GEORGE COLEMAN - GEORGE COLEMAN WITH STRINGS (HighNote Records)

O saxofonista tenor George Coleman decidiu deixar a órbita do trompetista Miles Davis em 1964. Ou então levou uma cotovelada nas costelas e uma pancada no quadril para sair do quinteto, sendo substituído por Wayne Shorter no saxofone. O grupo que contava com Coleman lançou três álbuns ao vivo de altíssima qualidade: “In Europe: Live at the Antibes Jazz Festival (1964)”; “My Funny Valentine: In Concert (1965)” e “Four and More: In Concert (1966)”, todos pela Columbia Records. Adicionando o álbum de estúdio "Seven Steps to Heaven (Columbia, 1963)”, encerra-se assim a colaboração entre Coleman e Davis. Cada um dos instrumentistas de sopro seguiu seu próprio caminho: Davis formou seu segundo Grande Quinteto com Shorter, o pianista Herbie Hancock, o baixista Ron Carter e o jovem e talentoso baterista Tony Williams, e Coleman construiu uma prolífica carreira como líder e músico de apoio.

Enquanto a fama e a fortuna de Davis explodiram com o Segundo Grande Quinteto, seguido por “In A Silent Way (Columbia, 1969)”, “Bitches Brew (Columbia Records, 1970)” e muito mais, Coleman seguiu sua carreira de forma constante na tradição, com um perfil relativamente discreto (comparado a Davis) e uma abordagem de gosto refinado ao jazz que o levou a uma longa e bem-sucedida jornada, culminando, já perto dos noventa anos, em um álbum gravado em estúdio com um quarteto principal e uma orquestra de cordas de dez músicos: “George Coleman With Strings”.

O jazz com cordas tem uma longa história, que começa com o álbum "Charlie Parker With Strings" do saxofonista alto Charlie Parker, lançado originalmente em 1950 pela Mercury Records em dois discos de dez polegadas (o álbum de 12 polegadas ainda não existia). Isto iniciou uma tendência. Os trompetistas Clifford Brown e Chet Baker também aderiram à tendência com álbuns de cordas. Fizeram o mesmo os saxofonistas Stan Getz, Coleman Hawkins e Ben Webster.

Existem obras-primas, antigas e novas, do gênero. “George Coleman With Strings” se encaixa nessa categoria. Desde as notas iniciais de "Dedicated to You", de Sammy Cahn, Coleman exibe sua elegância característica, um timbre rico e aveludado e uma graça suingada e natural, repleta de surpresas em cada frase que toca, uma abordagem inigualável que eleva o padrão para os demais saxofonistas a um patamar estratosférico. As sete faixas deste conjunto de standards incluem duas versões de "Ugly Beauty", de Thelonious Monk, e mais duas de "A Time for Love", de Johnny Mandel Coleman e seu quarteto estão imersos nos arranjos de cordas magníficos e exuberantes de Bill Dobbins, e, em três músicas, juntam-se a eles a vibrante percussão mágica de Café Da Silva.

Perfeitamente sequenciados, os 36 minutos de música primorosa — uma longa gravação para os dois discos de 10 polegadas de Charlie Parker, curta para os CDs atuais e ideal para os discos de 12 polegadas — fluem com uma qualidade hipnotizante e suave. Isso é tão belo quanto a música pode ser. Miles Davis pode ter cometido um erro ao deixar George Coleman escapar. Uma formação com Davis tocando trompete, Wayne Shorter e Coleman no saxofone ao lado do líder poderia ter rendido ótimos resultados.

Faixas: Dedicated To You; Moment To Moment; Stella By Starlight; A Time For Love; Ugly Beauty; A Time For Love; Ugly Beauty.

