playlist Music

terça-feira, 13 de janeiro de 2026

RALPH ALESSI QUARTET - IT’S ALWAYS NOW (ECM)

Editado em 2023, o mais recente álbum de Ralph Alessi é um verdadeiro tratado de virtuosismo instrumental no sentido mais profundo do termo. De um ponto de vista técnico, Alessi é um dos mais impressionantes trompetistas em atividade e, ao mesmo tempo, um músico revelador de uma calma e contenção invulgares. Arrisco-me até a dizer: uma calma e contenção apenas ao alcance dos maiores virtuosos. Por outras palavras, o seu domínio do instrumento é tal que jamais sente a necessidade de o exibir para lá daquilo que a própria música requer. Para os ouvintes mais atentos, esse domínio está, em todo o caso, patente em qualquer intervenção sua, nomeadamente através do seu extraordinário controle de som ou da sua articulação imaculada (De salientar também o seu leque de efeitos trompetísticos, incluindo certos sons acústicos que quase julgaríamos resultantes de manipulação electrónica), Isto faz com que, na sua música, cada nota, cada gesto, adquira uma importância acrescida: mesmo quando aparentemente mais simples, há nela todo um nível adicional de elegância e sofisticação. É muito raro, por exemplo, ouvirmos um quarteto de jazz, como este, prestar tamanha atenção às dinâmicas e explorar o seu espectro mais silencioso com uma minúcia que mais comumente associaríamos a um grupo de câmara dedicado a repertório de música dita clássica contemporânea.

Alessi formou este quarteto após a sua mudança para a Suíça, em meados de 2020, sendo este o seu registo de estreia. No piano (o belíssimo Fazioli do estúdio Artesuono, de Stefano Amerio), Florian Weber revela-se o parceiro ideal, justamente por evidenciar todo o tipo de qualidades que identificamos no trompetista: possuidor de uma técnica clássica excecional, perceptível tanto através dos grandes como dos pequenos gestos, ouvimos nele semelhante sobriedade. Em particular, as faixas em que se apresenta em duo com Alessi – entre as quais três composições espontâneas – contam-se entre as principais pérolas do álbum. Bänz Oester e Gerry Hemingway são também eles verdadeiros mestres de contenção e, ao mesmo tempo, mais do que capazes de atear fogo quando necessário. Com vasta experiência a tocar juntos, nomeadamente no âmbito do WHO trio (cujo álbum “Less is More” é já um clássico), revelam aqui uma química deveras especial, contribuindo em muito para que, apesar de recém-constituído quando desta gravação, o quarteto soe já como um genuíno grupo, inclusive em momentos de maior reboliço.

Não obstante as suas origens estadunidenses, a música de Alessi sempre apresentou um forte pendor europeu, nomeadamente por via do seu lirismo sóbrio – complementado por um sutil experimentalismo - e sentido de espaço, assim como da sua abordagem clássica ao instrumento, assentando como uma luva à estética da ECM. Em todo o caso, e embora este seja talvez o seu álbum mais “europeu” até à data – uma evolução muito interessante face aos anteriores registos dos seus grupos estadunidenses, o último dos quais o também excelente “Imaginary Friends” (2019) –, julgo ser mais adequado tomá-lo como mais um passo no sentido da destilação de um jazz próprio, que se afigura, em última análise, verdadeiramente universal: do cool ao free, da referida ECM a correntes nova-iorquinas contemporâneas, Alessi consegue sintetizar tudo isto (e mais). Álbum de sutis contrastes, “It’s Always Now” é, pois, a ilustração perfeita de que as tradições estadunidense e europeia se fazem sentir em ambos os lados do Atlântico – justamente aquilo que, nas palavras de João Paulo Esteves da Silva, «permite o paradoxo de os inventores do chamado “jazz europeu” serem americanos: Ornette, Charles Lloyd, Jarrett, Braxton, etc.».

Faixas: "Hypnagogic", "Old Baby", "Migratory Party","Residue", "The Shadow Side", "It's Always Now", "Diagonal Lady", "His Hopes, His Fears, His Tears", "Everything Mirrors Everything", "Portion Control", "Ire", "Hanging by a Thread", "Tumbleweed".

