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quarta-feira, 20 de maio de 2026

MARTIN WIND – STARS (Newvelle)


 O baixista Martin Wind não joga limpo. Na verdade, ele manipula as cartas. E por isso, todos nós deveríamos estar felizes. Para seu lançamento mais recente, “Stars (Newvelle)”, Wind conta com um grupo de colaboradores de primeira linha, incluindo o baterista Matthew Wilson, a clarinetista Anat Cohen e o pianista Kenny Barron. O quê? Isso mesmo, o alemão Wind, que agora mora na cidade de Nova York, recrutou três dos melhores músicos de jazz para acompanhá-lo em "Stars".

Como você deve imaginar, os resultados são incríveis. Desde que se mudou da Alemanha para Nova Iorque na década de 1990, Wind tem colaborado com esses e muitos outros artistas talentosos, tornando-se um músico de apoio requisitado e um líder habilidoso por mérito próprio.

Com “Stars”, Wind dá início à nova Newvelle Ten Collection, o primeiro de cinco álbuns que a gravadora lançará este ano para celebrar seu 10º aniversário. “Stars” eleva o padrão da coleção com uma combinação de talento musical incrível e inegável camaradagem.

O repertório começa com “Passing Thoughts”, uma música menos conhecida do também baixista Aaron Bell, que tocou com Duke Ellington, Billie Holiday, Buck Clayton e muitos outros. É um ritmo lento que se desenvolve com calma e precisão, típico do blues. Kenny Barron emociona, preenchendo o espaço nos lugares certos com a dose certa de tempero. Também são emocionantes os solos de Anat Cohen, com uma facilidade que poucos conseguem dominar no clarinete e um timbre simplesmente arrasador. Com a seção rítmica em perfeita sintonia, quase se pode ver Wilson e Wind, colaboradores frequentes, sorrindo, resultando em um delicioso blues noir.

O conjunto inclui três belas melodias compostas por Wind, incluindo a doce "Life" e "Moody", uma homenagem comovente à memória do saxofonista James Moody, com quem Wind colaborou antes de o saxofonista falecer em 2010. Mas “Standing At The Window Waving Goodbye” é uma das favoritas, uma ode à sua falecida avó. A melodia transborda memórias nostálgicas, uma canção que é ao mesmo tempo simples e complexa, desafiando os músicos a serem contidos, mas criativos.

Além dessas, há duas ótimas interpretações de músicas de Ellington. “Black Butterfly” tem um charme moderno e clássico. É leve e alegre, um passeio “no lado ensolarado da rua”. Wind conduz o baixo com uma confiança suave. Wilson toca com perfeição. Barron está majestoso e Cohen interpreta a melodia com uma intensidade romântica indescritível. “The Feeling Of Jazz” surge como uma recriação magistral em andamento médio da obra de Duke.

Além disso, "Wail", de Bud Powell, apresenta Wind e Cohen dobrando magicamente a melodia. “Pra Dizer a Deus”, de Edu Lobo, dá a Wind a oportunidade de tocar seu baixo com uma delicada e carinhosa técnica de arco. A partir daí, a música se transforma numa experiência perfeita para ouvir num pequeno clube, com um coquetel ao fundo, emoldurada pelo toque impecável de Barron e pelo talento de Cohen para dar um toque romântico à melodia, especialmente uma melodia brasileira, um de seus estilos favoritos.

O trabalho termina com “Stars Fell From Alabama”, a clássica canção de Mitchel Parish e Frank Perkins, imortalizada nas vozes de Ella Fitzgerald e Louis Armstrong. Serve como o complemento perfeito para este álbum encantador e cheio de reflexões. O arranjo explora os pontos fortes dos três músicos na música (Wilson não participa desta) — o bom gosto de Barron, requintado; o clarinete de Cohen, impecável; e a linha de baixo de Wind, rica em estilo, alegria e graça.

Martin Wind pode não jogar limpo com essa seleção de músicos de jazz de primeira linha, e isso é ótimo. Ele simplesmente toca maravilhosamente bem, assim como toda a banda neste excelente conjunto de músicas.

