JOHN VANORE & ABSTRACT TRUTH - EASTER ISLAND SUITE (Acoustical Concepts)

Esta suíte em quatro partes do trompetista e compositor John Vanore e seu grupo de longa data de 12 músicos, Abstract Truth, é um monumento sonoro à Ilha de Páscoa, cujas esculturas gigantes de pedra e cavernas subterrâneas sombrias fascinam exploradores e historiadores, e inspiram sonhadores como Vanore, desde sua descoberta no Pacífico, ao largo da costa do Chile, em 1722. As gravações deste programa fascinante, uma obra épica caracterizada por estruturas musicais imponentes e solos que exploram profundamente reinos de beleza oculta, ocorreram ao longo de 35 anos (durante sessões em outubro de 1989, junho de 2012 e junho de 2024). O primeiro movimento da suíte, "Discovery" (originalmente intitulado "Easter Island" e lançado no álbum de estreia do Abstract Truth, “Blue Route”, de 1990), evoca uma sensação de urgência crescente, começando com uma declaração temática da trompa (George Barnett) e do contrabaixo (Craig Thomas) e continuando com um majestoso solo de saxofone tenor (Mike Falcone), que representa a imensidão e o mistério das fascinantes estátuas humanoides da ilha. A suíte continua com “Gods & Devils”, uma representação da cultura espiritual da ilha, na qual Vanore, ao trompete, assume o papel de um deus, enquanto o saxofonista tenor Bob Howell incorpora uma persona mais diabólica. “Secret Caves” começa um pouco hesitante, com breves e inquisitivas intervenções do clarinetista baixo Brian Landrus, do guitarrista Greg Kettinger e do baixista Thomas, que preparam o terreno para momentos reveladores iluminados pela flauta de Michael Mee e pelo som cintilante da waterphone ( é uma harpa de água, que é um instrumento musical acústico inarmônico, famoso por produzir sons etéreos, misteriosos e muitas vezes fantasmagóricos, comumente usados em trilhas sonoras de filmes de suspense e terror) de Thomas. O movimento final, o melancólico e sereno “Rano Raraku”, recebeu o nome da cratera vulcânica cuja pedra foi extraída para criar as quase 1.000 figuras moai, que circundam a costa da Ilha de Páscoa. A concretização plena da dedicatória de Vanore representa uma conquista profunda para o compositor, cujo objetivo é simplesmente transportar o ouvinte para a ilha. Embora Vanore nunca tenha feito a árdua viagem pessoalmente, ele consegue pintar um retrato vívido de um dos locais mais belos e enigmáticos do mundo, baseado apenas em sua extensa pesquisa, zelo visionário e habilidade excepcional como compositor.

Faixas

1.Discovery 12:43

2.Gods and Devils 07:12

3.The Secret Caves 10:54

4.Rano Raraku- Journey to the Lake 15:31

Músicos: John Vanore (trompete); Ron Thomas (piano); Craig Thomas (baixo acústico); Joe Nero (percussão, bateria[1]); Dan Monaghan (bateria); Austin Wagner (bateria); Bob Howell (saxofone);Brian Landrus (saxofone barítono); Dennis Wasko (trompete); Larry Toft (trombone); Greg Kettinger (guitarra); Tony DeSantis (trompete); Sean McCusker (trombone); Frank Rein (trombone); Mike Falcone (1); Michael Mee (saxofone (todas as faixas), saxofone soprano, flauta; Rocco Bene (trompete, flugelhorn [1]); Joe Falon (trompete, flugelhorn [1]); Brian Croder (trompete, flugelhorn [1]); Kevin Rodgers (trompete, flugelhorn [1]); George Barnett (French horn [1-3]); Mike Galan (trombone [1]); Jose Vidal (trombone baixo [1]); Ron Thomas ( piano [1, 4]); Craig Thomas (baixo [todas as faixas]); Bob Howell (saxofones [2, 3]); Brian Landrus (clarinet baixo [3]); Sean McAnally (trompete [2, 3]); Joe Cataldo (trompete [2, 3]); Dennis Wasko (trompete [2, 3]); Larry Toft (trombone [2, 3]); Barry McCommon (trombone baixo [2, 3]); Greg Kettinger (guitarra [2-4]); Dan Monaghan (bateria [2, 3]); Peter Neu (trompete, flugelhorn [4]); Marcell Ballinger (trompete, flugelhorn [4]); Tony DeSantis ( trompete, flugelhorn [4]); Lyndsie Wilson (French horn [4]); Sean McCusker (trombone [4]); Frank Rein (trombone baixo [4]); Austin Wagner (bateria [4]).

