CHICK COREA, CHRISTIAN McBRIDE AND BRIAN BLADE - TRIOLOGY 3 (Candid Records)

O presente que graciosamente e abnegadamente continua dando, Chick Corea, Christian McBride e Brian Blade, conhecidos em todo lugar por jovens e velhos como “Trilogy”, ganha vida mais uma vez em “Triology 3”.

Interrompidas por aquela pandemia global que o mundo ainda não conseguiu superar, estas performances ao vivo gloriosamente efusivas são reunidas da última turnê do trio (fevereiro-março de 2020), precisamente um ano antes da morte do pianista em fevereiro de 2021, vítima de um câncer raro. Ele tinha 79 anos.

Por mais agridoce que isso possa parecer, não há (como raramente houve) momentos sombrios em “Trilogy 3”. Desde o início carregado de "Humpty Dumpty" - sua performance aqui possivelmente a interpretação mais fluida e vibrante da música desde sua estreia em 1978 no “The Mad Hatter (Polydor)” - Corea, McBride e Blade são instantaneamente inspirados. McBride está efervescente. A lâmina rola a maré. É pura energia e letra. Pura intuição e estilo humilde. Corea assume a liderança, imponente e alegremente em "Windows", uma valsa polida do repertório do pianista de meados dos anos 60. Ele então começa a se divertir em meio à dança rítmica magistralmente alegre de Blade e McBride.

Esse ritmo fácil e alegre gera o primeiro de dois clássicos alegres de Thelonious Monk, o alegre "Ask Me Now" (Genius of Modern Music, Vol. 2 [Blue Note, 1952]) e os obstáculos irresistíveis de "Trinkle Tinkle" (Thelonious Monk Trio (Impulse, 1954). Cada apresentação é realizada com o vigor e a desenvoltura experientes do trio. Entre Monk, a deliciosamente atrevida "You'd Be So Easy To Love" de Cole Porter transborda desses caras com um fervor inegável.

Sempre um favorito de Corea, o trio apresenta a "Sonata In D Minor" de Domenico Scarlatti com um fervor pop e bop, que complementa não apenas o compositor italiano do século XVIII, mas também o gênio matizado do trio com todos os estilos musicais, não importa quão modernos ou antiquados. Aparecendo pela primeira vez em “Chinese Butterfly (Stretch, 2017)”, os três se divertem com "Spanish Song", uma das composições mais texturizadas e divertidas do pianista do período tardio. Porém, a obra-prima bop de Powell, "Tempus Fugit", fecha “Triology 3” em alta, que só esses três podem atingir e sustentar.

Faixas: Humpty Dumpty; Windows; Ask Me Now; You’d Be So Easy To Love; Trinkle Tinkle; Scarlatti: Sonata in D Minor; Spanish Song; Tempus Fugit.

Músicos: Chick Corea (piano); Christian McBride (baixo); Brian Blade (bateria).

Fonte: Mike Jurkovic (AllAboutJazz)
 

ANIVERSARIANTES - 25/10

Chubby Jackson (1918-2003) – baixista,

Earl Palmer (1924-2008) – baterista,

Daniel D´Alcântara (1974) – trompetista, flugelhornista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=TnucmHAYvrQ,

Eddie Lang (1902) - guitarrista,

John Butcher (1954) – baixista,

Franck Amsallem (1961) - pianista,

Jimmy Heath (1926-2020) - saxofonista,

Ray Gelato (1961) – saxofonista,vocalista,

Ricardo Silveira (1956) – guitarrista,

Roberto Menescal (1937) –violonista,guitarrista,

Robin Eubanks (1955) - trombonista,

Teco Cardoso(1960) – saxofonista,flautista,

Terumasa Hino (1942) – trompetista,flugelhornista  

 

ANGELIKA NIESCIER - CHICAGO TAPES (Intakt Records)

Quando a saxofonista alto alemã Angelika Niescier explorou pela primeira vez o jazz de Chicago, alguns anos atrás, unindo-se à violoncelista Tomeka Reid no marcante “Beyond Dragons (Intakt, 2023)”, a colaboração despertou algo inconfundivelmente eletrizante. Agora chega "Chicago Tapes", gravado ao vivo no Transient Sound Studio. Aqui, Niescier mergulha de cabeça na vertente mais profunda da improvisação da cidade, reunindo um elenco de primeira linha extraído do núcleo criativo inquieto dos artistas de Chicago que rompem fronteiras.