Observação: A edição digital contém duas faixas bônus incríveis: “Blues With Two Naturals”, composta por Wind, Barron e Wilson, e “Marc’s Moments” de Wind.

Fonte: Frank Alkyer (DownBeat) 

 

ANIVERSARIANTES - 20/05

Alfredo Dias Gomes (!960) – baterista,

Bob Florence (1932-2008) - pianista,arranjador,líder de orquestra,

Bobby Enriquez (1943-1996) – pianista,

Bradley Jones (1963) – baixista,

Charles Davis (1933-2016) – saxofonista,

Dino Saluzzi (1935) - bandoneonista,banjoísta,

Ed Petersen (1952) – saxofonista, flautista,

Fredera (1945) – guitarrista,

Hélio Delmiro (1947) – guitarrista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=IEtnL1NMeFs,

Karlis Auzins (1988) – saxofonista,

Louis Smith (1931-2016)- trompetista,

Ralph Peterson, Jr. (1962-2021) – baterista,

Renato Teixeira (1945) – cantor,compositor,

Sheryl Bailey (1966) – guitarrista,

Tiziano Zanotti (1964) – baixista,

Tore Brunborg (1960) – saxofonista,

Victor Lewis (1950) - baterista,

Wajdi Cherif (1975) - piano 

 

terça-feira, 19 de maio de 2026

JIMMY FARACE - HOURS FLY, FLOWERS DIE (Shifting Paradigm Records)

Desde que Charlie Parker experimentou essa ideia há muitos anos, já foram feitas inúmeras gravações de saxofones acompanhados por seções de cordas. A maioria delas contou com saxofonistas tenor ou alto. No entanto, em seu álbum de estreia, Jimmy Farace demonstra como o saxofone barítono pode se destacar lindamente nesse formato.

A formação instrumental completa deste grupo apresenta Farace à frente de um quinteto, que também inclui guitarra e piano, em conjunto com o Quarteto de Cordas KAIA. Os dois elementos se harmonizam bem, com as cordas nunca se sobrepondo ao som do quinteto. KAIA realça sutilmente a potência estrondosa do barítono de Farace em "Growing Pains" e deixa bastante espaço para o pianista Julius Tucker e o baterista Dana Hall explorarem seus solos. O quarteto também oferece um acompanhamento harmonioso para o samba caloroso de "Prophetic Dreams" e para a delicada canção folclórica "Ferson Creek", onde seu trabalho em pizzicato se destaca em contraste com a melodia plácida de Farace. Ele também assina todos os arranjos do álbum, e dois de seus melhores trabalhos são em músicas mais antigas. "My Ship", de Kurt Weill, começa com as cordas assumindo a melodia antes do barítono e do piano entrarem com elegância. Enquanto isso, "Single Petal of a Rose", de Duke Ellington, também se destaca com sua poderosa fusão de cordas e saxofone.

Nem tudo aqui é só romance exuberante. "Backyard Bobcat" é uma alegre canção soul em que Farace toca sua buzina com entusiasmo e Dana Hall acompanha com a energia de um baterista de funk dos anos setenta. "Signs of Spring" começa de forma caótica, mas logo se transforma em uma atmosfera latina suave, com Farace e o guitarrista Kenny Reichert murmurando baixinho sobre a base fértil de KAIA. Em "Directionally Challenged", os instrumentos de corda se desfazem completamente, numa animada incursão do quinteto onde Farace toca com a mesma intensidade e velocidade de Pepper Adams. A faixa mais surpreendente é "Hours Fly, Flowers Die", onde todo o grupo executa com maestria uma imponente melodia de jazz-progressivo com Farace à frente, antes de Reichert entrar com um solo de guitarra elétrica arrebatador e Hall explodir na bateria.

Jimmy Farace deixa uma mensagem forte neste álbum de estreia. Sua execução com o barítono é excelente e ele também se mostra um arranjador criativo. Ao longo dos anos, muitos álbuns com saxofone e cordas foram lançados, mas a variedade e a pura beleza da música neste álbum são especiais.

Faixas: Growing Pains; Ferson Creek; Prophetic Dreams; Directionally Challenged; My Ship; Signs of Spring; Hours Fly, Flowers Die; Single Petal of a Rose; Backyard Bobcat.

