonal: Philips, com um centro sonoro sólido que faz piruetas contra a corrente, e Renaan, com uma abordagem mais frenética e de sonoridade polida.

No entanto, melodias agradáveis e cativantes são, sem dúvida, o cartão de visitas do disco. "Pulaski", o single de destaque do álbum, impregnado de indie-rock e batizado em homenagem à ponte que liga o Brooklyn ao Queens e fazia parte da rotina de deslocamento de Philips, pulsa e flui com a leveza dos passeios de bicicleta que o inspiraram, trazendo uma melodia cativante, aparentemente simples, porém sofisticada. A harmonia de dois instrumentos de sopro em "Hit the Ground" cria movimentos suaves e melancólicos, carregados de uma sensação de desamparo típica das baladas sobre azarões da Broadway das décadas de 1960 e 1970. A faixa-título do álbum é sustentada por uma marcha que ressalta seu caráter de hino, quase vaudeville, evocando algo que parece ter vindo diretamente das salas de estar e dos locais de culto da classe trabalhadora do início do século XX.

A faixa final consolida essa sensação de honra serena com a única regravação do álbum: uma versão terna, porém comovente, de "She's Got You", de Patsy Cline. Philips e Renaan, apoiados pela recriação fiel, por parte do baixista Isaac Levian, da dinâmica rítmica característica do country de meados do século, unem-se em uma harmoniosa interação de melodia e voz que evoca a sensação de deixar para trás o marasmo do dia ao som de um disco de vinil, numa cantoria em grupo ou até mesmo ao reencontrar, após muito tempo, uma apresentação casual na televisão; tudo isso sem se deixar aprisionar pelas lamentações explícitas da letra. É uma faixa de encerramento de álbum que sugere que o amanhã não está escrito, mas que o que você tem hoje já é suficiente.

Faixas: Welcome Back Daisy; Pulaski; Door Song; Interlude; Make It Better; Hit The Ground; Tandem.

Músicos: Allison Philips (trompete); Neta Raanan (saxofone); Isaac Levien (baixo); Connor Parks (bateria).

Fonte: Daniel Lehner (AllAbouJazz)