Músicos: Ralph Alessi— trompete; Florian Weber— piano; Bänz Oester— contrabaixo; Gerry Hemingway — bateria.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=WiMkL_8J6Is

Fonte: João Esteves da Silva (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 13/01

Antonio Onorato (1964) – guitarrista,

Bill Easley (1946) - saxofonista,

Claudio Riggio (1964) – guitarrista,

Danny Barker (1909-1994) - banjoísta,guitarrista, vocalista,

Edu Ribeiro (1975) – baterista,

Elliot Mason (1977) – trombonista,trompete,

Joe Pass (1929-1994) – guitarrista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=p_kUJa1PueM

Jurandir dã Silva (1970) – guitarrista,

Julian Nicholas (1965) – saxofonista,

Melba Liston (1926-1999) - trombonista,

Percy Humphrey (1905-1995) - trompetista,

Quentin Jackson (1909-1976) - trombonista,

Rosario Giulianni(1967) – saxofonista,

Vido Musso (1913-1982) - saxofonista

 

segunda-feira, 12 de janeiro de 2026

ART HIRAHARA – PEACE UNKNOWN (Posi-Tone Records)

Art Hirahara é um dos pianistas mais requisitados do jazz contemporâneo, aparecendo em inúmeras gravações, enquanto constrói uma carreira solo impressionante. Com “Peace Unknown”, ele continua sua prolífica parceria com a Posi-Tone Records, com um grupo profundamente pessoal e expansivo que traz nova vida a composições anteriores ao mesmo tempo que introduz novo material ousado. Enquadrado em um robusto conjunto de quatro instrumentos, o álbum se apresenta como uma reflexão sobre o passado e uma declaração artística voltada para o futuro, combinando elegantemente a expressividade lírica com a ousadia estrutural.

Originalmente concebido pelo produtor Marc Free durante uma semana agitada de sessões, o projeto aproveita o impressionante grupo de músicos da Posi-Tone para montar uma banda dos sonhos. Apesar da admissão de Hirahara de que a semana de gravação o deixou um pouco "desanimado", o resultado é tudo menos desconexo. Este é um álbum cheio de sinergia, com arranjos que elevam a escrita de Hirahara ao terreno cinematográfico.

A faixa título, "Peace Unknown", dá o tom com um lamento assombroso e suspenso no tempo, revisitando uma peça originalmente escrita em 2002 como uma resposta ao conflito israelense-palestino. Inspirada na trilha sonora de Ennio Morricone para Cinema Paradiso, esta versão se inclina para a ambiguidade emocional de seu título, oferecendo uma meditação em vez de uma resolução.

Hirahara desperta diversos estados de ânimo no set. "Anonima", sua ode aos apoiadores anônimos do jazz, ecoando Thelonious Monk em espírito e gesto, com Michael Dease entregando um solo de trombone espirituoso e referencial. "Irons In The Fire", escrito às pressas entre as tomadas, fala sobre o caos criativo do estúdio. No entanto, nunca é evidente a precisão e o equilíbrio da performance. Os músicos dão vida a cada toque da forma composicional de Hirahara.

O arranjo de "Drawing With Light" de Diego Rivera acrescenta ternura e contraste, enquanto o "Brooklyn Express" pulsa com a energia cinética do trem D, que vai de Coney Island ao Bronx. Hirahara descreve isto como sua "tábua de salvação para viajar entre Brooklyn e Manhattan", e isso se torna sua versão figurativa de "Take the 'A' Train", de Duke Ellington. Rivera reinventa este espírito através das lentes do jazz moderno, capturando o movimento e o mistério das viagens urbanas. "The More Things Change", ouvida pela primeira vez no álbum “First Things First (Posi-Tone 2022)” do baixista Boris Kozlov, tem um suíngue forte graças à poderosa parceria rítmica de Kozlov e do baterista Rudy Royston.

Três das músicas foram originalmente apresentadas no lançamento de 2015 do Positone de Hirahara, “Libations and Medtations”. "Father's Song" inclina-se para a introspecção, escrita em memória do pai de Hirahara, brilhando com reverência discreta. "The Looking Glass" traz o capricho literário para o grupo, com Patrick Cornelius criando uma narrativa solo que ecoa a lógica imprevisível do conto clássico de Lewis Carroll. Finalmente, "Two Cubes", um contrafato espirituoso de "What Is This Thing Called Love?", que libera toda a força do conjunto, especialmente Royston, que quase rouba a cena com um solo de bateria feérico.

Hirahara mais uma vez prova ser um mestre da melodia, do humor e da forma. É um disco que fala suavemente, às vezes, mas nunca sem propósito. Mesmo nos seus momentos mais contemplativos, nunca perde o sentido de direção. Este é um jazz com coração, inteligência e balanço em igual medida, guiando os ouvintes, com graça e propósito, para aquele espaço de “Peace Unknown (NT: Paz Desconhecida)”.