Músicos: Jimmy Farace (saxofone barítono, composições, arranjos); Kenny Reichert (guitarra); Julius Tucker (piano); Clark Sommers (baixo); Dana Hall (bateria); Victoria Moreira (violino); Susan Bengtson Price (viola); Hope Shepherd Decelle (cello); Naomi Culp (violino).

Fonte: Jerome Wilson (AllAboutJazz) 

 

ANIVERSARIANTES - 19/05

Allen Farham (1961) – piano,

Alma Cogan (1932-1966) – vocalista,

Canhoto da Paraíba (1928-2008) – violonista,

Cecil McBee (1935)- baixista,

Geoff Stradling (1955) – pianista,

Georgie Auld (1919-1990)- saxofonista,líder de orquestra,

Johnny Alf (1929-2010) – pianista,vocalista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=stRTgRT2NKY,

Henry Butler (1949) – pianista,

Kyle Eastwood (1968) – baixista,

Luis Carlos Vinhas (1940-2001) - pianista,

Michael Blake (1964) – saxofonista,

Mike Thompson (1949) – baterista,

Rex Cadwallader (1946) – pianista,

Richard Teitelbaum (1939-2020) – pianista,

Sonny Fortune (1939-2018) - saxofonista,

Tom Scott (1948) - saxofonista 
 

segunda-feira, 18 de maio de 2026

CRAIG TABORN / NELS CLINE / MARCUS GILMORE - TRIO OF BLOOM (Pyroclastic Records)

Os desígnios da aritmética musical são insondáveis. Explico: formações em que por mais que as parcelas sejam figuras relevantes e inatacáveis sob o ponto de vista criativo, a sua articulação gera forças contrárias que diminuem ou até anulam o melhor cômputo possível (Conhecemos bem diversos exemplos de interações musicais negativas). Outras existem, porém, que de formulação inusitada ou inesperada espoletam sinergias que confrontam estas aritméticas, resultando o valor final superior à soma das partes (embirro, confesso, com a expressão “supergrupo”). É isto que acontece no “Trio of Bloom” (o nome da formação é muito adequado, já lá vamos) para o qual convergem o tecladista Craig Taborn, o guitarrista Nels Cline e o baterista e percussionista Marcus Gilmore, três artistas ousados, três vozes singulares que se movem à vontade em diferentes tabuleiros do jazz mais aventureiro e de outras músicas criativas, mais ou menos conexas. Taborn é amplamente reconhecido tanto como pianista quanto como músico eletrônico, há quase três décadas, compondo e atuando em uma ampla variedade de situações, incluindo jazz, rock e noise. Tocou e gravou com figuras referenciais como Roscoe Mitchell, Wadada Leo Smith, Dave Holland, Tim Berne, John Zorn, Chris Potter, Vijay Iyer e Kris Davis, entre uma infinidade de outros. Conhecido sobretudo nos últimos 20 anos como guitarrista dos Wilco, Nels Cline é um verdadeiro polímata da guitarra, cuja obra abrange jazz, rock, punk e música experimental, tendo sido nomeado pela revista Rolling Stone como um dos 100 guitarristas mais influentes de todos os tempos. Lidera o trio Nels Cline Singers e os Nels Cline 4, tem um duo de guitarras com Julian Lage e recentemente estreou o seu Consentrik Quartet, com Ingrid Laubrock, Chris Lightcap e Tom Rainey, pela Blue Note. Marcus Gilmore já trabalhou também com um vasto rol de músicos como Chick Corea, Pharoah Sanders, Vijay Iyer, Robert Glasper, Flying Lotus, Herbie Hancock e Pat Metheny, apenas para mencionar alguns. Esta é a primeira colaboração entre os três músicos. O registo de estreia da formação acaba de ver a luz do dia pela mão da Pyroclastic Records, editora fundada pela pianista Kris Davis em 2016. Uma primeira colaboração que, de tão natural e apurada, mais parece o trabalho de uma banda com trabalho contínuo. Uma química especial emerge entre Taborn, Cline e Gilmore, que aqui exploram tanto zonas a que os associamos como outras que desafiam as respetivas bolhas. A inspiração inicial para o trio veio do produtor e poeta David Breskin, colaborador de longa data dos três músicos, que imaginou que faíscas brotariam quando se encontrassem num projeto partilhado. «Estou sempre à procura de maneiras de promover o intercâmbio e preencher lacunas», explica Breskin. «Gosto de apresentar pessoas que podem admirar-se mutuamente à distância, mas que nunca se cruzaram. Não sabia como soaria essa combinação, o que é o aspeto mais emocionante para mim.» O Trio of Bloom remete para um momento acontecido há quase quatro décadas, em 1987, com o lançamento de Strange Meeting, o único álbum do trio Power Tools, que juntou o guitarrista Bill Frisell, o baixista Melvin Gibbs e o baterista Ronald Shannon Jackson. Esta formação, também instigada e produzida por Breskin, teve um impacto formativo em muitos hibridizadores de estilos, incluindo Cline e Taborn. «O precedente sem categorias, aberto e rock dessa música foi uma inspiração muito libertadora para mim», refere Cline. O cardápio sonoro do Trio of Bloom é amplo e incorpora elementos de um jazz mais vulcânico, do afrobeat e inputseletrônicos, num fluxo que tanto pode ser pleno de vigor e energia ou de uma serenidade planante. Taborn é mestre na criação de paisagens sonoras; com os seus riffs (Nota: frase musical curta, melódica ou harmônica, que se repete ao longo de uma canção, criando sua identidade marcante, muito comum no rock, blues e jazz), Cline injeta eletricidade e Gilmore aporta uma camada rítmica em constante efervescência.