Niescier empunha seu sax alto ao lado de Dave Rempis, que alterna entre o alto e o tenor com a destreza de um malabarista de fogo, enquanto Nicole Mitchell contribui com linhas de flauta, que oscilam entre sussurros etéreos e rugidos guturais. Jason Adasiewicz traz a atmosfera e seus brilhos metálicos conferem à sessão um caráter de sonho febril que dilui a fronteira entre ritmo e ambiência. Luke Stewart ancora o grupo no baixo com dedilhados e o uso do arco que exercem uma gravidade magnética e serena, enquanto Mike Reed conduz a bateria como um instigador incansável, mantendo o ímpeto sem qualquer hesitação. Estes músicos são figuras de longa data da cena de Chicago, profundamente enraizados em uma linhagem que vai do Art Ensemble of Chicago às tradições da AACM, as quais pulsam em cada interação.

O álbum avança em alta velocidade: uma onda ininterrupta que estimula os ouvidos e deixa o ouvinte sem fôlego, como se a música exigisse que você apertasse o cinto para suas curvas fechadas repentinas e suas mudanças arquitetônicas abruptas e irregulares. A faixa de abertura, "Rejoice, Disrupt, Resist", irrompe com ímpeto furioso; Niescier e Rempis trocam frases incisivas e percussivas sobre a propulsão implacável de Reed, em uma peça que, por sua atitude desafiadora, soa quase punk. "Poranek" segue como um exercício em trio que destaca o saxofone de Niescier, a flauta extasiada de Mitchell e a percussão loquaz de Reed em um romance rítmico e intenso, que parece ao mesmo tempo ancestral e futurista.

Momentos de engenhosidade surgem ao longo da obra, como o vigoroso solo de baixo de Stewart em "SAMO (bsqt)", que invade a cena como um convidado inesperado, porém bem-vindo, transformando a faixa em uma explosão de 11 minutos repleta de flutter-tonguing (NT: é uma técnica de articulação usada em instrumentos de sopro (madeiras e metais) que cria um efeito sonoro trêmulo ou "roncado" [como um "frrrrr"]) e ideias expansivas. Nem tudo, porém, é uma corrida desenfreada; "Great Horned Owl" oferece um momento necessário de delicadeza camerística, com as baquetas de Adasiewicz acomodando-se em um silêncio atmosférico antes que a próxima tempestade se forme no horizonte.

"Fluxed" proporciona um deleite volátil e puro, uma cascata de transformações que evidencia a profunda confiança e a escuta telepática do grupo, ao passo que "Bouncin' the Ledge" divaga de forma exuberante, com saxofones e flauta entrelaçados em uma dança liminar, simultaneamente fantasmagórica e ancorada, culminando em uma série de gloriosos arrebatamentos.

Niescier adapta sua voz incisiva e intransigente a esse cenário com fluidez, sem atenuar sua força nem ofuscar seus colaboradores. O resultado honra o legado do free jazz de Chicago, ao mesmo tempo que o impulsiona com convicção e uma sensibilidade crua e moderna. Os tradicionalistas podem ficar intrigados com a sonoridade desenfreada, mas é justamente aí que reside a emoção: em tempos caóticos, por que a música deveria se comportar de maneira polida?

 “Chicago Tapes” afirma-se como um documento audaz de sinergia transcontinental. A obra comprova que Niescier não é apenas uma visitante dessa cena, mas uma catalisadora vital de um dos grupos mais formidáveis ​​da atualidade na cidade.

Faixas: Rejoice, Disrupt, Resist; Poranek; SAMO (bsqt); Ext. 17; Great Horned Owl; Fluxed; Bouncin' the Ledge; Perigeo; E Randolph Street.

Músicos: Angelika Niescier (saxofone alto); Jason Adasiewicz (vibrafone); Nicole Mitchell (flauta); Mike Reed (bateria); Dave Rempis (saxofones alto e tenor); Luke Stewart (baixo acústico);

Fonte: Glenn Astarita (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 24/10

Anthony Cox (1954) – baixista,

Banu Gibson (1947) - vocalista,

Jay Anderson ( 1955) - baixista,

Odean Pope (1938) – saxofonista,

Rick Margitza (1961) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=cGAq4gmQ7iQ,

Wendell Marshall (1920-2002) - baixista

 

MICHAEL DEASE - MSU JAZZ TROMBONES: SPARTAN STRONG (Origin Records)

Michael Dease, amplamente admirado como um dos principais trombonistas de jazz do mundo, embora menos conhecido como educador, assume o papel de professor em "Spartan Strong", liderando uma sessão magnífica com um grupo especial de alunos de graduação (integrantes de sua classe de trombone) que, juntos, formam o MSU Jazz Trombones (da Michigan State University). O grupo conta com vinte e três membros ao todo, incluindo o próprio Dease e a meia dúzia de trombonistas e trombonistas baixo da formação.

