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sexta-feira, 10 de abril de 2026

WDR BIG BAND – BLUEGRASS (MCG Jazz)

O violinista Darol Anger literalmente teve um sonho, no qual ele estava tocando sua música bluegrass não com o David Grisman Quintet ou outro pequeno grupo, mas na frente de uma big band completa e, na Alemanha, de todos os lugares. Embora fosse um sonho que ele pensava que nunca se tornaria realidade, era tão vívido e tentador que Anger o compartilhou com seu amigo de longa data e colega musical, o bandolinista Mike Marshall, que concordou que era um tanto rebuscado, mas ainda assim intrigante.

Há momentos, no entanto, em que, devido a circunstâncias totalmente imprevistas, mas promissoras, até mesmo os sonhos mais fantasiosos podem de alguma forma se tornar realidade, e o de Anger, como se vê, foi um deles. Após uma série de eventos improváveis ​​que, por razões desconhecidas, não são relatados no que viria a se tornar o álbum "Bluegrass", Anger e Marshall se viram vivendo o sonho, ensaiando para um concerto de temas de bluegrass apoiados pela WDR Big Band alemã de classe mundial, com arranjos inovadores de um de seus heróis musicais, o saxofonista e diretor musical da WDR, Bob Mintzer.

Além de ser um forte concorrente ao título de álbum mais enganoso do ano, “Bluegrass”, que parecia à primeira vista ser um conceito ousado — combinando música bluegrass tradicional com jazz contemporâneo de big band — fica muito aquém de sua premissa ousada. Atribua isso aos impressionantes arranjos de Mintzer, à experiência da WDR Big Band, à seriedade e maestria demonstradas por Anger e Marshall, ou a qualquer justificativa que você possa citar. O fato é que “Bluegrass” se destaca orgulhosamente, não como um híbrido incomum, mas como outro exemplo conclusivo da posição elevada e invejável da WDR na estratosfera das big bands. Isso não é para contestar a contribuição de Anger e Marshall, que é indispensável, mas sim para observar que eles são apenas um componente em um relacionamento maior, uma equivalência que prova que o espírito e a linguagem do bluegrass e do jazz estão mais inter-relacionados do que muitos espectadores podem ter imaginado.

A interface se desenrola desde o início, enquanto o bandolim ágil de Marshall ajuda a inaugurar sua própria composição ensolarada, "Slip and Slide", enquanto o conjunto se mantém firme em sua fonte de jazz, assim como a saxofonista alto Karolina Strassmayer, cujo solo precede o de Marshall. Um dialeto irlandês/escocês infunde um medley das canções tradicionais "Elzic's Farewell" e "Yew Piney Mountain", abrindo espaço para solos estelares do saxofonista soprano Johan Horlen e do trompetista Ruud Breuls, além de giros de tirar o fôlego de Anger. Um segundo hino tradicional, "Down in the Willow Garden", mostra o lado mais caloroso de Anger e incorpora o primeiro de vários solos incríveis de Mintzer, este no sax tenor (ele muda para EWI em seu próprio e fértil "Green Lawn", no qual Anger também faz solos), levando à valsa de Anger "Emy in the Woods" e ao final alegre e colorido de Marshall, "Borealis", o ingrediente mais próximo no menu do bluegrass puro.

Anger escreveu a animada e poderosa "Replace It All", na qual ele revela mais uma vez seu talento incrível, como faz na igualmente persuasiva "In the Lion's Den" de Marshall, improvisando com Marshall e o tenor Paul Heller, e com Mintzer e o pianista Billy Test na canção folk/bandeira de Marshall "Dexter", nenhuma das quais estaria deslocada em qualquer biblioteca decente de big band. Mintzer faz o EWI soar respeitável, assim como em seus outros solos com o instrumento incomum. "Borealis" encerra o pacote com perfeição, com o bandolim de Marshall e o violino de Anger abrindo caminho para uma resolução forte e agradável, e Mintzer acrescenta outra declaração contundente e conclusiva ao EWI.

