EDITION REDUX - BROADCAST TRANSFORMER (Audiographic Records)

Ken Vandermark há muito tempo prioriza dedicar quase todas as suas composições a outros artistas. De pintores e fotógrafos a escritores, poetas e colegas músicos, suas influências abrangem um amplo espectro artístico. O cinema, em particular, tem sido uma fonte significativa de inspiração para este antigo morador de Chicago. Embora Vandermark tenha composto duas trilhas sonoras encomendadas — “Strade D'Acqua / Roads Of Water (Multikulti Project, 2010)” e “Parallax Sounds (Just Temptation Recordings, 2014)” — sua abordagem à música incorpora consistentemente um escopo cinematográfico.

Edition Redux é um grupo ideal para concretizar a visão cinematográfica de Vandermark. O quarteto apresenta Erez Dessel (teclados), Beth McDonald (tuba) e Lily Finnegan (bateria), ao lado do próprio Vandermark. A estreia do grupo, “Better A Rook Than A Pawn (Audiographie, 2023)”, introduziu uma estrutura dinâmica que “Broadcast Transformer” continua a explorar. Os instrumentistas navegam pelos intrincados sistemas pré-arranjados de Vandermark, que mudam modos e emoções várias vezes nas quatro faixas apresentadas.

Este lançamento traz 14 novas composições, que podem ser organizadas ou até mesmo rearranjadas durante apresentações ao vivo. A peça "Other Nichols Other Dimes (para Herbie Nichols e The Minutemen) / Salto (para Jacob Lawrence) / Pony Up (para Rebecca Morris)" presta homenagem a dois pintores, ao pianista de bebop Herbie Nichols e ao álbum seminal da banda de punk rock Minutemen, “Double Nickels On The Dime (SST Records, 1984)”. Começa com um balanço de sintetizador elétrico combinado com a interação do saxofone tenor e da tuba. Vandermark então sinaliza uma mudança de andamento e temática, abrindo para uma seção de improvisação livre onde ele faz a transição para o clarinete e Dessel muda para o piano. O trabalho de piano afiado e dinâmico de Dessel aumenta a tensão antes que a música mude novamente, com Vandermark desencadeando uma passagem urgente conduzida pelo saxofone barítono.

A natureza colada das composições evoca as obras de compositores de cinema como Nino Rota, Max Steiner e Bernard Herrmann, criando música que parece visual, quase como se tivesse sido escrito para um filme imaginado. As três faixas restantes seguem uma estrutura semelhante de suítes com temas variáveis, inspirando-se em dois pintores, quatro fotógrafos, um cineasta, no saxofonista japonês Akira Sakata e luminares do jazz como Lester Bowie, Bill Dixon e Cecil Taylor. A banda punk Scratch Acid também encontra seu lugar entre as ecléticas fontes de inspiração de Vandermark.

Em última análise, as composições de Vandermark não apenas prestam homenagem aos artistas que o influenciam, mas também convidam seus ouvintes a explorar e descobrir essas referências criativas por si próprios.

Faixas: Other Nichols Other Dimes (for Herbie Nichols and The Minutemen) / Salto (for Jacob Lawrence) / Pony Up (for Rebecca Morris); Autochrome (for Faith Ringgold) / Scratch Vocal (for Scratch Acid) / Clockwise (for Peter Greenaway) / Velocity Dub (for Joel Sternfeld); Text Tile/Entre Chien Et Loup/Slate Arrangement/Shinkansen Dream; Winged Jaguar (for Bill Dixon and Cecil Taylor) / Flipside (for Diane Arbus and Lisette Model) / Five Dollars In A $3 World (for Lester Bowie).

Músicos: Edition Redux (banda / grupo / orquestra); Erez Dessel (piano, Nord synthesizer); Lily Finnegan (bateria); Beth McDonald (tuba, eletrônica); Ken Vandermark (saxofone, clarinete).

Fonte: Mark Corroto (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 12/06

Chick Corea (1941-2021) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=73bpl4ijzKg&feature=related,

Geri Allen (1957-2017) – pianista,

Jesper Lundgaard (1954) – baixista,

Marcus Belgrave (1936-2015) - trompetista,

Peter Beets (1971) – pianista,

Vic Damone (1928-2018) – vocalista 

 

ALAIN METRAILLER - HEIGHTS PROSPECTION (Unit Records)

Quem será o próximo Miles Davis? Ou o próximo John Coltrane? Com ​​seus dois álbuns mais aclamados — "Kind Of Blue (Columbia, 1959)" e "A Love Supreme (Impulse, 1966)", respectivamente — o trompetista e o saxofonista (novamente, respectivamente) estabeleceram o padrão para os melhores trabalhos de conjuntos de jazz pós-bop. Uma meta tão alta que talvez nunca mais seja alcançada. Porém, há quem se esforce para alcançar esse alto nível de expressão artística. O trompetista polonês Tomasz Stańko, com uma série de álbuns lançados pela ECM Records, deu um bom impulso a essa direção. O saxofonista Oded Tzur está trilhando esse caminho com uma visão apurada, um espírito livre e uma voz composicional singular.