Da Teoria dos Conjuntos vem o diagrama de Venn, conceito muito útil para destacar semelhanças e diferenças entre grupos. A sobreposição entre as formas representa os elementos comuns (a interseção), e o espaço externo aquilo que não pertence a nenhum dos conjuntos. Apesar de estes três experimentadores nunca se terem encontrado, os seus respectivos círculos de atividade são vastos o suficiente para confundir qualquer tentativa de esquiçar um tal diagrama. Cline nunca tinha tocado com nenhum dos outros dois, em nenhum contexto; Taborn e Gilmore haviam partilhado o palco em algumas ocasiões em bandas lideradas por Chris Potter e Jakob Bro, mas nunca, para usar as palavras de Taborn, «numa interação criativa com a música um do outro». Então, quando Breskin aventou a ideia, acabou por ser uma decisão fácil para si. «Todos nós partilhamos a mais ampla gama de influências possíveis», prossegue Taborn. «Queria apoiar-me nelas, em vez de delimitar um determinado espaço. Estava muito ciente de como todos tocavam, então a verdadeira questão passou a ser qual seria a assinatura geral. Tentei deixar as possibilidades em aberto e abordar cada peça nos seus próprios termos». Também Cline partilha esta ideia: «O meu pensamento inicial foi uma combinação de entusiasmo e medo», disse. «Estes tipos são verdadeiros magos. Não sabia qual seria o modus operandi, mas encontramos muitos pontos em comum e afinidades partilhadas». O baterista também verbaliza as qualidades criativas dos outros dois. «O Nels tem um vasto conhecimento musical. O Craig toca a um nível muito elevado e também tem um conhecimento musical muito abrangente. É emocionante estar rodeado de pessoas assim, porque se aprende muito», acrescenta Gilmore. Breskin pediu a cada um dos três que trouxesse uma seleção de composições originais, novas e reaproveitadas, bem como uma versão que pudesse ser alvo de adaptação pelo trio. A abrir o álbum, a versão escolhida por Taborn, “Nightwhistlers” — original de Ronald Shannon Jackson, do álbum Eye On You (1980), a estreia da banda do baterista, Decoding Society — eleva os níveis energéticos ao vermelho, com a bateria de Gilmore a fornecer uma rotação elevada, a que se junta a eletricidade da guitarra multímoda de Cline. Se o tema se baseia num shuffle texano (Nota: é um ritmo de bateria enérgico e com suíngue, popularizado no blues texano por bateristas como Chris Layton) , aqui todo um cenário jazz-rock se abre diante de nós, com passagens mais ásperas a coexistirem com outras de uma luminosidade diáfana. “Unreal Light”, original do tecladista, envolve-nos numa atmosfera onírica e muito bela. Soam ecos longínquos de experiências floydianas do início doa anos setenta, como um curioso travo a África, numa mistura saudavelmente inclassificável. De uma beleza fantasmagórica, “Breath” tem as notas cristalinas de Taborn suportadas pelas texturas propostas pelo guitarrista e pela bateria delicada e prenhe de pormenores. Irresistível é “Queen King”, de Cline (que ecoa o riff de “King Queen”, do álbum “Initiate”, de 2010, dos Nels Cline Singers, produzido por Breskin), de novo impulsionada pelo balanço de Gilmore, a que o órgão de Taborn, deambulando livremente, acrescenta uma infinidade de novas cores; a guitarra traz um motivo que agita corpo e alma. A festa dura e dura. Gilmore sugeriu “Diana” — fruto da colaboração entre Wayne Shorter e Milton Nascimento no álbum “Native Dancer”, de 1975 — numa interpretação etérea que potencializa as possibilidades criativas do estúdio, com Taborn a tocar celesta, Cline a aportar loops telegráficos e Gilmore exemplar na afinação a cada mudança de rumo da peça (Gilmore referiu, a propósito: «É uma melodia realmente linda, mas é assustadora. Não se pode tentar melhorá-la, porque já é perfeita. Então, tivemos que torná-la diferente.»). Ao longo de dez minutos de improvisação livre, “Bloomers”, construída em diferentes camadas, com os efeitos de Taborn e Cline e os ritmos instáveis de Gilmore, hipnotiza e confunde real e imaginário, presente e futuro. Outro original do guitarrista, “Eye Shadow Eye” é um monumento melódico que Taborn introduz, e a qual guitarrista e baterista reagem com elegância e recato. O pianista traz o melodismo desafiante que é pilar da sua abordagem. A certo ponto, a peça muda de direção e ganha um viço quase rock’n’roll. Nervosa e urgente, “Why Canada”, outra peça de Taborn, espevita os sentidos num funk aguçado. Exercício que convoca os King Crimson e a Mahavishnu Orchestra, “Forge” assenta num motivo lento e arrastado, acumula uma tensão que acaba por nunca se dissipar verdadeiramente. Original do guitarrista norueguês Terje Rypdal — que encontramos no álbum “What Comes After”, lançado pela ECM em 1973 —, “Bend It”, a escolha de Cline para versão, traz consigo uma atmosfera misteriosa, com os três músicos a entregarem-se a complexos jogos interativos, agindo e reagindo a estímulos, sem perderem o fio de Ariadne. “Gone Bust” é curto epílogo de uma jornada caleidoscópica e revigorante.