O ensolarado e colorido “Bluegrass” recebe notas altas em todos os aspectos do conceito, planejamento e desempenho, e especialmente para lembrar aos amantes da música de todos os tipos que as fronteiras entre gêneros são muitas vezes arbitrárias e não devem ser usadas como um impedimento para conter os desejos daqueles que acreditam que a música, em qualquer forma, é uma expressão universal cujas fronteiras são tão limitadas quanto escolhemos fazê-las.

Faixas: Slip and Slide; Elzic’s Farewell/Yew Piney Mountain; Down in the Willow Garden; Green Lawn; Emy in the Woods; Replace It All; In the Lion’s Den; Dexter; Borealis.

Músicos: Bob Mintzer (saxofone); Wim Both (trompete); Ruud Breuls (trompete); Andy Haderer (trompete); Martin Reuthner (trompete); Johan Horlen (saxofone alto); Karolina Strassmayer (saxofone alto); Jeremy Powell (saxofone); Paul Heller (saxofone tenor); Jens Neufang (saxofone barítono); Ludwig Nuss (trombone); Tim Hepburn (trombone); Andy Hunter (trombone); Mattis Cederberg (trombone baixo); Billy Test (piano); John Goldsby (baixo); Dominik Raab (bateria).

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 10/04

Alex Iles (1961) – trombonista,

Andreas Skar Winther (1991) – baterista,

Barbara Lea (1929-2011) – vocalista,

Claude Bolling (1930-2020) - pianista,

Cláudio Dauelsberg (1963) – pianista,

Eric Bolvin(1961) – trompetista,

Fraser MacPherson (1928-1993) - saxofonista,

Jimmy Rosenberg (1980) – guitarrista,

Joey DeFrancesco (1971-2022) - organista,

Jon Delaney (1976) – guitarrista,

Lupa Santiago (1973) – guitarrista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zhupPeT3dwg,

Omar Sosa (1965) - pianista,

Walter Bishop, Jr. (1927-1998) - pianista

 

quinta-feira, 9 de abril de 2026

KRISTEN R. BROMLEY QUARTET – WES 101

A guitarrista Kristen Bromley não esconde sua admiração por um antecessor ilustre, o saudoso e genial Wes Montgomery. Aliás, esse respeito é o tema central de “Wes 101”, o sétimo álbum de Bromley como líder e/ou solista. Ela e seu quarteto interpretam oito de suas composições encantadoras e luminosas, várias das quais foram inspiradas em melodias que Montgomery escreveu ou interpretou.

Bromley substitui o piano habitual pela organista Melanie Shore, o que é definitivamente um ponto positivo, assim como os esforços incansáveis ​​do baixista David Ian Baker e do baterista Matt Coleman, que interligam o conjunto de forma estilística. O trio oferece a Bromley todo o apoio necessário enquanto ela desliza sem esforço por um mosaico agradável e colorido de músicas inspiradas principalmente em Montgomery.

Embora não haja qualquer indício disso aqui, o simples fato de Bromley ser capaz de tocar guitarra já é quase um milagre. Há nove anos, em 2016, o braço esquerdo de Bromley sofreu uma fratura grave e o nervo radial foi esmagado. Na época, disseram a ela que talvez um dia recuperasse parcialmente o uso do braço e da mão. Bromley aceitou a decisão e começou a trabalhar para revertê-la. O resultado do seu trabalho é evidente em “Wes 101”, onde Bromley toca como se aquele terrível revés nunca tivesse acontecido.

De volta à ativa, Bromley aprimorou suas habilidades até ser capaz não apenas de gravar uma homenagem a um dos guitarristas lendários da história do jazz, mas de fazê-lo de uma maneira que refletisse seu gênio como instrumentista e compositor. Bromley usa "Full House" de Montgomery como base para sua música "House of Fire", se inspira em "West Coast Blues" para "Indy Blues" e constrói a faixa-título do álbum com progressões de acordes de "Four on Six" de Montgomery.