Músicos: George Coleman (saxofone tenor); David Hazeltine (piano); John Webber (baixo acústico); Café Da Silva (percussão); Bill Dobbins (maestro e arranjos de cordas).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES -29/05

Dan Stern (1973) – saxofonista,

David 'Bubba' Brooks (1922-2002) – saxofonista,

Dick Hafer (1927) - saxofonista,

Emanuele Cisi (1964) – saxofonista,

Eugene Wright (1923) - baixista,

Freddie Redd (1928-2021) - pianista,

Hilton Ruiz (1952-2006) - pianista,

Jim Snidero (1958) - saxofonista,

Joe Berger Myhre (1984) – baixista,

Joe Stilgoe (1979) – pianista,vocalista,

Lynne Arriale (1957) – pianista,

Kenny Washington (1958) – baterista,

Maurício Eihorn (1932) – gaitista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=DV1HyYY0nB0,

 Michael Kocour (1963) – pianista,

Ned Otter (1959) – saxofonista,

Rick Germanson (1972) – pianista,

Ron Levy (1951) - organista,pianista,

Sandy Mosse (1929-1983) – saxofonista,

Sean Jones (1978) – trompetista,

Wycliffe Gordon (1967) - trombonista 

 

JOE SANTA MARIA & DAVID TRANCHINA - OBLIQUE RHYME (Orenda Records)

O desenvolvimento integral do jazz pós-anos 70 não tem nada a ver com instrumentos, estilo de execução ou princípios de composição. Após o auge do bebop ter diminuído gradualmente, com seus praticantes se mantendo fiéis à tradição ou migrando para outros gêneros populares, a necessidade de um repertório hierárquico produzido em estúdio pareceu desaparecer com ele. É verdade que o modelo de líder de banda mantém sua popularidade hoje em dia, mas cada vez mais músicos independentes e revolucionários se voltam para uma compreensão mais anárquica do grupo de jazz, valorizando a polifonia e a autodeterminação acima da sinfonia e da coesão. Os resultados, especialmente em projetos mais convencionais, são frequentemente irregulares e desordenados, mas inigualáveis ​​em intimidade. O público ouve em gritos confiantes o que artistas antes só podiam sussurrar.

“Oblique Rhyme”, do saxofonista Joe Santa Maria e do baixista David Tranchina, é tão ousada e multifacetada quanto qualquer uma dessas obras. Embora os dois sejam os artistas principais do disco, basta dar uma olhada na lista de músicas para perceber que seus objetivos são de profunda colaboração. Eles são acompanhados pelo pianista Gary Fukushima e pelo baterista Colin Woodford. Cada músico compõe pelo menos uma faixa, uma escolha rara e exigente quando os artistas têm estilos radicalmente diferentes. É tão caótico quanto se poderia esperar, ousado e obscuro em sua variada coleção de influências, do hard bop a New Age da ECM — mas nenhuma dessas características é totalmente indesejável

Na verdade, é uma ótima opção para ouvir numa noite agradável, acima de tudo. Esses quatro músicos, no auge de sua capacidade de composição e técnica coletiva, passam uma sessão examinando e analisando minuciosamente o trabalho de seus colegas, cutucando-os como se fossem feridas, ansiosos para deixar transparecer as facetas ocultas da peça.

A maioria das faixas foi escrita por Santa Maria. Ele proclama Ornette Coleman como uma grande influência em suas composições, e embora certamente haja frases extraídas do funk afiado da obra de Coleman na era de "Of Human Feelings", seu estilo musical mergulha ainda mais nos riffs (NT: é uma sequência curta e marcante de notas, acordes ou um padrão rítmico que se repete ao longo de uma música, servindo como base melódica ou harmônica, muito comum no Rock, Blues e Metal) orgiásticos e açucarados de Art Pepper. Ele está de pé e direto ao ponto, exalando blues e texturas ainda mais suaves perto dos extremos da música, habilmente intensificadas pela conversa peculiar de Woodford. "War Crime" é uma introdução estranha e sufocante ao disco, com metais e baixo em seu frenético auge, enquanto a faixa posterior "Caricature" adentra ainda mais o território modal, adicionando um tom plangente ao dadaísmo desenfreado de Santa Maria.