 Faixas: Nightwhistlers; Unreal Light; Breath; Queen King; Diana; Bloomers; Eye Shadow Eye; Why Canada; Forge; Bend It; Gone Bust;

Músicos: Nels Cline (guitarra elétrica, guitarras de 6 e 12 cordas, guitarra havaiana, baixo [4,10]); Craig Taborn (piano); Marcus Gilmore (bateria).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=fLwdsopTqR0

Fonte: António Branco (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 18/05

Big Joe Turner (1911-1985) - vocalista,

Bruno Marini(1958) – saxofonista,organista,

Dave Bennett (1984) – clarinetista, guitarrista, pianista,baterista,

Huw Warren (1962) – pianista,

Jacques Morelenbaum (1954) – violoncellista, maestro,arranjador,

Jim McNeely (1949-2025) – pianista,

Kai Winding (1922-1983)- trombonista,

Larry Novak (1933-2020) -pianista,

Mauro Senise (1951) – saxofonista,flautista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=F59RvP93Qrs,

Marco Cortesi  (1962) – guitarrista,

Nicolas Krassik (1969) – violinista,

Pops Foster (1892-1969) - baixista,

Weasel Walter (1972) - baterista 

 

domingo, 17 de maio de 2026

GARY SMULYAN - BOSS BARITONES (SteepleChase Records)