A balada de Bromley, "Cherished Moments", segue a linha do clássico "Misty", que Montgomery interpretava com frequência, enquanto "Wahoo!" começou como uma homenagem à sua "Cariba" antes de seguir por outros caminhos. O tema de abertura de Bromley, "Bring It On", e "Swing It for the Maestro", que vem a seguir, são canções animadas e vibrantes, não escritas com nada especificamente pensado para Montgomery. A música é consistentemente precisa e envolvente, o quarteto em perfeita sintonia em cada compasso. Bromley é uma solista esplêndida na tradição de Montgomery, enquanto Shore não só acompanha o ritmo como acrescenta algumas nuances encantadoras de sua própria autoria.

Os fãs de guitarra em geral, e de Wes Montgomery em particular, devem retribuir essa admirável homenagem com elogios e entusiasmo.

Faixas: Bring It On; Swing It for the Maestro; Wes 101; Cherished Moments; House of Fire; Wahoo!; Indy Blues.

Músicos: Kristen R. Bromley (guitarra); Melanie Shore (órgão, Hammond B3); David Ian Baker (baixo); Matt Coleman (bateria).

Para conhecer um poco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=UySkPyFNPQY

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 09/04

Arthur Maia (1962-2018) – baixista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=2HXbdP4cucE,

Dave Allen (1970) – guitarrista,

Justin Brown (1984) – baterista,

Kenny Wollensen (1966) – baterista,percussionista,vibrafonista,

Michael Hashim (1956) – saxofonista,

Reuben Wilson (1935) - organista,

Sharkey Bonano(1902-1972) - trompetista,

Steve Gadd (1945) – baterista

 

quarta-feira, 8 de abril de 2026

ANTHONY BRAXTON - TRILLIUM X (PMP)

Trabalhando diligentemente em sua própria zona expressiva marginal, o complexo operístico “Trillium” de Anthony Braxton, impossível de categorizar — nascido nos anos 80 — atingiu um novo ápice com o lançamento de uma poderosa gravação ao vivo e em estúdio de sua épica obra de quatro horas, “Trillium X (PMP; 453:37)”. Embora esta seja a sexta ópera de seu ciclo contínuo, a execução precisa e convincente de “Trillium X” pela Orquestra de Performance Musical de Praga (PMP), regida por Roland Dahinden, parceiro de longa data de Braxton, marca um momento triunfante.

A tempo do 80º aniversário de Braxton, uma caixa especial com oito CDs inclui tanto a estreia mundial de 2023, em Praga, quanto uma gravação de estúdio feita em Darmstadt, na Alemanha. O documento é a melhor manifestação até agora da aventura operística de Braxton, uma década depois de ele ter terminado de escrever a ópera em 2014.

A escala importa aqui. Braxton segue o exemplo de seus heróis criadores de telas gigantescas, Richard Wagner, famoso pelo ciclo de quatro óperas do Ring Cycle, e Stockhausen, cuja série de óperas Licht, onde "quanto maior, melhor", chegou a 29 horas de duração. Para o público, o compromisso com a experiência completa de X pode ser transformador. Com a mentalidade correta, a experiência total do ouvinte com a obra épica de Braxton se transforma em um reino hipnótico que expande o tempo e a mente, em grande escala.

Musicalmente, X opera em uma linguagem pós-moderna entre tonalidade e atonalidade, em um estilo vagamente inspirado pelo serialista Alban Berg, cujas óperas Wozzeck e Lulu fizeram parte da obsessão de Braxton pela ópera por volta dos 40 anos. Em X, os cantores, uniformemente impressionantes e dedicados, frequentemente interpretam seus textos sinuosos em uma espécie de formato de canção-falada no estilo singspiel (NT: é um gênero de drama musical alemão, considerado um tipo de ópera, caracterizado pela alternância entre diálogos falados e números musicais como árias, canções e conjuntos, com tramas geralmente cômicas ou românticas, muitas vezes com elementos de fantasia, como em "A Flauta Mágica" de Mozart, sua obra mais famosa). O ambiente geral de intensidade intelectual e cerebral é periodicamente pontuado por doses de humor, ora banais, ora bizarras: "se isto é uma ovelha, eu sou George Washington", "e aí, gata!?" e "no futuro, todos vão adorar a indústria da gaita de foles... Estou aberto ao brilho, mas primeiro as coisas mais importantes".