"Mood of Mind" e "Prism" levam Santa Maria ainda mais para um território obscuro da Nova Era. As duas faixas foram compostas como pequenos exercícios aproximadamente no mesmo período, revelando tons mais ambientais que o grupo pôde explorar. Fukushima e Woodford parecem um pouco perdidos nessas gravações, aparentemente sem muito o que explorar nas seções intermediárias, embora a execução contemplativa de Tranchina seja imperdível. Piano e bateria têm seu momento triunfante em "Sum Thymes", composta por Fukushima, talvez a obra mais abstrata do álbum. Fukushima se entrelaça com Woodford em uma série de miniestruturas inteligentes flutuando no ar, enquanto seus determinados companheiros de banda voam e gritam para alcançá-los.

As faixas de Tranchina são de longe as mais gratificantes, mesmo permitindo que o baixista assuma um papel secundário. Sua primeira música, "Hidden Lake", é um adágio simples e leve, focado em um trabalho de arco arrastado para complementar o canto elegíaco de Santa Maria. Em "Ambient Ambiance", o ouvinte é presenteado com um trabalho de sintetizador impressionante de Fukushima, não muito diferente do que se espera de uma trilha sonora particularmente experimental de Vangelis, enquanto Tranchina, acertadamente, se mantém fiel ao básico em sua própria execução. A faixa que encerra o disco, "Picking Up the Pieces", é melancólica ao extremo, impregnada de blues, mas sem jamais sacrificar as tendências vanguardistas e rebeldes de Woodford e Fukushima, resultando em alguns diálogos empolgantes entre percussão e saxofone. As obras de Tranchina mantêm traços suaves e cores amenas para incentivar seus companheiros de banda. Por sua vez, é uma alegria acompanhar seus rabiscos pela página, agora mais encorajados pela estrutura igualitária do grupo. Os resultados transcendem o surrealismo e se configuram como exorcismos emocionais precisos, como crianças finalmente instruídas a desenhar fora das linhas.

Faixas: War Crimes; Hidden Lake; Mood of Mind; Sum Thymes; Prism; Ambient Ambiance; This Must Be For You; Caricature; Picking Up the Pieces

Músicos: Joe Santa Maria (saxofone alto); David Tranchina (baixo); Gary Fukushima (piano, sintetizador); Colin Woodford (bateria)

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 28/05

Andrew Hadro (1985) – saxofonista,

Andy Kirk (1898-1992) - tubista, 

Arto Lindsay (1953) – guitarrista,

Cathy Segal (1953) – vocalista,

Claudio Roditi (1946-2020) – trompetista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=YncPqELJTTo ,

Cyro Monteiro(1913-1973) – vocalista,

Dick Dickey (1954) – baterista,

Janet Seidel (1955-2017) – pianista,vocalista,

Max Perkoff (1962) – trombonista,

Nika Rejto (1951) – flautista,

Robert Landfermann (1982) – baixista,

Russ Freeman (1926-2002) - pianista,

T-Bone Walker (1910-1975) – vocalista,guitarrista,

Theo Bleckman (1961) – vocalista,

Tommy Ladnier (1900-1939) - trompetista,cornetista,

Whit Dickey (1954) - baterista 

 

JOHN VANORE & ABSTRACT TRUTH - EASTER ISLAND SUITE (Acoustical Concepts)