Dease dá total liberdade aos alunos, fazendo solos apenas duas vezes (em "Groove Blues", de Steve Turre, com sua linha de baixo fluida em estilo “walking bass” (NT: é uma técnica de acompanhamento musical em que o contrabaixo toca uma sequência contínua de notas de mesma duração, geralmente em ritmo de semínimas, criando a sensação de um movimento constante que "caminha" de um acorde para o outro), e no tema de encerramento veloz e deslumbrante de Oscar Pettiford, "Blues in the Closet") . Há breves momentos de respiro em meio à avalanche de trombones, graças aos artistas convidados Benny Benack III (que canta o clássico "It Could Happen to You") e à saxofonista alto Sharel Cassity, que executa um solo ágil em sua própria composição, "Song of Those Who Seek".

Fora isso, o que se ouve são apenas trombones do início ao fim, acompanhados, em todas as faixas, exceto duas, por uma seção rítmica de primeira linha liderada pelo pianista Xavier Davis e que inclui o baixista Jared Beckstead-Craan e o baterista Keith Hall. O trombonista Altin Senclair compôs a vibrante faixa de abertura com toque latino, "Huesos con Clave", que dá lugar à mais tranquila "Remembrance" (destacando Paolo Muller-Santiago) e à poderosa e ritmicamente variável "Evidence", de Thelonious Monk. O blues faz sua primeira aparição na carismática "Frame for the Blues", de Slide Hampton, antes que o caos total se instale em "Some Skunk Funk", de Randy Brecker. Após a parte vocal de Benack, os trombonistas recriam, nota por nota, a versão para piano solo de "The Nearness of You" de Geoffrey Keezer, com a trombonista Nanami Haruta assumindo o lugar de Keezer.

A próxima é Cassity, utilizando seu impressionante arsenal para preparar o terreno para o arranjo de Hampton, que remete a um coral, para o clássico de Monk "'Round Midnight". O blues retorna com "Groove Blues", cede espaço para a graciosa e encantadora "Alfitude", de Claudio Roditi, e então encerra com a apaixonada "Blues After Dark", de Benny Golson, e "Blues in the Closet", de Pettiford, faixas que envolvem o hino eloquente do trombonista Michael Davis, "Spartan Strong".

Como mencionado, há quase duas dúzias de trombonistas na formação em algum momento, muitos dos quais têm pelo menos uma oportunidade de solar, e ninguém deixa de ser admirável. O mesmo vale para os trombones quando tocam em uníssono, o que ocorre com mais frequência. Dease não apenas os deixou bem ensaiados e (literalmente) prontos para a ação, como também lhes proporcionou um excelente repertório, ideal para destacar seus talentos individuais e coletivos. O resultado é uma sessão ousada e carregada de trombones que não soa, de forma alguma, anormal ou incômoda, graças à excelente estratégia de Dease e ao entusiasmo e comprometimento do notável MSU Jazz Trombones.

Faixas: Huesos Con Clave; Remembrance; Evidence; Frame for the Blues; Some Skunk Funk; It Could Happen to You; The Nearness of You; Song of Those Who Seek; 'Round Midnight; Groove Blues; Alfitude; Blues After Dark; Spartan Strong; Blues After Dark; Spartan Strong; Blues in the Closet.

Músicos: Michael Dease (trombone); Daniel Bear (trombone); Aidan Clark (trombone); Hannah Davies (trombone); Judah Guerra (trombone); Nanami Haruta (trombone); Eli Howell (trombone); Drew Kilpela (trombone); Andrew Kim (trombone); Pablo Muller-Santiago (trombone); Dan Parrish (trombone); Altin Sencalar (trombone); Bridgette Setters (trombone); Jack Trathen (trombone); Miles Cole (trombone); Charles Scanlon (trombone); Ken Thompkins( trombone); Kyle Quick (trombone baixo); Gina Benalcázar-López (trombone baixo); Wyatt Forhan (trombone baixo); Charles Grace Jr.(trombone baixo); Chris Glassman(trombone baixo); Xavier Davis (piano); Jared Beckstead-Craan (baixo); Keith Hall (bateria); Benny Benack III (vocal); Ethan Frank (piano); Reuben Stump  (baixo); Randy Gelispie (bateria) Brian Allen (bateria); Sharel Cassity (saxofone alto).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=YpHjoThNuIs

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 23/10

Bernard Peiffer (1922) - pianista,

Dianne Reeves (1956) – vocalista,

Ernie Watts (1945) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=dzpzHQrBk9I,

Frank Hewitt (1935) - pianista,

Gary McFarland (1933-1971) – vibrafonista,vocalista,

Jeff Gardner(1953) – pianista,

Jimmy Dale (1935-2017) – pianista,organista,

Jodi Proznick (1975) – baixista,

Luiz Tatit (1951) – compositor,pesquisador musical,

Sonny Criss (1927-1977) - saxofonista,

Walter Fischbacher( 1966) - pianista 

 

PETER EVANS - ARS LUDRICA

Nos poucos lançamentos da banda na última década, o grupo Being & Becoming, de Peter Evans, definiu-se por um padrão de influência incomum. Como ex-líder do quarteto de vanguarda de estrelas Mostly Other People Do the Killing, Evans sempre desempenhou o papel de agitador, um artista autoral e intransigente de múltiplas facetas, desafiador tanto no intelecto sonoro quanto na prática propriamente dita. Ele está firmemente inserido no jazz, mas bebe intensamente do repertório clássico para cornet, da música devocional antiga e de fontes tão díspares quanto o techno de Detroit e a música carnática do sul da Índia. Sua filosofia musical pode ser bem representada por um caixote de discos de vinil encharcado, no fundo de uma bodega do East Village.

