DANNY JONOKUCHI BIG BAND - A DECADE (Bandstand Presents)

Para o trompetista, vocalista e líder Danny Jonokuchi, o caminho para o sucesso— na música e na vida— nunca foi tranquilo ou sem problemas. Nascido com uma doença congênita no pulmão, Jonokuchi precisou de uma cirurgia para salvar sua vida enquanto estava no ensino médio para tratar um pulmão colapsado, o que o fez deixar de tocar trompete, ao menos temporariamente. Anos depois, e quase um continente longe de sua cidade natal, Los Angeles, Jonokuchi foi violentamente atacado no sul da Filadélfia, resultando em ferimentos traumáticos na boca e na embocadura. Desta vez, Jonokuchi teve que aprender a tocar trompete novamente do zero.

Fim da história? Nem de longe. Jonokuchi usou seu tempo longe da música para se concentrar em compor e arranjar, migrou para Nova York, iniciou tocando e cantando outra vez, ganhou alguns prêmios por sua escrita e formou uma big band cujo quinto álbum, “A Decade”, representa em termos musicais o progresso de Jonokuchi diante de obstáculos que teriam deixado de lado muitos músicos menos otimistas e determinados. Estes são arranjos de Jonokuchi, e eles são quase sempre brilhantes e poderosos, assim como a forte banda do líder da área de Nova York.

Para sublinhar a cronologia pessoal, Jonokuchi escolheu liderar a turbulenta "Voyage" de Kenny Barron, O contraponto avança de seção para seção, evitando habilmente uma resolução clichê. O alegre "Red Top" de Lionel Hampton continua nessa linha, este tempo com o trompetista Terell Stafford no centro do palco. Jonokuchi ele mesmo é o próximo, não tocando trompete, mas cantando - de forma bastante respeitável - no venerável padrão de Rodgers e Hart, "This Can't Be Love", e fazendo sala para solos afiados do tenorista Jon Beshay e da trombonista Sara Jacovino. A ensolarada "South Philly", que se segue (certo, nunca chove na Filadélfia), é outro destaque vibrante, com solos notáveis ​​de Gould e do trompetista Scott Wendholt.

Mesmo "Skylark", que geralmente é a peça central de baladas em um álbum, é levada a um ritmo mais rápido do que o normal, pontuando declarações persuasivas de Jonokuchi no trompete e do tenor de Chris Lewis. Uma segunda versão do standard de Hoagy Carmichael/Johnny Mercer fecha o álbum, desta vez com Jonokuchi executando a letra. Jonokuchi e o sax barítono de Andrew Gutauskas passeiam com confiança por "On Green Dolphin Street" de Bronislau Kaper, tocado precisamente no ritmo certo, enquanto Beshay e o trombonista Robert Edwards incrementa a ágil "Ping Pong" de Wayne Shorter. A lírica "Lady Bird" de Tadd Dameron é sempre um prazer ouvir, especialmente quando tocado por um conjunto soberbo que balança atrás de solos robustos do alto de Chris Oatts e do trompetista Bruce Harris.

Apetitoso como tudo tem sido até agora, Jonokuchi descobre mais um tesouro para ajudar a concluir o bolo: um arranjo maravilhoso para o standard de Johnny Burke/Jimmy Van Heusen, "Like Someone in Love". O arranjo é radiante e charmoso, como são os solos de Beshay e Wendholt. Jonokuchi deixa a banda embrulhar o pacote requintado com um último refrão robusto e irresistível. "Skylark bonus" segue, com o eloquente tenor de Lewis seguindo a voz agradável do líder e a banda rugindo em direção à linha de chegada, a maneira perfeita de fechar um álbum de big band notavelmente bem projetado e persuasivo, cujo líder merece imensos elogios e gratidão por contornar tantas barreiras enormes para fazer isso acontecer.

Faixas: Voyage; Red Top; This Can't Be Love; South Philly; Skylark; On Green Dolphin Street; Ping Pong; Lady Bird; Like Someone In Love; Skylark (vocal).

Músicos: Jeb Patton (piano); Samuel Harris (baixo); Kevin Congleton (bateria); Víctor Pablo (percussão [fx. 7]); Danny Jonokuchi (trompete, flughelhorn, vocal); Jeb Patton (piano); Terell Stafford (trompete [fx.2]); Scott Wendholt (trompete); Andrew Gutauskas (saxofone barítono); Chris Oatts (saxofone alto); Bruce Harris (trompete); Christopher McBride (saxofone alto); Jon Beshay (saxofone tenor); Robert Edwards (trombone); Victor Pablo (percussão); Kevin Congleton (percussão); Samuel Harris (baixo); Noah Halpern (trompete); James Zollar (trompete [1,3,6]); Sam Hoyt (trompete); John Lake (trompete); Nick Marchione (trompete); Jason Jackson (trombone); Sara Jacovino (trombone); Reginald Chapman (trombone).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=HLRofSo-x2A