Esta suíte em quatro partes do trompetista e compositor John Vanore e seu grupo de longa data de 12 músicos, Abstract Truth, é um monumento sonoro à Ilha de Páscoa, cujas esculturas gigantes de pedra e cavernas subterrâneas sombrias fascinam exploradores e historiadores, e inspiram sonhadores como Vanore, desde sua descoberta no Pacífico, ao largo da costa do Chile, em 1722. As gravações deste programa fascinante, uma obra épica caracterizada por estruturas musicais imponentes e solos que exploram profundamente reinos de beleza oculta, ocorreram ao longo de 35 anos (durante sessões em outubro de 1989, junho de 2012 e junho de 2024). O primeiro movimento da suíte, "Discovery" (originalmente intitulado "Easter Island" e lançado no álbum de estreia do Abstract Truth, “Blue Route”, de 1990), evoca uma sensação de urgência crescente, começando com uma declaração temática da trompa (George Barnett) e do contrabaixo (Craig Thomas) e continuando com um majestoso solo de saxofone tenor (Mike Falcone), que representa a imensidão e o mistério das fascinantes estátuas humanoides da ilha. A suíte continua com “Gods & Devils”, uma representação da cultura espiritual da ilha, na qual Vanore, ao trompete, assume o papel de um deus, enquanto o saxofonista tenor Bob Howell incorpora uma persona mais diabólica. “Secret Caves” começa um pouco hesitante, com breves e inquisitivas intervenções do clarinetista baixo Brian Landrus, do guitarrista Greg Kettinger e do baixista Thomas, que preparam o terreno para momentos reveladores iluminados pela flauta de Michael Mee e pelo som cintilante da waterphone ( é uma harpa de água, que é um instrumento musical acústico inarmônico, famoso por produzir sons etéreos, misteriosos e muitas vezes fantasmagóricos, comumente usados em trilhas sonoras de filmes de suspense e terror) de Thomas. O movimento final, o melancólico e sereno “Rano Raraku”, recebeu o nome da cratera vulcânica cuja pedra foi extraída para criar as quase 1.000 figuras moai, que circundam a costa da Ilha de Páscoa. A concretização plena da dedicatória de Vanore representa uma conquista profunda para o compositor, cujo objetivo é simplesmente transportar o ouvinte para a ilha. Embora Vanore nunca tenha feito a árdua viagem pessoalmente, ele consegue pintar um retrato vívido de um dos locais mais belos e enigmáticos do mundo, baseado apenas em sua extensa pesquisa, zelo visionário e habilidade excepcional como compositor.

Faixas

1.Discovery 12:43

2.Gods and Devils 07:12

3.The Secret Caves 10:54

4.Rano Raraku- Journey to the Lake 15:31

Músicos: John Vanore (trompete); Ron Thomas (piano); Craig Thomas (baixo acústico); Joe Nero (percussão, bateria[1]); Dan Monaghan (bateria); Austin Wagner (bateria); Bob Howell (saxofone);Brian Landrus (saxofone barítono); Dennis Wasko (trompete); Larry Toft (trombone); Greg Kettinger (guitarra); Tony DeSantis (trompete); Sean McCusker (trombone); Frank Rein (trombone); Mike Falcone (1); Michael Mee (saxofone (todas as faixas), saxofone soprano, flauta; Rocco Bene (trompete, flugelhorn [1]); Joe Falon (trompete, flugelhorn [1]); Brian Croder (trompete, flugelhorn [1]); Kevin Rodgers (trompete, flugelhorn [1]); George Barnett (French horn [1-3]); Mike Galan (trombone [1]); Jose Vidal (trombone baixo [1]); Ron Thomas ( piano [1, 4]); Craig Thomas (baixo [todas as faixas]); Bob Howell (saxofones [2, 3]); Brian Landrus (clarinet baixo [3]); Sean McAnally (trompete [2, 3]); Joe Cataldo (trompete [2, 3]); Dennis Wasko (trompete [2, 3]); Larry Toft (trombone [2, 3]); Barry McCommon (trombone baixo [2, 3]); Greg Kettinger (guitarra [2-4]); Dan Monaghan (bateria [2, 3]); Peter Neu (trompete, flugelhorn [4]); Marcell Ballinger (trompete, flugelhorn [4]); Tony DeSantis ( trompete, flugelhorn [4]); Lyndsie Wilson (French horn [4]); Sean McCusker (trombone [4]); Frank Rein (trombone baixo [4]); Austin Wagner (bateria [4]).