Para o saxofonista suíço Alain Metrailler, ainda é cedo. “Heights Prospection” é seu álbum de estreia, que demonstra que ele talvez não seja capaz de alcançar a genialidade de Davis e Coltrane — provavelmente ninguém é —, mas que poderia encontrar seu caminho para o patamar de Stanko ou Tzur.

Neste álbum de estreia, ele abrange uma ampla gama de estilos, desde a liberdade intensa e introspectiva à la Coltrane da faixa de abertura, "Obvious Transmission", passando pelos balanços descontraídos de "Crispy", a introspecção de "EWR Hero Saynt" e o êxtase criativo que permeia "Jump Loud".

Metrailler conta com um quarteto de estrelas para ajudar a moldar esse som: Elias Stemeseder no piano, Christopher Tordini no baixo e o onipresente Eric McPherson na bateria. Trata-se de um modo de operação com igualdade de entrada, que soa tão sincronizado e sinérgico quanto qualquer unidade em funcionamento atualmente, mesmo aquelas com longa história.  Embora o líder esteja à frente, é a interação do grupo — descontraída e altamente inspirada — que fica na memória depois de algumas rodadas.

"Flight of the Humblebees" apresenta Gregoire Maret na gaita, com Stemeseder criando um pano de fundo delicado e rendado para ele, enquanto McPherson desliza com uma delicadeza habilidosa que conduz a uma dança de linhas melódicas entrelaçadas de gaita e saxofone.

O conjunto inclui sete músicas originais da Metrailler e uma reinterpretação, a faixa de encerramento do disco, "Crazy He Calls Me". A paixão do saxofonista pela música é palpável durante toda a apresentação. Ele toca como alguém apaixonado. Nesta bela balada que encerra o espetáculo, ele demonstra uma reverência carinhosa e terna pela melodia familiar, que lembra a maneira como Coltrane tratou "Lush Life", de Billy Strayhorn, a faixa-título de seu álbum lançado, em 1961, pela Prestige Records.

O próximo Coltrane? Provavelmente não, mas sua estreia sugere que ele tem o que é preciso para alcançar, de forma convincente, o mesmo patamar de qualquer outro que tenha tentado.

Faixas: Obvious Transmission; Crispy; EWR Hero Saynt; Jump Loud; Flight Of The Humblebee; Unstablemates; I'm In Tears, Crazy He Calls Me.

Músicos: Alain Métrailler (saxofone); Elias Stemeseder (sintetizador,piano); Eric McPherson (bateria); Christopher Tordini (baixo).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 11/06

Alex Sipiagin (1967) – trompetista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=ZFBznxQQ38k&feature=related,

 Bob Gordon (1928-1955) - saxofonista,

Bob Roetker (1948) – guitarrista,

Hazel Scott (1920-1981) - pianista,

Jamaaladeen Tacuma (1956) – baixista,

Jean Oh (1978) – guitarrista,

John Riley (1954) – baterista,

Louis Van Taylor (1954) –saxofonista,flautista,

Lukasz Zyta (1975) – baterista,

Shelly Manne (1920-1984) – baterista 

 

AARON SHAW - AND SO IT IS (Leaving)

Uau. Jovens músicos de jazz que querem trilhar os caminhos cósmicos de Pharoah Sanders, Sun Ra, Alice Coltrane, etc., são aos montes. Muito mais raros são aqueles que fazem isso com a delicadeza que o multi-instrumentista de sopro de Los Angeles, Aaron Shaw, demonstra. Mais surpreendente ainda é o fato de Shaw ser um protegido de Kamasi Washington (cujo nome jamais apareceu associado à expressão "toque delicado. Porém, que não haja dúvidas de que, em "And So It Is (E Assim É)", Shaw se destaca sozinho.

Na verdade, a produção de Shaw (com o baterista/percussionista Carlos Niño) frequentemente enfatiza essa solidão, apesar da presença de vários colaboradores.

O tenor dele na primeira metade de “Heart Of A Phoenix” tem tanta reverberação que parece que ele foi gravado no outro extremo de um galpão, longe dos microfones que captavam o pianista Sam Reid, a harpista Merci B, o baixista Lawrence Shaw, o violoncelista Kiernan Wegler, o vocalista Dwight Trible e Niño e, de fato, a própria flauta de Shaw. É como se ele já estivesse bem à frente na jornada, embora todos o alcancem na segunda metade. “The Path To Clarity”, por sua vez, é denso, mas devido às próprias gravações de Shaw tocando flauta. Algumas dessas camadas são drones com sonoridade eletrônica, que evocam o último álbum de Sanders com o Floating Points. “Echoes Of The Heart” replica esse recurso, mas adiciona saxofones. Shaw fica ainda mais sozinho consigo mesmo.