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 27/09

Bud Powell (1924-1966) – pianista,

Guido Basso (1937-2023) - trompetista,

Hank Levy (1927-2001) - saxofonista,

John Damberg (1952) – vibrafonista, percussionista,

Jerry Weldon (1957) – saxofonista,

Lars Erstrand (1936) - vibrafonista,

Matt Wilson (1964) – baterista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=yB_6o2-1clc,

Mike Nock (1940) - pianista,

Red Rodney (1927-1994) - trompetista,

Richard Oppenheim (1953) - saxofonista,

Rob Wilkerson (1973) - saxofonista,

Teddy Brannon (1916-1989) - pianista

 

DAYA – DAYA (Robalo Music)

O projeto Daya surgiu do encontro da cantora Marta Rodrigues com o saxofonista Bernardo Tinoco. Ambos já têm deixado previamente boas indicações: Marta editou o disco “Inscape”, ao leme do seu quinteto; Bernardo tem-se espraiado em diferentes projetos e colaborações, com destaque para o quarteto Garfo e a sua colaboração com Tom Maciel (NoMad Nenúfar). Juntos, formaram um duo em abril de 2022, tendo-se juntado posteriormente o músico convidado João Hasselberg, no contrabaixo e eletrônica. O grupo registou esta gravação em outubro de 2023, na sequência de uma residência artística na Capela de S. João (Côja).

Este é um trabalho curioso. O grupo explora a interseção entre o som acústico e a eletrônica, atravessando diferentes geografias estilísticas. A banda trabalha um conjunto de composições originais e improvisações, além de uma reinterpretação do tema “Prelude” de John Taylor e Norma Winstone, do álbum “The Touchstone (1979)”. A música é etérea. As frases de Tinoco são esparsas. As intervenções de Marta são assertivas, entregues com sutileza e delicadeza. E Hasselberg acrescenta pozinhos eletrônicos, acrescentando camadas extra. É uma música entre o ambiental, o atmosférico e o espectral, com formas límpidas. Bem interligados, voz e saxofone exploram caminhos comuns, e até uníssonos, mas revelam-se mais interessantes quando, dentro da mesma peça, não seguem os mesmos passos, bifurcação. A intervenção de Hasselberg, apesar de discreta, complementa e enriquece.

Tem sido um enorme prazer assistir à emergência e afirmação de novas vozes na cena nacional. Não nos cansamos de elogiar o trabalho e percurso de talentos como Mariana Dionísio, Vera Morais, Nazaré da Silva ou Filipa Franco (atenção ao seu disco “Imagem”), que têm ido além do cânone da tradicional cantora de jazz, explorando diferentes dimensões da música, para lá da palavra cantada. Marta Rodrigues é mais uma cantora que se enquadra neste lote de criadoras criativas, que se servem da voz e desafiam limites e convenções. Neste trabalho em particular, poderemos encontrar semelhanças com LUMP, de Mariana Dionísio e João Almeida, em ambos encontramos a exploração eletrônica e ambiental.

Esta proposta é uma ousada exploração, que desafia o ouvinte. Sem se inscrever em qualquer radicalismo, é uma forma musical atípica para o nosso tempo. Nesta economia da atenção, saltando de reel em reel, esta é música que exige parar. É música sutil que envolve o ouvinte, devagar. Não conquistarão Manhattan ou Berlim, mas aqueles que se deixem conquistar serão recompensados.

Músicos: Marta Rodrigues— voz, composição; Bernardo Tinoco— saxofone, composição; João Hasselberg— contrabaixo, eletrônicas.

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 26/09

Eddy Davis (1940 –2020) – banjoísta,

Gal Costa (1945-2022) – vocalista,

Gary Bartz (1940) – saxofonista,

George Gershwin (1898-1937) - pianista,compositor,

Jean Caze (1982) - trompetista,

Julie London (1926-2000) – vocalista.

Mário Adnet (1957) – violonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=08AKp2iJ9n8,

 Mamiko Watanabe (1980) – pianista,

Mark Dresser (1952) – baixista,

Nicholas Payton (1973) - trompetista,

Rafael Barata (1980) – baterista,

Rogério Caetano (1977) – violonista de 7 cordas,

Vic Juris (1953-2019) – guitarrista 

 

MARK WINKLER - HOLD ON (Cafe Pacific Records)

Ao longo de sua extensa carreira, Mark Winkler tem sido uma presença constante na cena do jazz de Los Angeles, conquistando a reputação de um dos vocalistas mais versáteis e cativantes do jazz contemporâneo. Com “Hold On”, seu 22º álbum, Winkler continua a demonstrar que o crescimento artístico e a curiosidade criativa permanecem fundamentais em seu trabalho. Enquanto muitos artistas com uma discografia tão prolífica poderiam ser tentados a se acomodar em seus louros, Winkler continua avançando, criando material inédito e reinventando cuidadosamente alguns clássicos.

