CHRISTIAN MARIEN QUARTETT - BEYOND THE FINGERTIPS

Para a sequência de seu lançamento de 2024, “How Long is Now (MarMade Records)”, o Christian Marien Quartett optou por uma abordagem ousada, alinhada à estética de liberdade total de seu líder: um processo de gravação direto do disco, realizado em uma única tomada diretamente no disco matriz. Com o espírito de risco e experimentação que o baterista heterodoxo sempre trouxe aos seus grupos, seja com a saxofonista Silke Eberhard e o trompetista Nikolas Neuser no “I Am Three”, ou com o trombonista Matthias Müller no “Superimpose”, “Beyond the Fingertips” traz toda a energia ousada e o instinto colaborativo que se esperaria de um álbum de Marien.

Novamente acompanhado pelo saxofonista tenor e clarinetista Tobias Delius, pelo guitarrista Jasper Stadhouders e pelo baixista Antonio Borghini, Marien dispõe do veículo ideal para suas composições, que exigem agilidade e fluidez estilística, uma vez que quatro peças se entrelaçam harmoniosamente em cada lado do álbum. Abrangendo desde o suíngue preciso e coeso até a liberdade anárquica, a banda de Marien é capaz de tudo, por vezes evocando as tendências transidiomáticas de Michael Moore, Ernst Reijseger e Han Bennink no Clusone Trio.

Um balanço contagiante põe tudo em movimento logo de início com "Love All—Play!", à medida que a guitarra de Stadhouders transita de uma frase inspirada no afrobeat para um diálogo dinâmico e ágil com o sax tenor de Delius, antes de o grupo desacelerar para a mais introspectiva "Martha", com Delius delineando a melodia delicada no clarinete. A energia então retoma com força em "Blues in Aspik", uma composição gravada pela primeira vez pelo grupo "I Am Three" no álbum “In Other Words (Leo Records, 2024)”. As transições entre essas faixas apresentam momentos fascinantes de indeterminação, nos quais, aparentemente, tudo pode acontecer, permitindo que cada integrante impulsione o álbum; Borghini faz isso em "Aspik" com uma linha de baixo vigorosa que estimula um solo incisivo de Stadhouders e algumas incursões tenazes de Delius no saxofone tenor. A banda envereda coletivamente por uma vertente mais abstrata para encerrar o lado com "Cordinale", outra faixa de “In Other Words”, que assume um caráter decididamente sombrio por meio das divagações lânguidas de Delius.

As quatro últimas faixas do segundo lado alternam, mais uma vez, entre rompantes de intensidade e uma abstração serena, talvez com um pouco mais de ênfase nesta última vertente, de modo geral. O uso habilidoso das vassourinhas por Marien e o fraseado ágil de Borghini no arco impulsionam "Nantucket Nostalgia", faixa que acaba cedendo lugar a "For Toby", esta, animada por um balanço de métrica variável que oferece ao saxofonista a oportunidade de se soltar brasas com agudos estridentes e intensos. As faixas de encerramento, "Look Left, Look Right" e "No Place for Illusions", são consideravelmente mais nebulosas, enfatizando a escuta atenta e intervenções sutis em vez dos temas mais explicitamente melódicos presentes no restante do álbum.

Embora o álbum seja relativamente curto, com 33 minutos de duração, resultado de seu método de gravação direta para o disco, a qualidade da música proporciona uma experiência auditiva envolvente, repleta de surpresas que recompensam audições repetidas.

Faixas: (Lado 1): Love All. Play!; Martha; Blues in Aspik; Cordinale; (Lado 2): Nantucket Nostalgia; For Toby; Look Left, Look Right; No Place for Illusions.

Músicos: Christian Marien (bateria); Jasper Stadhouders (guitarra elétrica); Antonio Borghini (baixo); Tobias Delius (saxofone tenor).

Fonte: Troy Dostert (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 15/09

Al Casey (1915-2005) - guitarrista,

Arvell Shaw (1923-2002) - baixista,

Bob Wyatt (1946) – baterista,

Bobby Short (1924-2005) – pianista,vocalista,

Cannonball Adderley (1928-1975) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=eR2yVlvnjjM,

Doug Proper (1967) - guitarrista,

Gene Roland (1921-1982) – trompetista, trombonista, pianista,

Joana Machado(1978) - vocalista,

Kid Sheik Cola (1908-1996) - trompetista,

Ned Rothenberg (1956) - saxofonista,

Ram Ramirez (1913-1994) - tecladista 

 

DAVID MURRAY – HOPE SCOPE (Black Saint)