Os pares outrora populares de saxofonistas incisivos e fortes como Johnny Griffin com Eddie "Lockjaw" Davis e Gene Ammons com Sonny Stitt constituem algumas das inspirações por trás da criação de “Boss Baritones”. Incorporando material escrito por Griffin, Davis, Illinois Jacquet, Don Byas e J.R. Monterose, há indicação de um saudável respeito pelos gigantes que podem não estar mais na moda. Nós podemos saber sobre o significado desses laços com o passado, se quisermos. No entanto, eles têm pouco a ver com o cerne deste projeto: a inspiração coletiva e individual das performances da banda composta por pesos pesados ​​​​de Nova York, coliderados pelos saxofonistas barítonos Gary Smulyan e Frank Basile.

Embora a gravação apresente extensivo sopro por todas as mãos, as cabeças se levantam para o escrutínio. O rosnado gutural dos dois barítonos animando a melodia da abertura do trabalho, "Oh Ghee", de Matthew Gee, fala de uma abordagem simples e profissional para a música. Uma seleção raramente visitada do grande repertório estadunidense, "I'll Never Be the Same" de Matty Malneck ressoa com positividade, em parte por causa da maneira exuberante de Smulyan lidar com suas partes da música. A versão elegante e segura de "Black Velvet" de Jacquet é fundamentada pelo ronronar agradável dos barítonos.

Estas seleções funcionam bem parcialmente por causa de uma seção rítmica que nunca perde coisas interessantes para dizer em apoio aos barítonos. Ao longo das nove faixas do disco, o pianista Steve Ash dá corpo às melodias com combinações inteligentes de acordes. As linhas do baixo de Mike Karn são uma verdadeira torre de força, e os sotaques habilmente escolhidos do baterista Aaron Seeber animam cada música. Eles lidam com o ritmo adulto descontraído de "Black Velvet", o bebop explosivo e fanfarrão de "Fifty-Six" de Griffin, além de todo o resto, com elegância. Quando o trio dá passos à frente e no centro para o solo de Ash em "Hey Lock" de Davis, sua simetria é essencial para a maneira do pianista sustentar o impulso sem apressar ou inserir muita informação em cada compasso.

Smulyan e Basile são músicos experientes que aprenderam lições valiosas durante longos períodos nas seções de sopros de grandes orquestras de jazz, o que se reflete nos arranjos para dois instrumentos de sopro dos temas principais. Nenhum dos dois sente necessidade de recorrer a longos períodos de gritos, zurros ou outros artifícios para expressar emoções exageradas. Em vez disso, muita emoção está contida em ideias inteligentes e logicamente desenvolvidas. Uma virtude que eles têm em comum é a capacidade de prosperar, em vez de apenas sobreviver, em improvisações animadas, como evidenciado por suas convincentes improvisações em "I'll Never Be The Same", "Fifty-Six" e "Straight A head" de Monterose.

Durante a execução de "Star Eyes", de Gene DePaul e Don Raye, Basile oferece uma lição sobre como fazer uma afirmação categórica baseada em uma canção familiar, frequentemente interpretada, e em progressões de acordes. Smulyan preserva a essência de "Black Velvet" sem citar a melodia e não tem pressa antes de começar a correr. Basile ameaça explodir constantemente na mesma faixa, mas, na maior parte do tempo, consegue se controlar. O solo se beneficia da tensão inerente a essa relativa contenção. Uma longa sequência de solos de oito compassos entre Smulyan e Seeber em "Fifty-Six" soa tão completa quanto qualquer um de seus solos convencionais com múltiplos refrões.

“Boss Baritones” é um excelente exemplo de como práticas de jazz originadas em meados do século XX podem — nas mãos certas — soar frescas e revigorantes nos dias de hoje.

Faixas : Oh Ghee; I'll Never Be The Same; Star Eyes; Hey Lock; Black Velvet; Fifty-Six; Land Of Dreams; Byas A Drink; Straight Ahead.

Músicos: Gary Smulyan (saxofone barítono); Frank Basile (saxofone barítono); Steve Ash (piano); Mike Karn (baixo); Aaron Seeber (bateria).

Fonte: David A. Orthmann (AllAboutJazz)