Piadas internas também aparecem, como na frase bem colocada "X marca o lugar", "considerando tudo, acho que o diretor fez um ótimo trabalho" e "o que temos aqui é um caso de certeza idiomática". O senso de humor subestimado de Braxton está intacto e é usado de forma astuta ao longo de X.

Como estrutura narrativa, X segue um caminho sinuoso e decididamente não linear, com comentários espirituosos inseridos em um libreto elaborado. A "narrativa" se transforma, passando de um navio pirata no mar, liderado pela capitã Helen (interpretada com maestria por Eva Esterkova), para um confronto com robôs malfeitores que subvertem o sistema financeiro (pressagiando cibercrimes da IA?). O Act III retrata um casamento triplo entre ladrões de banco, e o Act IV transita das forças bélicas da Casa Branca para um local de orgia. Vários colapsos acontecem ao longo do caminho.

De certa forma, a proposta da ópera de mesclar texturas surreais de ficção científica, fluxo associativo livre, linguagem metafísica e surpreendentes referências à cultura pop evoca paralelos com o clássico romance de Robert Heinlein, "A Lua é uma Amante Cruel (The Moon is a Harsh Mistress)", que faz referências à proto-inteligência artificial, e com as óperas experimentalistas e lúdicas com a linguagem de Robert Ashley, "Perfect Lives" e "Now Eleanor's Idea". Mas a marca registrada de Braxton, como criador musical e pensador rebelde, nunca está longe da superfície.

O jazz, como tal, surge sorrateiramente, com uma breve improvisação de saxofone no início do segundo ato, a inserção da pianista Hildegard Kleeb interpretando uma composição já existente de Braxton e, no terceiro ato, "Three Sisters", uma aparição repentina de um segmento fugaz e um tanto embriagado de big band. Este último aspecto evoca o espírito aventureiro e desconstruído das big bands do projeto Creative Orchestra Music de Braxton, que remonta à década de 1970. Em outra referência cruzada, uma variação vertiginosa da "Wedding March" de Lohengrin, que encerra o Ato III, presta uma homenagem um tanto embriagada a Wagner.

A vasta paisagem sensorial de X atinge um ponto final estranhamente gracioso, à medida que uma onda atonal de som se transforma suavemente em um tema cíclico melancólico para cordas graves, passando para um clarinete solo que se desvanece. O tema de 21 notas retorna à introdução da ópera, de forma semelhante à estrutura de frases que vão da última à primeira, presente em Finnegans Wake, de James Joyce.

X é um mundo onírico e lógico em si mesmo, um lugar para se perder por algumas horas, como Wagner, mas estritamente de acordo com as regras de ordem e exploração de Braxton.

Faixas

1.Anthony Braxton: Trillium X: Act 1 (Prague) - Act 1: Voyage to the New Worlds (Prague) 01:02:13 vídeo

2.Act 2: Robots versus Humans (Prague) 43:37

3.Act 3: The Three Sisters (Prague) 47:17

4.Act 4: Four Disasters (Prague) 01:17:25

5.Act 1: Voyage to the New Worlds (Darmstadt) 59:17

6.Act 2: Robots versus Humans (Darmstadt) 41:24

7.Act 3: The Three Sisters (Darmstadt) 47:09

8.Act 4: Four Disasters (Darmstadt)

 Fonte: Josef Woodward (DownBeat)

 