Não deve haver dúvidas quanto à posição de David Murray. Desde a morte de Eddie Harris, ele é o melhor saxofonista tenor do jazz, indiscutivelmente um dos líderes de banda mais prolíficos da era moderna. Ele se destaca entre os poucos instrumentistas de sopro que trabalham para redefinir a qualidade sonora de seus instrumentos. Ao analisar qualquer obra de Murray, percebe-se que ele se define por uma paleta sonora altamente ambiciosa e multitradicional, além de um emocionalismo arrebatador que revela sua inteligência perspicaz. Ele é um alvo em movimento veloz, tão rápido, aliás, que o ouvinte não percebe que é ele quem está na mira. A era do Octeto de Murray, que se estende do início dos anos 1980 até os anos 2000, é um período particularmente fértil para suas experimentações. “Hope Scope”, lançado originalmente em 1991 e relançado em 2025 pela gravadora Black Saint, este álbum introduz o pianista virtuoso Dave Burrell ao grupo, alterando radicalmente a sonoridade, que já era bastante experimental. Em comparação com o estilo vanguardista e performático dos ex-membros Anthony Davis e Curtis Clark, Burrell se mostra reservado e dramaticamente intencional, uma banda tão grande quanto a de Murray raramente soou tão intimista quanto em "Ben", um drama sinuoso de blues envolvente dedicado a Ben Webster. O piano avança com um ritmo contagiante, impulsionando a grandiosidade de Murray e dos metais de Hugh Ragin e Rasul Siddik em arranjos únicos e vibrantes.

Seria uma omissão imperdoável não elogiar também o trombonista Craig S. Harris. Sua composição "Same Places New Faces", uma épica e pungente obra de bebop que, assim como "Alamode" de Curtis Fuller na era Messenger, desenvolve plenamente o potencial do instrumento para improvisações intensas, tão vertiginosas e desconcertantes quanto suas contrapartes mais palatáveis. As frases se afogam em excessos pantanosos, interrompidas apenas pelos grasnidos carnavalescos de Murray e companhia, em uma provocação deliberada.

Se existe algo que define um bom líder de banda, é saber onde e quando cutucar. Murray se encaixa perfeitamente, é claro. Nenhum artista fica sem desafio em nenhuma faixa, por mais aparentemente monótona que seja a composição, mas ele não cutuca, ele apunhala. Na faixa-título, uma masmorra imponente construída a partir dos tremores aracnídeos de Wilber Morris, certos trechos de saxofone podem soar grosseiros ao ouvinte, como um tolo interrompendo uma conversa sem relação com o assunto. Ele é talvez até grosseiro, levando a banda para divagações irrelevantes e ameaçando arruinar todo o som. Em "Lester" e "Thabo", ele age como um agente desestabilizador constante em uma ode que, de outra forma, seria comovente, catapultando-a para uma estranha feiura, uma feiura que só enriquece a faixa por sua contemplação. O octeto é formado pelos músicos mais iconoclastas e inteligentes do gênero, aqueles tentados a se entregar indefinidamente a experimentos harmônicos, como cientistas confinados em um laboratório por dias a fio. Murray injeta o mundo de volta na música, temperando esses experimentos com o mistério e a vivacidade tão necessários. Mesmo cerca de três décadas após o lançamento original, o disco ainda conserva aquele aroma nauseante, mas necessário, a visão de grande estudo e grande diversão em conjunto.

Faixas: Ben (For Ben Webster); Same Place New Faces; Hope Scope; Lester (For Lester Young); Thabo.

Músicos: David Murray (saxofone tenor, clarinete baixo); Hugh Ragin (trompete); James Spaulding (saxofone alto); Ralph Peterson (bateria); Rasul Siddik (trompete); Craig Harris (trombone); Dave Burrell (piano, voz).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=tWg7BWf_pNA

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)

 

 

 

ANIVERSARIANTES - 14/09

Arrigo Barnabé(1951) - pianista,vocalista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=tIPUdxK38jU,

Bill Berry (1930-2002) - trompetista,

Brian Lundrus (1978) – saxofonista,

Charlie Beal (1908-1991) - pianista,

Giacomo Gates (1950) – vocalista,

Ismael Silva (1905-1078) – compositor,

Israel "Cachao" Lopez (1918-2008) – baixista,

Jay Cameron (1928) – clarinetista,saxofonista,

Jeffery Smith (1955) - vocalista,

Jerome Sabbagh (1973) - saxafonista,

Joseph Jarman (1937) – saxofonista,multi-instrumentista,

Marcos Valle(1943) – pianista,vocalista,

Oliver Lake (1942) – flautista , saxofonista,

Steve Allee (1950) - pianista 

 

MICHAEL DEASE - GROVE'S GROOVE (Le Coq Records)