Faixas: Peace Unknown; Anonima; Irons In The Fire; The More Things Change; Drawing With Light; Brooklyn Express; The Looking Glass; Father's Song; Two Cubes.

Músicos: Art Hirahara (piano); Alex Sipiagin (trompete); Diego Rivera (saxofone tenor); Patrick Cornelius (saxofone alto); Michael Dease (trombone); Boris Kozlov (baixo acústico); Rudy Royston (bateria); Markus Howell (saxofone alto).

Fonte: Kyle Simpler (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 12/01

Ben Geyer (1985) – pianista,

Ernst Bier (1951) – baterista,

Gene Lake (1966) – baterista,

George Duke (1946-2013) - pianista,

Guy Lafitte (1927-1998) - saxofonista,

Hadley Caliman(1932-2010) – saxofonista,

Ingrid Jensen (1966) – trompetista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=pjaUvw0iC8A&feature=related,

Ivo Perelman (1961) – saxofonista,

Jane Ira Bloom (1955) - saxofonista,

Jay McShann (1909-2006) - pianista,vocalista,

Mississippi Fred McDowell (1906-1972) – guitarrista,

Nancy Donnelly (1967) – vocalista,

Nicole Zuraitis (1985) – vocalista,pianista,

Olu Dara (1941) - trompetista,cornetista,

Ruth Brown (1928-2006) - vocalista,

Tony Malaby (1964) – saxofonista,

Trummy Young (1912-1984) - trombonista

 

domingo, 11 de janeiro de 2026

RON CARTER & ART FARMER- LIVE AT SWEET BASIL (Arkadia Records)

Se alguém queria capturar um 'quem é quem' instantâneo dos ícones do jazz de meados dos anos 70, nos anos 80 e além, uma das melhores formas de começar foi observar se eles adicionaram seus nomes à lista dos artistas que gravaram e/ou lançou uma coletânea 'Live at Sweet Basil'. O clube de Nova York estreou como um restaurante em 1974 e, dentro de poucos anos, artistas incluindo Art Blakey, Gil Evans, Cecil Taylor, McCoy Tyner, Mal Waldron e outros iniciaram atuando na arena compacta e gravaram sessões lá. Uma das primeiras pressões ao botão 'gravar' era o baixista Ron Carter. Carter gravou esta sessão em 1990 ao lado de três outros gigantes do jazz: Art Farmer no trompete e flugelhorn, Cedar Walton ao piano e Billy Higgins na bateria. Carter, Walton e Higgins até voltaram para mais uma sessão gravada em 1991 (sem Farmer naquela época).

Embora fosse um elenco de iguais quando se tratava de talento em 1990, Carter e Farmer foram designados como líderes naquela noite. De seus dias iniciais estudando música clássica no Eastman School of Music no final dos anos 50 para excursões fora do horário comercial para Rochester, clubes de jazz de Nova York tais como o Pythodd Room, Carter aperfeiçoou uma abordagem disciplinada e objetiva da música, enquanto conquistava metodicamente o direito de ser reconhecido como um profissional de alto nível.

Cada membro do quarteto compôs ao menos uma peça para este álbum, e "It's About Time", uma das duas composições de Carter, inicia o disco. Farmer rapidamente 'faz solo' no trompete, enquanto Carter suínga e balança com elegância intuitiva. "Art's Song" é uma balada impressionante, que destaca o flugelhorn de Farmer antes do grupo seguir para "My Funny Valentine". Perto dos dez minutos, o quarteto certamente não tem pressa nesse padrão de Rogers e Hart, então eles vão com calma. Farmer permanece relaxada e confiante e ele nunca 'balança as cercas'. Para Farmer, a “sensibilidade” é muitas vezes mais importante do que a “velocidade”. O segundo lado inicia com "When Love is New", a contribuição de Walton. As notas suaves de Farmer parecem flutuar em uma nuvem nebulosa, enquanto Walton complementa os metais de Farmer com delicados toques de som. Quem não conhece, quase poderia presumir que esse era um padrão romântico dos anos 30. "Shortcomings", escrito por Higgins, apresenta um solo de bateria econômico e eficiente de um minuto de Higgins, enquanto Farmer continua a se destacar em mais um sutil, de maneira reservada. A faixa final, "A Theme in ¾," é a segunda peça de Carter e permanece discreta, enquanto o quarteto traz a noite para um pouso suave.