ANIVERSARIANTES - 08/04

Carmen McRae (1920-1994) - vocalista,pianista,

Chico Batera (1943)- baterista,

Derek Hogg (1928) – baterista,

Mark Patterson (1960) – trombonista,

Moacir Santos (1926-2006) – saxofonista,clarinetista, maestro (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=tU2hi6-XdBE&feature=related,

Rodrigo Botter Maio(1967) - flautista


terça-feira, 7 de abril de 2026

CLAIRE COPE - EVERY JOURNEY (Adhyâropa Records)

Considere a pianista, compositora e líder de banda britânica Claire Cope. Ela estreou como artista completa com seu excelente álbum de septeto “Small World (Self Produced, 2020)”, um híbrido de jazz e música clássica habilmente construído. Em sua segunda gravação, o álbum em questão, "Every Journey", ela emprega um conjunto de onze músicos, expandindo a atmosfera de sua estreia, pintando camadas translúcidas e tecendo uma rede fluida de texturas em paisagens sonoras magníficas e expansivas. Tendo a compositora e líder de banda Maria Schneider como uma importante referência, Cope cria arranjos luminosos. Ela cita "Sky Blue" de Schneider (ArtistShare, 2007), mas o álbum que a lançou ao estrelato, "Concert In the Garden (ArtistShare, 2004)”, também poderia ser considerado, levando em conta os vocais sem palavras de Luciana Souza, que realçam a atmosfera das harmonias etéreas e leves do compositor.

Cope conta com Brigitte Beraha nos vocais, adicionando uma calidez, um elemento que transcende o humano, um toque angelical que torna as palavras desnecessárias. Os arranjos translúcidos são frescos e arejados, impregnados de tons pastel suaves, um som exuberante, porém leve, que remete ao trabalho do trompetista Kenny Wheeler com arranjos para metais.

Quando um compositor se apropria de um tema, isso pode conferir gravidade à obra artística. Cope explora os primeiros passos de cada jornada, especificamente as jornadas de mulheres pioneiras pouco reconhecidas, que lutaram contra as adversidades sociais para realizar grandes feitos. A composição "Flight" presta homenagem a Bessie Coleman, a primeira mulher de ascendência africana e indígena a obter sua licença de piloto nos EUA. "Isabel" celebra Isabel Godín des Odonais, a primeira mulher a percorrer toda a extensão do Rio Amazonas. "The Nabongo Feeling" celebra as explorações da intrépida viajante moderna Jessica Nabongo, a primeira mulher negra documentada a visitar os 195 países do mundo. Toda essa música festiva em um momento, 2025, em que há um grosseiro nos EUA. O presidente se esforça ao máximo para apagar dos registros públicos as realizações de qualquer mulher e de qualquer pessoa de pele morena. Em um mundo sensato, Cope e artistas como ela podem servir de antídoto para as tendências racistas e misóginas malignas, que irromperam nas bases da sociedade como cogumelos venenosos brotando da terra. A música de Cope é como um campo de flores silvestres desabrochando na primavera. Assim como o trabalho de Pat Metheny em “From This Place” (Nonesuch Records, 2019) ou o ambicioso “Highway Rider” (Nonesuch Records, 2010) do pianista Brad Mehldau, “Every Journey”, de Cope, é uma experiência inspiradora : grandiosa e ambiciosa, complexa, mas acessível. Música tão bela quanto a música pode ser.

Qual será o próximo passo na jornada de Claire Cope? Quem sabe. Cordas? Eletrônica? Por enquanto, Claire Cope tem presença marcante. “Every Journey” encanta e inspira o espírito.

Faixas: Every Journey; Flight; The Birch And the Larch; Isabel; Amboseli; The Nabongo Feeling; Home.

Músicos: Claire Cope (piano); Freddie Gavita (trompete); Mike Soper (trompete); Anoushka Nanguy (trombone); Matt Carmichael (saxofone tenor); Rob Cope (saxofone soprano); Ant Law (guitarra elétrico); Gavin Barras (baixo acústico); Jon Ormston (bateria); Jack McCarthy (percussão); Brigitte Beraha (vocal).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)