“Ars Ludicra” exibe o cosmopolitismo musical de Evans em sua plenitude. Com a participação de rostos conhecidos como Joel Ross e Nick Jozwiak, e contando com a última atuação de Michael Shekwoaga Ode no grupo antes da aclamada entrada de Tyshawn Sorey, o Being and Becoming nunca foi tão fiel ao seu nome misterioso. "Ars Memoria" (em português, a arte da memória), de 2023, apesar de um experimentalismo desenfreado e da atmosfera inquietante característica de Ross, foi um disco essencialmente analógico. Os sintetizadores de Jozwiak são mantidos em um mínimo relativo, um eco barroco à união extática de Ode. O álbum “Ars Ludicra”, produzido de forma independente e cujo título significa literalmente "arte do brincar", embora Evans o traduza em entrevistas como "arte do jogo", permite a Jozwiak explorar um território mais amplo. Com exceção de "Malibu", todas as faixas explodem com arpejadores e guinchos sustentados, muitas vezes em sincronia ou em oposição ativa às frases extensas de Evans.

Mais do que apenas uma mudança na sinergia da banda, os sintetizadores onipresentes rompem com a filosofia de experimentação de todos os músicos. A gravação situa-se em solo sagrado: o estúdio de Van Gelder, em meio às árvores de Jersey Shore, onde grande parte das bases do jazz enquanto gênero rapidamente se expandiu e floresceu. O estúdio confere até mesmo a gravações recentes uma espécie de imediatismo viçoso e terroso. Especialmente no caso do trompete, as oitavas mais agudas soam mais incisivas, enquanto as mais graves mostram-se majestosas e eloquentes. Grande parte do calor expressivo e envolvente das primeiras gravações de Lee Morgan pode ser atribuída às paredes revestidas de carvalho e à engenharia de som marcante de Van Gelder, assim como, também, aos traços de Morgan, Miles Davis e Donald Byrd presentes na maneira de tocar de Evans nesta ocasião. Os sintetizadores e Moogs de Jozwiak foram todos gravados em sobreposição, nenhum deles foi produzido durante a gravação inicial. Os timbres estranhos e etéreos de "Hank's" e as vocalizações efusivas de "Pulsar" são todos incrivelmente precisos e surgem genuinamente do nada, intrusivos e sem grandes indícios prévios por parte do restante do grupo.

Tal iniciativa é arriscada, especialmente em um disco que se preocupa com a liberdade absoluta de seus componentes e com a imediatez de suas improvisações. Porém, em vez de sufocar as texturas instrumentais, apresenta um embate empolgante entre dois sons contraditórios. O efusivamente digital e o analógico nostálgico espiralam um em direção ao outro, forçando o outro a seguir direções perpendiculares. Os pontos e traços sugeridos pelo trabalho de baquetas sincopado de Ode são preenchidos pelos sintetizadores, como um intenso sombreamento a carvão. A sobreposição de gravações de Jozwiak não interfere na liberdade da banda, mas a reconstitui. Em "Images", o zumbido grave é tão incisivo e arrebatador quanto um set de Jeff Mills no Boiler Room, oscilando em meio à ambiência do estúdio com a precisão de um beija-flor. Ao contrário de muitas iniciativas do gênero, Being & Becoming concentra-se em tapeçarias entrelaçadas de corais. Os sintetizadores proporcionam uma extensão da polifonia do disco, como uma soprano elegante que se destaca em uma composição de Thomas Tallis. Essa polifonia é tanto o modus operandi do disco quanto o de Evans. Todo o conhecimento musical é unificado sob a sua direção, mesmo que à força. “"Ars Ludicra" não se refere apenas à alegria de brincar e experimentar, mas também à imensa coleção de "brinquedos" sob o domínio da banda. Entrelaçamentos sonoros que rompem tempos e mundos, retornando exatamente ao ponto de origem.

Faixas: Malibu; Pulsar; Hank's; My Sorrow Is Luminous; Images.

Músicos: Peter Evans (trompete); Joel Ross (vibrafone); Nick Jozwiak (baixo); Michael Shekwoaga Ode (bateria).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=DQr1Sqrg-gM

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)