Fonte: Ed Enright (DownBeat) 

 

 

ANIVERSARIANTES - 27/05

Albert Nicholas (1900-1973) – saxofonista,clarinetista,

Bud Shank (1926-2009) – saxofonista,flautista,

Dee Dee Bridgewater (1950) - vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=RIhoHwhiFU0&feature=related,

Felipe Ávila(1957) – violonista,guitarrista,

Gergo Borlai (1978) – baterista,

Gonzalo Rubalcaba (1963) –pianista,

Marc Copland (1948) – pianista,Niels-Henning Orsted-Pederson (1946-2005) - baixista,

Osmar Milito (1941) – pianista,

Ramsey Lewis (1935) - pianista 

 

PALOMA DINELI CHESKY – MEMORY (The Audiophile Society)

Às vezes, um ouvinte se apega a uma versão específica de uma música, especialmente na primeira vez que a ouve. O resultado pode ser bom ou simplesmente limitante. É possível que alguém nunca se livre completamente do primeiro contato. Ele influencia todas as experiências subsequentes. Alguns talvez tenham aprendido "Corcovado" quando Miles Davis a interpretou em "Quiet Nights" (Columbia, 1963). Pode ter sido uma escolha estranha para um primeiro contato com Davis, mas aconteceu no início da década de 1960.

Paloma Dineli Chesky canta "Corcovado" de forma muito semelhante à maneira como a tocava: plangente, porém sussurrada. A interpretação dela não é de forma alguma uma imitação, mas evoca o sentimento agridoce de Davis, como disse uma pessoa anônima nas notas do encarte de ‘Quiet Night’, de "uma criança trancada para fora". Uma canção encantadora, tingida de tristeza e saudade. Chesky tem a voz perfeita para isso. Em seu português brasileiro, o efeito é mágico. Embora a versão de Chesky para "House of the Rising Sun" definitivamente não seja Nina Simone, Chesky traz a mesma crueza e potência que Simone, o que é desconcertante depois de uma versão igualmente emotiva, porém mais tranquila, de "Summertime"."Green", uma obra original, demonstra o talento de Chesky como compositora. "Baby Face" é mais uma composição original que sugere uma clave no início, mas logo se transforma em um compasso quaternário, com um solo de saxofone de muito bom gosto. "Memory", também, é inédita. Aqui, Chesky flutua sobre e ao redor do tempo, interagindo com o baixo e a guitarra, ocasionalmente, mas nem sempre, parando em compassos. De alguma forma, "Sober Now" sugere que, quando a Sra. Chesky se desapega de algo ou alguém, é para valer. Há novamente um pouco de Nina Simone. Chesky não poderia ter uma influência melhor.

A banda se ajusta perfeitamente ao estilo de Chesky, acentuando sutilmente seus pontos fortes e adicionando detalhes onde necessário. Por vezes, a banda é uma extensão da voz dela. Separar a voz dela dos riffs (NT: frase musical curta, melódica ou harmônica, repetida ao longo de uma canção, servindo como base ou marca registrada) é quase impossível. Maxwell Barnes no saxofone tenor é particularmente simpático, mas todos estavam animados para este encontro.

Chesky reside em Nova York, mas tem família no Brasil, e é difícil imaginar um mercado mais difícil para começar. Costuma-se dizer que cantores iniciantes não são suficientemente originais ou são excessivamente peculiares para o seu próprio bem. As mulheres, em particular, recebem críticas sobre tudo, desde o estilo e a forma de se expressar até o vestuário. Sim, Chesky tem seu próprio jeito, mas na maior parte das vezes não exagera. Chesky será uma cantora com quem se deve contar nos próximos anos: "Quero unir diferentes estilos e ideias.". Sim, ela o faz, e com considerável originalidade e espontaneidade. Ela não é apenas uma versão atualizada de um clássico, por mais impressionante e difícil que isso possa ser.

Faixas: Summertime; Green; Baby Face; Memory; Sober Now; Corcovado; House of the Rising Sun; Diamond; When the Moon's Away.

Músicos: Paloma Dineli Chesky (vocal); Michael Hilgendorf (guitarra); Maxwell Barnes (saxofone tenor); Danno Petersen (bateria); Chris Ramirez (baixo).

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)