A história da jornada de Michael Dease do sax ao trombone e de volta é algo que qualquer pai de uma criança com talento musical poderia reconhecer. Dease começou como saxofonista alto no ensino médio. Algum tempo depois, ele quis mudar para o sax barítono. Ele trabalhou nisso. E trabalhou nisso um pouco mais. Sua combinação de talento e prática valeu a pena. Dease tornou-se uma espécie de monstro jovem no instrumento, superando seus companheiros de banda mais velhos no ensino médio. Porém, o diretor da banda não sucumbiu ao fascínio do mero talento. Regras são regras. A antiguidade tem seus privilégios. Então, Dease não foi autorizado a tocar sax barítono porque isso deslocaria um músico mais experiente. Um ressentimento nasceu: "para mim, o sax barítono tem sempre significado político". Dease buscou refúgio tocando trombone após ouvir Curtis Fuller em “Blue Train” de John Coltrane (Blue Note, 1958). O sax tornou-se um prazer culpado. Ninguém encorajou uma dupla tão estranha por medo de que ele não fosse levado a sério em nenhuma dos instrumentos de sopro. Se um leitor chegou até aqui e pensou "Sorte de Benny Carter, esse garoto não se agarrou a Lee Morgan", bem, aí está. O talento encontra seu próprio caminho e sua própria voz, não obstante os diretores da banda. Roy Hargrove ouviu Dease tocando sax tenor, tomou-o seriamente e o encorajou. Era tudo o que Dease precisava, de alguma forma pensando que Hargrove poderia saber um pouco mais do que seu antigo diretor de banda.

Assim, aqui, o ouvinte tem o resultado do talento de Dease, o talento de Hargrove e o bom senso, e, talvez, alguma sorte. Acompanhado por uma galáxia de excelentes instrumentistas, Ex-alunos e amigos de Hargrove, há uma riqueza de boa música. O primeiro é "Grove's Groove", uma música de doze compassos. Blues que apresenta Dease, Steve Davis, Jocelyn Gould e Rodney Whitaker. A próxima a vir é "Tea for Two", um veículo para um vocal/guitarra para Jocelyn Gould que inicia com um verso que muitos ouvintes não saberão que existe. "Seiko Time" é mais latina que japonesa, com um adorável solo de trombone de Steve Davis. "Minor Funk" é o que é, cortesia de Cyrus Chestnut. Steve Davis uma vez brilha. "Never Let Me Go" diminui um pouco a temperatura. "The Viper" é uma faixa soul-jazz que apresenta Terell Stafford sintonizando Lee Morgan e algum órgão funkeado também. "Decisions" e "Father Figure" são composições de Dease que adiciona tempero e reflexão, com Rodney Whitaker obtendo espaço solo na última. "Broadway" apropriadamente encerra a sessão, com quase todo o conjunto entrando em ação.

Todos dirão que o mundo perdeu um grande instrumentista, um mentor, e provavelmente com a mesma frequência, um amigo quando Roy Hargrove faleceu muito cedo. Esta gravação é um memorial adequado para ele.

Faixas: Grove's Groove; Tea for Two; Seiko Time; Minor Funk; Never Let Me Go; The Viper; Decisions; Father Figure; Broadway.

Músicos: Michael Dease (trombone, saxofone barítono); Steve Davis (trombone); Terell Stafford (trompete); Jocelyn Gould (guitarra); Bill Cunliffe (piano); Rodney Whitaker (baixo); Ulysses Owens, Jr. (bateria); Alex Acuña (percussão); Jim Alfredson (órgão, Hammond B3); Eli Howell (trombone).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=WunCZ9_by70

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 13/09

Alex Riel (1940) - baterista,

Charles Brown (1922/1999) – pianista,vocalista,

Chu Berry (1910-1941)- saxofonista,

Dick Haymes (1916-1980)-vocalista,

Itamar Assumpção(1949-2003) – multi-instrumentista,vocalista,compositor,

Joel Nascimento(1937) – bandolinista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zzT6X0bd1oY,

Joe Morris (1955) - guitarrista,

Larry Shields (1893-1953) - clarinetista,

Leonard Feather (1914-1994)- pianista ,compositor,

Moppa Elliot (1978) – baixista,

Mel Tormé (1925-1999) – vocalista,

Morten Lund (1972) – baterista,

Steve Brown (1968) - baterista 

 

ARKADY GOTESMAN - MUSIC FOR AN IMAGINARY BALLET (NoBusiness Records)