Fonte: Ed Enright (DownBeat) 

 

 

ANIVERSARIANTES - 27/05

Albert Nicholas (1900-1973) – saxofonista,clarinetista,

Bud Shank (1926-2009) – saxofonista,flautista,

Dee Dee Bridgewater (1950) - vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=RIhoHwhiFU0&feature=related,

Felipe Ávila(1957) – violonista,guitarrista,

Gergo Borlai (1978) – baterista,

Gonzalo Rubalcaba (1963) –pianista,

Marc Copland (1948) – pianista,Niels-Henning Orsted-Pederson (1946-2005) - baixista,

Osmar Milito (1941) – pianista,

Ramsey Lewis (1935) - pianista 

 

PALOMA DINELI CHESKY – MEMORY (The Audiophile Society)

Às vezes, um ouvinte se apega a uma versão específica de uma música, especialmente na primeira vez que a ouve. O resultado pode ser bom ou simplesmente limitante. É possível que alguém nunca se livre completamente do primeiro contato. Ele influencia todas as experiências subsequentes. Alguns talvez tenham aprendido "Corcovado" quando Miles Davis a interpretou em "Quiet Nights" (Columbia, 1963). Pode ter sido uma escolha estranha para um primeiro contato com Davis, mas aconteceu no início da década de 1960.

Paloma Dineli Chesky canta "Corcovado" de forma muito semelhante à maneira como a tocava: plangente, porém sussurrada. A interpretação dela não é de forma alguma uma imitação, mas evoca o sentimento agridoce de Davis, como disse uma pessoa anônima nas notas do encarte de ‘Quiet Night’, de "uma criança trancada para fora". Uma canção encantadora, tingida de tristeza e saudade. Chesky tem a voz perfeita para isso. Em seu português brasileiro, o efeito é mágico. Embora a versão de Chesky para "House of the Rising Sun" definitivamente não seja Nina Simone, Chesky traz a mesma crueza e potência que Simone, o que é desconcertante depois de uma versão igualmente emotiva, porém mais tranquila, de "Summertime"."Green", uma obra original, demonstra o talento de Chesky como compositora. "Baby Face" é mais uma composição original que sugere uma clave no início, mas logo se transforma em um compasso quaternário, com um solo de saxofone de muito bom gosto. "Memory", também, é inédita. Aqui, Chesky flutua sobre e ao redor do tempo, interagindo com o baixo e a guitarra, ocasionalmente, mas nem sempre, parando em compassos. De alguma forma, "Sober Now" sugere que, quando a Sra. Chesky se desapega de algo ou alguém, é para valer. Há novamente um pouco de Nina Simone. Chesky não poderia ter uma influência melhor.

A banda se ajusta perfeitamente ao estilo de Chesky, acentuando sutilmente seus pontos fortes e adicionando detalhes onde necessário. Por vezes, a banda é uma extensão da voz dela. Separar a voz dela dos riffs (NT: frase musical curta, melódica ou harmônica, repetida ao longo de uma canção, servindo como base ou marca registrada) é quase impossível. Maxwell Barnes no saxofone tenor é particularmente simpático, mas todos estavam animados para este encontro.

Chesky reside em Nova York, mas tem família no Brasil, e é difícil imaginar um mercado mais difícil para começar. Costuma-se dizer que cantores iniciantes não são suficientemente originais ou são excessivamente peculiares para o seu próprio bem. As mulheres, em particular, recebem críticas sobre tudo, desde o estilo e a forma de se expressar até o vestuário. Sim, Chesky tem seu próprio jeito, mas na maior parte das vezes não exagera. Chesky será uma cantora com quem se deve contar nos próximos anos: "Quero unir diferentes estilos e ideias.". Sim, ela o faz, e com considerável originalidade e espontaneidade. Ela não é apenas uma versão atualizada de um clássico, por mais impressionante e difícil que isso possa ser.

Faixas: Summertime; Green; Baby Face; Memory; Sober Now; Corcovado; House of the Rising Sun; Diamond; When the Moon's Away.

Músicos: Paloma Dineli Chesky (vocal); Michael Hilgendorf (guitarra); Maxwell Barnes (saxofone tenor); Danno Petersen (bateria); Chris Ramirez (baixo).

