Chris Pitsiokos é um dos músicos criativos mais brilhantes
da sua geração. É também um dos mais interessantes pensadores sobre música da atualidade
(O seu artigo “Ornette Coleman and the Emancipation of the Individual”, por
exemplo, é uma leitura fundamental). Cito a seguinte passagem de uma publicação
sua numa rede social, que julgo ser da maior pertinência: «Muito daquilo que
vejo programado em festivais é altamente derivativo do free jazz de meados ou
finais dos anos 60, talvez da música dos anos 70 inspirada pela AACM ou da
música improvisada “não-idiomática” europeia do início dos anos 70. Toda esta
música é extremamente importante para mim e, ocasionalmente, toco nesses
estilos. Mas, hoje, trata-se de música histórica altamente codificada. Pelo
menos, tal como a vejo constantemente ser tocada em Berlim, em Nova Iorque, em
festivais.»
Pitsiokos observava também que, paradoxalmente, estas
músicas derivativas continuam a receber rótulos como “vanguarda” ou
“experimental”, não obstante terem há muito deixado de constituir novidade. Ou
seja, conceitos como jazz de vanguarda, livre improvisação ou música
experimental, outrora denotadores de processos disruptivos (resultantes em
música ainda por codificar), são hoje usados, em grande medida, para referir gêneros
(ou subgêneros) já totalmente estabelecidos.
O caso da chamada livre improvisação [free improvisation] é
particularmente gritante. Falo, claro está, no gênero derivativo da referida
improvisação “não-idiomática” (que, afinal de contas, não é mais do que um
idioma muito específico, com as suas convenções próprias) e não no processo de
compor música em tempo real, transversal às mais variadas estéticas. Muita da
livre improvisação que hoje se ouve tem, a meu ver, um valor artístico
questionável, não apenas por ser derivativa, mas por cultivar aquilo que julgo
ser uma forma de preguiça composicional. Tal preguiça nada tem que ver com o fato
de essa música ser improvisada, mas antes com o modo particular como é
improvisada (Existe música totalmente improvisada de um rigor composicional espantoso,
tal como existe música totalmente escrita sem qualquer rigor composicional).
Mais precisamente, verifica-se nela uma frequente desresponsabilização face às
consequências dos gestos criativos: aquilo que acontece no presente pode não
ter qualquer relação relevante com o que acontecera no passado nem com o que
acontecerá no futuro, perpetuando-se, assim, um jogo espúrio meramente reativo,
desprovido de uma visão de médio ou longo termo. Jogo esse — outrora associado
a um importante movimento de anticomposição, mas hoje largamente esgotado — que
vai continuando a ser tomado por “vanguarda”.
Neste contexto, a prática artística de Pitsiokos é uma
lufada de ar fresco (o que confere ainda mais força às suas palavras). Nem 30
anos de idade tinha e editara já, pelo menos, duas obras-primas da música
criativa contemporânea: o alucinante Paroxysm (2015), em duo com o músico
electrónico Philip White, talvez um dos álbuns mais radicais das últimas duas
décadas, e Silver Bullet in the Autumn of Your Years (2018), do seu quarteto CP
Unit, verdadeira lição de como tradição e modernidade se podem, hoje, conjugar
de modo a produzir algo nunca antes ouvido, ao mesmo tempo acessível e
desafiante. E, mais recentemente, no solo Art of the Alto (2022), repensa, para
o século XXI, os caminhos desbravados por Anthony Braxton mais de 50 anos
antes. Faço questão de referir aqui estes álbuns, pois julgo não lhes ter sido
ainda reconhecida a devida importância.
Nos últimos anos, Pitsiokos encontrou em Otomo Yoshihide um
colaborador privilegiado. Figura-chave de vanguardas que, hoje, podemos já
considerar históricas, Yoshihide não tem deixado de procurar reinventar-se ao
longo do tempo. Uncanny Mirror, editado no ano passado pela Eleatic Records
(selo do próprio Pitsiokos), é o mais recente testemunho dessa colaboração.
Nele encontramos um conjunto de peças gravadas ao vivo em duas ocasiões
distintas, mas próximas: um concerto no Café Oto, em Londres, e outro no
festival Jazz Cerkno, na Eslovénia, ambos em maio de 2023. A mistura feita por
Pitsiokos e a masterização de Carlos Quebrada contribuem também para a unidade
sonora do álbum, sucessor de Live in Florence, editado pela Astral Spirits em
2020. À semelhança deste último, a música que nele ouvimos é experimental na
verdadeira acepção da palavra. Isto é, mais do que um produto acabado, este
álbum deve ser encarado como um apanhado de momentos de um processo de
experimentação, através do qual Yoshihide e Pitsiokos têm procurado forjar uma
linguagem comum. Linguagem essa que se constrói a partir de idiomas conhecidos
(o noise, o free jazz, a livre improvisação ou o glitch), mas que, em geral, se
encontra ainda por codificar.
Apesar de, por vezes, recorrer à guitarra, neste duo,
Yoshihide serve-se sobretudo do gira-discos, instrumento que, como observa Levi
Dayan numa recensão para a Dusted Magazine, emprega como um veículo de “puro
som”, sendo a identidade dos discos utilizados imperscrutável. A gama sonora
com que trabalha é, em todo o caso, considerável, constatando-se, pelo menos,
três abordagens distintas (e uma série de variantes intermédias): o gira-discos
ora tece panos de fundo sobre os quais o saxofone discorre, ora dialoga com
este, enquanto entidade distinta, desenvolvendo vários tipos de contraponto; e
existem ainda casos em que os dois instrumentos se fundem timbricamente. Por
sua vez, Pitsiokos, que neste contexto se auxilia de um computador portátil,
vai desde um discurso fraseado (radicado no free jazz) a explorações
meticulosas de sons sem altura definida (uma das suas grandes especialidades),
exibindo, seja qual for a abordagem, um controle notável do seu instrumento. As
passagens mais interessantes — e não são poucas — tendem a ocorrer quando as
fontes dos vários sons em jogo deixam de ser claramente identificáveis.
Como um todo, o álbum está também bem pensado, na medida em
que nos dá a ouvir dois blocos de peças tendencialmente mais frenéticas e
densas (as faixas 1-5 e 7-10), entrecortadas por uma faixa central mais lenta e
espaçosa (6), em que Yoshihide desempenha sobretudo funções atmosféricas e
Pitsiokos acaba abraçando, por momentos, o free jazz mais clássico, para em
seguida o desconstruir. Em geral, as peças, que assumo serem totalmente
improvisadas (embora isso não tenha grande importância), encontram uma terceira
via muito promissora entre a livre improvisação preguiçosa a que me referia e
as mais rigorosas formas contemporâneas de composição em tempo real, i.e., um
equilíbrio — talvez ainda em fase experimental — entre coerência e
imprevisibilidade.
Faixas
1.Original
Glitch 06:06
2.Slow
Glitch 03:44
3.Squeak
1 05:03
4.Old
School 02:30
5.Dedicated
to 06:55
6.Lava
Flow 07:32
7.Wahoo!
04:00
8.Warming
up in Cerkno 04:48
9.Schritt
für Schritt 03:42
10.Squeak
2 04:56
Músicos: Otomo Yoshihide— gira-discos, guitarra; Chris
Pitsiokos— computador portátil, saxofone alto.
Fonte: João Esteves da Silva (jazz.pt)
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