Gotesman ocupa uma posição singular na cena musical lituana, tendo se apresentado em mais de cinquenta festivais e concertos internacionais como percussionista, compositor e artista interdisciplinar, com um trabalho que abrange jazz, repertório de música clássica contemporânea, improvisação livre, teatro, literatura e cinema. Ao longo de quatro décadas, ele colaborou com uma gama excepcional de músicos — de Vyacheslav Ganelin, Petras Vysniauskas, Liudas Mockūnas, Anthony Coleman e Mats Gustafsson a Nate Wooley, Charles Gayle, Barry Guy e Dave Douglas, entre muitos outros — ao mesmo tempo em que estreou obras de Anatolijus Šenderovas, Osvaldas Balakauskas, Šarūnas Nakas e outros importantes compositores contemporâneos. Sua identidade artística é definida não apenas pela imaginação instrumental, mas por uma rara capacidade de integrar tradições artísticas divergentes: o experimentalismo lituano, o renascimento do Klezmer, a performance interdisciplinar e o modernismo acadêmico. “Music for an Imaginary Ballet” amplia esse amplo escopo criativo. Concebido como uma coleção musical de encontros gravados entre 2008 e 2025, o álbum reúne material de duetos, trios e quartetos com a participação de alguns dos colaboradores mais próximos de Gotesman. Reflete uma trajetória criativa moldada pela inquietude e pela curiosidade intelectual, uma linha de desenvolvimento na qual a improvisação deixa de ser apenas uma questão de impulso para se tornar uma forma de pensar, recordar e construir a forma.

“Music for an Imaginary Ballet” delineia o trabalho de Gotesman por meio da estética da improvisação de câmara contemporânea, priorizando a composição estrutural e a escuta atenta em detrimento do gesto. As doze gravações documentam uma série de encontros focados, em vez de um panorama retrospectivo. O álbum é emoldurado por dois trechos solo da obra “After Chagall”, de Anatolijus Šenderovas (faixas 1 e 12), que estabelecem uma simetria serena e reflexiva em torno do material de interação mais densa. Entre essas duas peças que delimitam o álbum, Gotesman transita por duetos (faixas 2, 3, 5, 8, 9 e 10) e trios (faixas 4, 6, 7 e 11), com cada formação revelando um aspecto diferente de sua abordagem em relação à proporção, à densidade e à consciência espacial. As gravações provêm de apresentações ao vivo, mas a música evita a volatilidade; seu foco reside na interação ponderada, na maneira como as linhas se encontram, divergem e se reconfiguram. O que emerge é uma sequência de trocas disciplinadas, nas quais a improvisação atua como método de construção, e não como exibição.

A coreografia em “Music for an Imaginary Ballet” desenrola-se na imaginação do ouvinte em sintonia com o som. Como lançamento, a obra se destaca como um exemplo fascinante de música de câmara improvisada contemporânea. Sua inteligência composicional estruturada e sua sutileza estética — perceptíveis nas formas cuidadosamente moldadas, no ritmo calibrado e nos contrastes deliberados entre os diferentes ambientes sonoros — conferem ao álbum uma clareza de concepção que convida a um tipo de escuta semelhante àquela proporcionada por uma apresentação elegante e repleta de detalhes em uma sala de espetáculos. As composições são consistentemente envolventes: cada uma contribui com sua própria tensão relacional, equilíbrio e dramaturgia, mas todas compartilham uma atenção disciplinada que eleva a música para além da espontaneidade do momento. No âmbito da música improvisada para pequenos grupos, o álbum se destaca pela combinação de musicalidade refinada e agudeza composicional. Nada parece casual ou provisório, embora a música surja de uma criação em tempo real.

Embora não pretenda ser uma obra que defina a carreira do artista, destaca-se por mérito próprio ao apresentar uma coleção focada e magistralmente executada, cuja coerência e profundidade sustentam um envolvimento significativo. Nesse sentido, o álbum é excelência sem grandiosidade e rigor sem rigidez.

Faixas: Stiklo gabaliukai; It's coming; Duo 1; Trio 1; Duo 2; Quartet; Trio 2; 7th Track; Duo 3; Duo 4; Trio 2; Stiklo gabaliukai

Músicos: Arkady Gotesman (percussão); Nate Wooley (trompete); Charles Gayle (saxofone); Ned Rothenberg (saxofone); Martin Kuchen (saxofone); Petras Vysniauskas (saxofone soprano); Vytautas Labutis (saxofone); Jan Maksimovic (saxofone); Liudas Mockūnas (saxofone);Vyacheslav Ganelin (piano); Tomas Kutavičius (piano); Eugenijus Kanevičius (baixo);Vladimir Volkov (baixo acústico); Mark Sanders (bateria).

Fonte: Ieva Pakalniškytė (AllAboutJazz)