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz) 

 

ANIVERSARIANTES - 26/05

Al Jolson (1885-1950) – vocalista,

Calvin Jackson (1919-1985) – pianista,líder de orquestra,

Colette Wickenhagen (1959) – vocalista,

David Torn (1953) – guitarrista,

Denise Donatelli (1950) – vocalista,

Gene DiNovi (1928) – pianista,

Jorge Roeder (1980) – baixista,

Kit Downes (1986) – pianista,

Mamie Smith (1883-1946) - vocalista,

Mike Reed (1974) – baterista,

Miles Davis (1926-1991) - trompetista,

Peggy Lee (1920-2002) - vocalista,

Ruben González (1919-2003) – pianista,

Rune Nergaard (1983) – baixista,

Shorty Baker (1914-1966) - trompetista,

Sivuca(1930-2006) – acordeonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=i1As5WXlTkI,

Ziggy Elman (1914-1968) - trompetista
 

BILL EVANS – EXPLORATIONS (Craft Recordings)

Não é fácil analisar uma obra-prima. O célebre historiador estadunidense Perry Miller certa vez se viu obrigado a resmungar algo como "O que eu devo dizer sobre essa maldita coisa?".A maldita coisa em questão é “The Scarlet Letter” de Nathaniel Hawthorne. O professor Miller, encontra o pianista Bill Evans. Tentar dizer algo inteligente sobre Bill Evans, depois de tanto ter sido escrito e dito nos quase cinquenta anos após sua morte, define uma tarefa árdua. Então, por que se preocupar?

Desde 1961, “Explorations”foi relançado em vários formatos nos Estados Unidos, Japão e Reino Unido, tanto em CD quanto em vinil. Provavelmente, faz algum sentido focar nas razões desta reedição, presumivelmente diferente porque é uma prensagem de "uma etapa" que se aproxima muito mais em qualidade de som da fita original. Isto na "Small Batch Series", da Craft Recordings, uma gravadora interna do Concord Group, que, por sua vez, foi a sucessora do grupo Fantasy Label. O ponto de venda básico, pelo menos entre audiófilos e colecionadores, é sonoro, embora qualquer lançamento limitado (e esta série tem 2.500 prensagens) possa ser visto como um item de colecionador e, dependendo da demanda do mercado, um investimento potencial também. Há ouvintes—mais do que alguns—que são simplesmente loucos por Bill Evans, especialmente seu célebre trio com Paul Motian e Scott LaFaro. Alguns são "completistas",que buscará tudo o que Evans fez. E haverá aqueles que continuarão a ouvir a música muito depois dos originais e de algumas reedições subsequentes terem sido feitas. Até que ponto a Craft atende bem a essas diferentes necessidades?

Primeiro, claro, é o que um ouvinte ouve. Há diferentes formas de avaliar gravações, e as pessoas terão preferências diferentes em relação ao equilíbrio instrumental, tom, timbre. Isto deve ser deixado para o ouvinte, mas no mínimo, a qualidade do som é simplesmente maravilhosa — sem ruído de superfície ou distorção, mesmo usando um sistema modesto e toca-discos — longe dos padrões de equipamentos audiófilos. Ouvir Evans é como entrar em um lugar especial. Se o piano não estiver abafado e, consequentemente, soando alto, a gravação não será fiel ao toque de Evans. Uma segunda consideração é a facilidade com que se pode acompanhar a interação entre La Faro e Evans, o que é grande parte da novidade. Neste ponto, mais uma vez, exemplar. E depois há a produção física, que inclui uma masterização totalmente analógica por Bernie Grundman, um estojo de linho estampado em folha e novas notas de capa - infelizmente um pouco difíceis de ler por causa da fonte. Deixando isso de lado, qualquer um deveria estar feliz.

Não há muito o que dizer sobre a música, embora a audição repetida possa sempre ser proveitosa. Ouvir Evans em "Sweet and Lovely" sugere uma abordagem irônica amplificada por dissonâncias - um senso de humor de Evans que tem sido muito fácil de ignorar.

No geral, uma produção muito valiosa para ouvintes sérios que querem ouvir Evans como ele sempre deveria ter sido ouvido.

Faixas: Israel; Haunted Heart; Beautiful Love" [Take 2]; Elsa; Nardis; How Deep Is the Ocean?; I Wish I Knew; Sweet and Lovely.

Músicos: Bill Evans (piano); Scott LaFaro (baixo); Paul Motian (bateria).