A força do álbum reside não apenas na fluidez da fraseologia e na habilidade narrativa de Winkler, mas também na estrutura colaborativa que ele construiu. Seis pianistas — John Beasley, Rich Eames, Tamir Hendelman, Eric Reed e Jamieson Trotter — trazem paletas tonais distintas para a sessão. O elenco de apoio é como uma lista de estrelas do jazz de Los Angeles, incluindo, entre outros: o baixista Gabe Davis, o baterista Christian Euman, o saxofonista Bob Sheppard, o trompetista Brian Swartz e os guitarristas George Doering e Grant Geissmann, cada um contribuindo para as paisagens sonoras em constante transformação sobre as quais Winkler tece suas narrativas.

A faixa-título, "Hold On", irradia otimismo e resiliência, abrindo o álbum com uma nota de determinação. O piano de Beasley reforça a mensagem de Winkler com refinada sofisticação. O irreverente pianista/compositor Dave Frishberg escreveu "A Little Taste", que tem um ritmo vibrante, com Winkler demonstrando seu carinho pela letra. O acompanhamento de Reed e Geissmann adiciona um vigor discreto à interpretação. A joia de Frank Loesser, "If I Were A Bell", é interpretada por Winkler com uma intimidade lúdica, equilibrando humor e ternura, enquanto o piano de Hendelman mantém a música animada.

Em 1965, Frank Sinatra lançou o álbum "September of My Years" pela Reprise Records, no qual "It Was A Very Good Year" era uma faixa fundamental e se tornou uma de suas canções mais emblemáticas. Sem se deixar intimidar por "The Voice", Winkler mergulha na profundidade nostálgica da canção com uma suave batida de bossa nova, sustentada pela criatividade harmônica de Trotter e pelos floreios coloridos de Swartz no flugelhorn. Ao desconstruir o clássico pop de Billy Joel, "Vienna", Winkler revela uma balada universal e comovente que lhe parece totalmente original, enriquecida pelo piano lírico de Beasley.

O que diferencia o álbum dos lançamentos anteriores de Winkler é a sensação de descoberta que permeia cada faixa, principalmente na faixa de encerramento, "I Dream of You Each Night", uma composição original, terna e lírica, que permanece na memória muito depois das notas finais. O acompanhamento esparso de Reed e Swartz no trompete aberto e com surdina emoldura a voz de Winkler em seus momentos mais vulneráveis ​​e sinceros.

Faixas: Hold On; A Little Taste; If I Were A Bell; Cat Women On The Moon; It Was A Very Good Year; My Future's Just A Memory; Vienna; Train In The Desert; The Devil Don't Want A Saint; My Electric Car; I Dream Of You Each Night.

Músicos: Mark Winkler (vocal); John Beasley (piano); Tamir Hendelman (piano); Eric Reed (piano); Bob Sheppard (saxofone tenor); Jamieson Trotter (piano); Rich Eames (piano); Gabe Davis (baixo acústico); Brian Swartz (trompete); George Doering (guitarra elétrica); Grant Geissman (guitarra); Christian Euman (bateria); Greg Gordon Smith (piano); Kendall Kay (bateria); Lemar Guillary (percussão); Joey De Leon (percussão); The GGS Singers (coro).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=pnPyImhN5sQ

Fonte: Pierre Giroux (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 25/09

Barbara Dennerlein (1964) – organista,

Billy Pierce (1948) - saxofonista,

Bradford Hayes (1959) - saxofonista,

Charlie Allen (1908-1972) - trompetista,

Craig Handy( 1962) - saxofonista,

Dean Krippaehne (1956) – pianista, vocalista,

Dennis Mitcheltree (1964) – saxofonista,

Garvin Bushell (1902-1991) - saxofonista,clarinetista,fagotista,

George Barrow (1921-2013) – saxofonista,

Horace Arnold (1937) - baterista,

John Taylor (1942-2015) - pianista,

Marco Pereira (1950) – violonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=oBB6UETf4SI,

Michael Gibbs (1937)- pianista , trombonista,

Quito Pedrosa(1964) – saxofonista,

Sam Rivers (1930-2011) - saxofonista,flautista,

Rossiere “Shadow” Wilson (1919-1959) – baterista,

Victor Jones (1954) – baterista,

Zé Eduardo Nazário(1952) - baterista 

 

DOMINIK WANIA - MY LIFE: PREISNER'S MUSIC (Preisner Productions)

A música do compositor Zbigniew Preisner sempre carregou algo profundamente humano em suas melodias, algo terno, pungente e atemporal. Seja por meio das colaborações inesquecíveis com Krzysztof Kieślowski ou de suas trilhas sonoras posteriores para filmes como O Jardim Secreto ou Perdas e Danos, a obra de Preisner nunca foi apenas música de fundo. Tem sido mais uma voz na história, falando silenciosamente ao coração. Em “My Life—Preisner's Music”, essa voz é reduzida à sua forma mais pura: piano solo. E dificilmente haveria pessoa melhor para essa tarefa delicada, quase sagrada, do que Dominik Wania.