As dimensões espirituais de “And So It Is”, portanto, raramente são a confluência usual de gospel e raga (embora essa confluência faça-se presente, especialmente na faixa de abertura “Soul Journey”). “Jubilant Voyage”, por sua vez, soa inicialmente mais como uma gravação de campo de algum ritual tribal, pelo menos até se transformar em um banquete de circuitos de fita e obstáculos. O duo de tenor e piano de voz suave, "Windows To The Soul", por outro lado, tem uma melodia hard bop que poderia ter sido destaque em um álbum da Blue Note dos anos 50 ou até mesmo ter encontrado espaço nas rádios pop da época. Shaw tem muito a dizer, e muitas maneiras gloriosas de dizê-lo.

Faixas

1.Soul Journey 04:31

2.Heart of a Phoenix 09:27

3.Windows to the Soul 05:01

4.The Path to Clarity 03:48

5.Echoes of the Heart 02:52

6.Jubilant Voyage 05:10

7.Inner Compass 04:41

8.Never Catch Me Out of Alignment 06:46

Músicos: Aaron Shaw - flauta e saxofone tenor; Alex Smith – bateria; Carlos Niño – bateria e percussão; Dwight Trible – voz; Kiernan Weggler – cello; Lawrence Shaw – baixo; Merci B – harpa; Sam Reid – piano; Ghalani – vocoder.

Fonte: Michael J. West (DownBeat)

 

 

ANIVERSARIANTES - 10/06

Charnett Moffett (1967) – baixista,

Dicky Wells (1907-1985) - trombonista,

Dwayne Burno (1970-2013) – baixista,

Gary Thomas (1961) – saxofonista,

Guinga(1950) – violonista, compositor,

João Gilberto (1931-2019) – violonista,vocalista (na foto e vídeo)  http://www.youtube.com/watch?v=sF3hUYc9lc0&feature=related,

Kinan Azmeh (1976) - clarinetista 

 

SOPHIE AGNEL - SONG (SOPHIE AGNEL) [Relative Pitch Records]

Com “Song”, Sophie Agnel confirma seu lugar como uma das pianistas mais estimulantes e inventivas do cenário europeu de improvisação. Embora ela seja há muito tempo uma parceira formidável para nomes como John Butcher, John Edwards e Steve Noble, aqui ela reforça seu valor como solista.

Porém, essa não é toda a história. O que confere à sessão seu sabor peculiar é o recurso de enquadramento: uma voz gravada — a da soprano Mauricette Millot cantando uma versão de 1958 da tradicional canção natalina francesa "San Jousé m'a dit", na primeira e na última das sete faixas. Falaremos mais sobre isso adiante, mas basta dizer agora que a programação astuta demonstra outra das virtudes duradouras de Agnel: um senso refinado de estrutura, mesmo nos cenários mais livres.

Como muitos outros, ela trata o teclado menos como um instrumento fixo e mais como um gerador de ruído mutável, estendendo-se muito além das preparações estáticas prescritas por John Cage para um terreno que parece tátil, volátil e vivo. Porém, o que a distingue das demais não é apenas a técnica, e sim a precisão com que situa os sons individuais e a sua requintada calibração de contrastes. Basta ouvir e deleitar-se com as sutis e nem tão sutis degradações da sonoridade característica do piano. Suas peças se desdobram como poemas sinfônicos, sem restrições de forma, mas ricos em gestos e implicações.

Em outros exemplos de organização astuta, Agnel alterna a densidade entre os números. As gotas isoladas e as reverberações distorcidas de "Song 2" pairam no domínio da contenção, enquanto a percussão mecânica e implacável de "Song 3" é pura tensão e torque. Mesmo sem recorrer às gravações de voz, ela cria camadas sonoras que evocam metáforas vívidas e elementares: ondas oceânicas, tempestades distantes, zumbidos de cigarras, batidas errantes de poltergeist (NT: é um termo alemão que significa "espírito barulhento" [de poltern, fazer barulho, e geist, espírito]. Refere-se a fenômenos sobrenaturais caracterizados por ruídos inexplicáveis, movimentação de objetos, luzes piscando e quebras de itens, sendo associado a entidades invisíveis que interagem fisicamente com o ambiente). Por vezes, surgem como pulsações fragmentadas, outras vezes geram uma névoa cintilante e envolvente.

O uso da voz de Millot acrescenta uma dimensão emocional inesperada. Na faixa de abertura, a canção natalina surge como uma presença espectral em meio a um chiado ambiente, ruídos e toques de teclado ressonantes. Quando reaparece na faixa final, é uma entidade muito mais corpórea, que Agnel inicialmente ignora com toques hesitantes, mas depois alinha gradualmente, revelando a progressão harmônica subjacente, juntamente com batidas, dedilhados e ecos, tudo sustentado mesmo quando a voz se dissipa, até que ela finaliza a faixa com uma coda suave e cadenciada de dois acordes repetidos em uma resolução silenciosa.

É um desfecho impressionante para um álbum com uma trama revigorante — menos um clímax do que uma reconciliação — em um disco concebido com rara atenção aos detalhes. Embora a música seja minimalista em sua execução, ela é rica em ideias, e sua coerência reside na habilidade de Agnel em moldar o tempo e a ressonância com foco inabalável.

Faixas: Song 1; Song 2; Song 3; Song 4; Song 5; Song 6; Song 7.

Fonte: John Sharpe (AllAboutJazz)