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

ANIVERSARIANTES - 25/05

Andy Laster (1961) – saxofonista,clarinetista,

Christof Lauer (1953) - saxofonista,

Emmet Cohen (1990)- pianista,

Gary Foster (1936) - flautista,

Jimmy Hamilton (1917-1994)- clarinetista, saxofonista,

Kitty Kallen (1921-2016) – vocalista,

Marshall Allen (1924) - flautista,saxofonista,

Michael Wollny (1978) – pianista,

Nailor Proveta (1961) –saxofonista,clarinetista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=0bybo0EVgdA,

Wallace Roney (1960-2020) – trompetista

 

MIGUEL ZENÓN - GOLDEN CITY (Miel Music)

O saxofone alto alcançou proeminência no jazz nos anos 1940, sob a influência de Charlie Parker e o nascimento do bebop. Importantes instrumentistas como Art Pepper, Lee Konitz e Ornette Coleman tomou os instrumentos em suas próprias direções, criando vozes distintas de saxofone alto. Movendo-se à frente do novo milênio, nenhum saxofonista alto entrou na tradição com mais estilo e elegância do que Miguel Zenón. Seu “Alma Aldentro: The Puerto Rican Songbook (Marsalis Music, 2011)”, “Tipico (Miel Music, 2017)” e “Yo Soy El Tradicion (Miel Music, 2018)” são marcos latinos da arte de Zenón.

“Golden City”, contratado pela SFJAZZ e pela Hewlett Foundation, celebra San Francisco, um assunto no qual Zenon se aprofundou, explorando a história da cidade desde suas comunidades nativas americanas pré-europeias, passando pelos assentamentos mexicanos até a Corrida do Ouro, os dias da imigração chinesa e além, a gentrificação contínua da cidade e a influência da alta tecnologia e seu status de "Cidade Santuário", resultando em uma suíte temática de 11 peças.

Temática e instrumentalmente desafiante e complexo, apresentando um noneto pesado nos metais (trombones, tuba, trompete), “Golden City” é um triunfo. Os arranjos de instrumentos de sopro — apoiando o sax alto, piano (Matt Mitchell), guitarra (Miles Okazaki), seção rítmica de baixo/bateria, incrementados pela percussão latina de Daniel Diaz —traz Gil Evans à mente, e a obra-prima menor de Herbie Hancock, “Speak Like A Child (Blue Note, 1968)”.

Iniciando com melancolia, a triste "Sacred Land", o saxofone de Zenón chora para o povo original nativo estadunidense de São Francisco antes de passar para um animado e firme balanço. O implacável "Rush" fala da queda final destes povos nativos, na forma da corrida do ouro que trouxe o ataque europeu para a Cidade do Ouro. Os instrumentos de sopro misturam e lutam com tons escuros. "Acts Of Exclusion" refere-se à Lei de Exclusão Chinesa de 1882, surgiu por meio da pesquisa de Zenón sobre a comunidade sino-americana da Bay Area. O saxofonista parece invocar Charlie Parker com uma reviravolta ácida que dá lugar ao solo de guitarra pungente de Okazaki. "9066" fala sobre a ordem executiva de Franklin Delano Roosevelt que forçou milhares de nipo-americanos a irem para campos de concentração. Apresenta o vigoroso e agourento solo de baixo de Chris Tordini em frente ao hábil trabalho de piano de Mitchell. Então Zenón sopra elegíaco diante de um acompanhamento orquestral de metais.

"Sanctuary City" celebra a decisão de São Francisco de acolher os andarilhos, que muitas vezes vagueiam e mudam-se por razões políticas e de perseguição. Santuário para os menos afortunados encontra resistência com uma porcentagem significativa de eleitores estadunidenses. A maioria dos habitantes de São Francisco provavelmente não se importa com a resistência do tipo odioso.

“Golden City” é um exame erudito de camadas da história de São Francisco, descasca alguns dos sofismas de relações públicas dos livros de história, que muitas vezes cobrem os males e injustiças da evolução da sociedade americana. O álbum mostra que Miguel Zenón está no auge da sua criatividade. Uma experiência auditiva fascinante. E, cara, estes instrumentos de sopro….

Faixas: Sacred Land; Rush; Acts of Exclusion; 9066; Displacement and Erasure; SRO; Wave of Change; Sanctuary City; Cultural Corridor; The Power of Community; Golden.

Músicos: Miguel Zenón (saxofone alto); Matt Mitchell (piano); Chris Tordini (baixo acústico); Dan Weiss (bateria); Miles Okazaki (guitarra); Daniel Diaz (percussão); Diego Urcola (trompete, trombone de válvula); Alan Ferber (trombone); Jacob Garchik (trombone,tuba).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)