Wania não é novato no universo de Preisner. A colaboração entre ambos começou há uma década, com discos como “Twilight (produção independente, 2020)”, para piano solo, e o álbum em dueto com Lisa Gerrard, “Melodies of My Youth (Preisner Productions, 2019)”. Paralelamente a isso, Wania trilhou seu próprio caminho de destaque, com lançamentos solo como “Lonely Shadows (2020)”, pela ECM, que evidenciam sua rara habilidade em aliar brilhantismo técnico à profundidade emocional. Este álbum, gravado ao vivo em novembro de 2024 em Bielsko-Biała para celebrar a concessão do título de cidadão honorário de sua cidade natal a Preisner, parece menos um concerto tradicional e mais uma conversa íntima entre dois velhos amigos: um escrevendo as palavras, o outro dando-lhes nova vida. De forma bastante apropriada, seu lançamento em maio de 2025 também marca o 70º aniversário de Preisner: uma celebração discreta de uma vida dedicada à melodia. Há algo de comovente nessa coincidência de datas.

Abrangendo 17 dos temas mais icônicos de Preisner — de "A Dupla Vida de Veronique" e "A Trilogia das Cores" a "Lost and Love" e "Perdas e Danos" —, o álbum reinventa peças familiares com uma imediatez e uma intimidade raras. Sem as imagens cinematográficas, a grandiosidade coral ou a orquestração exuberante tipicamente associadas à obra de Preisner, os ouvintes são conduzidos diretamente ao cerne da música. As melodias sustentam-se por si sós, nítidas e vívidas, como fotografias antigas tiradas de uma caixa e erguidas novamente contra a luz.

A execução de Wania é, como esperado, impecável. Porém, o mais importante, é cheio de vida. Ele transita entre gestos românticos amplos e passagens serenas, quase sussurradas, sempre com uma fluidez natural. Há momentos, como a tensão sutil que ele extrai de "Dekalog, Nymphea" ou a ternura em cascata de "Mouvements du désir", em que parece que Wania não está simplesmente interpretando a música. Ele está revivendo isso. Sua formação clássica traz precisão, enquanto seu espírito de improvisação confere cor, dando vida a cada peça como se ela estivesse acontecendo em tempo real. Ouvir faixas como "The Secret Garden Suite" ou "The Waltz", de “The Funeral”, revela a força com que a música de Preisner se sustenta, mesmo quando reduzida a um único instrumento. Retirados de seu contexto, esses temas não perdem força. Eles ganham novas camadas de vulnerabilidade e de força.

Um dos momentos mais comoventes ocorre com "Lacrimosa", de “Requiem for My Friend”, em que Wania transforma o que antes era um lamento coral em uma oração pessoal, quase sussurrada. Nas mãos dele, até mesmo as tonalidades mais sombrias da música de Preisner ("Eminent Domain", "Lost and Love") revelam um calor inesperado. A qualidade da gravação também merece destaque. É intimista, sem ser claustrofóbica. Cada nuance, desde o uso delicado dos pedais até o decaimento suave de uma nota, é capturada com cuidado, como se o ouvinte estivesse sentado a poucos metros do piano.

No fim das contas, “My Life—Preisner's Music” não é apenas uma homenagem a um compositor ou um catálogo de temas famosos de filmes. É um álbum profundamente pessoal, sobre memória, sobre mudança, sobre a maneira como a música pode viver muitas vidas muito depois de deixar a tela. Dominik Wania não se limita a revisitar as melodias de Preisner. Ele convida os ouvintes a vivenciá-las sob uma nova perspectiva, de uma maneira que parece, ao mesmo tempo, familiar e surpreendentemente nova.

Faixas: Dekalog--Nymphea; The Secret Garden Suite; Mouvements Du Desir--L'amour; Forgotten We'll Be--Letter From The Father; Damage; When A Man Loves A Woman--Homecoming; Aberdeen; The Double Life Of Veronique-- Van Den Budenmayer Concerto En Mi Mineur; Twilight- -Transient; The Funeral--The Waltz; The Double Life Of Veronique--Les Marionnettes; Eminent Domain; Lost And Love; Queen Of Spain-- End Credits; Three Colours Blue--Song For The Unification Of Europe; Requiem For My Friend--Lacrimosa; Love Song 1980.

Fonte: Nenad Georgievski (AllAboutJazz)