Uma homenagem à Arkadia Records por apresentar uma peça audiófila imaculada, que é ainda mais aprimorada graças ao calor do vinil. A música está convidativamente reflexiva com elegância, prêmios e recompensas musicais discretas. Eles dizem quando um baixista e um baterista estão em sincronia simbiótica, assim, as coisas vão incrivelmente bem. Este balanço é evidente ao longo do trabalho. Em adição, Walton e Higgins têm uma história de trabalhos juntos, assim eles estão em perfeita sintonia. Quanto a Farmer, ele reverentemente desliza para dentro e para fora via trompete e flugelhorn e os ouvintes devem encontrar, eles mesmos, desejando que este quarteto tivesse se comprometido ainda mais com o vinil. Ah bem. Mas, parafraseando um filme clássico dos anos 40, “sempre teremos aquela noite no Sweet Basil”.

Faixas: It's About Time; Art's Song; Shortcomings; When Love is New; A Theme in 3/4; My Funny Valentine.

Músicos: Ron Carter (baixo); Art Farmer (flugelhorn); Billy Higgins (bateria); Cedar Walton (piano).

Fonte: Scott Gudell (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 11/01

Ed Schuller (1955) - baixista,

Eden Atwood (1969) – vocalista,

Egil Johansen (1934-1998) – baterista,

Geraldo Azevedo (1945) – vocalista,violonista,

Jack Nimitz (1930-2009) – saxofonista,

Jonny Phillips (1971) – guitarrista,

Kris Gustofson (1962) – baterista,

Lee Ritenour (1952) - guitarrista (na foto e vídeo ) https://www.youtube.com/watch?v=qCCNJuXHeUU

Neal Caine (1973) – baixista,

Oren Neiman (1978) – guitarrista,

Oriente López (1962) – pianista,

Osie Johnson (1923-1966) - baterista,

Ryan Burns (1972) – pianista,

Simon Nabotov (1959) – pianista,

Steve Olivier (1962) – guitarrista,vocalista,

Tab Smith (1909-1971) - saxofonista,

Wilbur deParis (1900-1973) - trombonista

 

sábado, 10 de janeiro de 2026

STEFAN SIRBU - REVERIE

A arte de sonhar acordado é o berço da criatividade. O pianista Stefan Sirbu, nascido na Moldávia, explora esse estado de consciência receptiva em seu álbum “Reverie”. As sete músicas apresentadas aqui totalizam um pouco menos de 40 minutos. Sirbu diz que seu objetivo era: "Produzir um disco que pudesse ser ouvido durante um curto trajeto para casa, para se deixar levar durante uma viagem de ônibus ao entardecer ou um passeio tranquilo pela cidade ao anoitecer". Isso pode parecer uma meta modesta. Porém, não é. Ele não trouxe esse quinteto de primeira linha para o estúdio para criar uma obra-prima, mas sim algo para ser ouvido, apreciado e desfrutado. Ele e o grupo corresponderam a esse desafio.

Ele e seu quarteto — a saxofonista Julieta Eugenio, o baixista Clovis Nicolas e o baterista Anthony Pinciotti — alcançaram o objetivo de Sirbu com uma elegância descontraída e uma fluidez que, em parte, parece evocar a tradição dos álbuns de quarteto de saxofonistas como Dexter Gordon, Joe Henderson e — ainda mais atrás — Coleman Hawkins, com nuances sutis de influências clássicas. Além disso, a música "No Worries" mostra que eles sabem dançar swing como ninguém.

Não há luzes piscantes nem fogos de artifício chamativos. Parece um encontro numa boate, depois do horário de pico, onde a banda está relaxando e tocando o que quer. O clima crepuscular é coeso e fascinante. Por vezes, lembra a cena do jazz parisiense dos anos 1950. Sirbu toca piano com leveza e acrescenta um toque de Fender Rhodes para um brilho extra. Sua sintonia com o baixista Nicolas e o baterista Pinciotti é de pura descontração.

Eugenio, que lançou um álbum de estreia excepcional em 2024, "Stay", pela Cristalyn Records, nos diz que “Stay” não foi um acaso. Ela está tão eloquente aqui quanto em outros trabalhos. Seu solo em "Sweet" é tão fácil de ouvir; é aqui que surge a comparação com Joe Henderson, com aquela articulação sutil, intrincada e íntima do saxofone tenor.

Sirbu e a banda contam histórias belíssimas, expressando a imagética dos sonhos, a satisfação de horizontes infinitos, uma intimidade compartilhada que nasce de uma colaboração mágica e sem compromissos.

Faixas: Drydown; Elsa Au Miroir; No Worries; Reverie; Sweet; That Very Vienne; V.S.T. (Valse Sans Titre).

Músicos: Stefan Sirbu (piano); Julieta Eugenio (saxofone); Clovis Nicolas (baixo); Anthony Pinciotti (bateria).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)