RICH BROWN - NYAEBA

A alegria diante da universalidade infinita da música é o que torna o mais recente lançamento solo do baixista canadense Rich Brown – no qual cada som foi derivado de baixos de quatro, seis cordas e sem trastes – tão revigorante. Ele prioriza a melodia e as narrativas pessoais em detrimento do virtuosismo.

Gravado entre turnês com artistas como Steve Coleman e o Jeremy Ledbetter Trio, Brown e seu engenheiro de longa data, Elmer Ferrer, exploraram a fundo cada detalhe sonoro dos baixos, utilizando o pequeno espaço entre a porca e as tarraxas para sons dedilhados e vibrantes no estilo kalimba, raspando e arranhando as cordas e aplicando batidas marcantes na madeira, adicionando reverberações sutis e notas invertidas engenhosas para construir uma paisagem sonora ampla.

Os polirritmos de múltiplas partes de ‘Kalagala Ebwembe’ criam uma explosão eletroacústica de notas em constante transformação, e esta faixa está entre várias onde ritmos africanos e brasileiros se misturam: A faixa de abertura, ‘Ukudlala’, começa como uma peça solo crua de dedilhado polirrítmico, mas logo se expande para harmonias exuberantes e em camadas. Sinos de vento parecem tilintar no início de "The Sum of Our Tears", antes que o instrumento sem trastes de Brown trilhe um caminho da solidão à esperança, enquanto "Heart of a Lonely Woman" presta homenagem à obra-prima melancólica de Ornette Coleman.

'Nyaeba' simula tambores batá e a voz mística de um griô, com o baixo 'falando' de forma indecifrável, enquanto uma amostra da voz de Alice Coltrane introduz a homenagem de Brown a ela, 'Turiyasangitananda', com as próprias palavras da harpista afirmando: "Houve dias em que sei que passei mais de 20 horas em meditação", seu solilóquio solo comovente clamando sobre um zumbido. O álbum se encerra com os acordes suaves e cíclicos de "The Kingdom of Heaven is Within" e os solos de Brown encontram harmonias perfeitas para um final ressonante. Não é um álbum de baixo elétrico comum, é muito mais.

Faixas

1.Ukudlala 03:06

2.The Sum of Our Tears (Gently Falling) 06:25

3.Heart of a Lonely Woman 04:03

4.Nyaeba (The Griot) 01:35

5.Kalagala Ebwembe 03:49

6.Sowetoiera 04:00

7.Turiyasangitananda – The Transcendental Lord's Highest Song of Bliss (Meditation for Alice Coltrane) 06:57

8.The Kingdom of Heaven is Within 05:37

Fonte: Mike Flynn (JazzWise)

 

ANIVERSARIANTES - 15/07

David Neves (1989) – trompetista,

GP Hall (1943) - guitarrista,

Luciano Milanese (1950) – baixista,

Paulo Moura (1932-2010) – saxofonista,clarinetista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=JgzHK0mYxK0,

Petros Klampanis (1981) - baixista,

Philly Joe Jones (1923-1985) – baterista,

Rodrigo Amado (1964) – saxofonista,

Ron Kaplan (1953) – vocalista,

Sadik Hakim (1919 -1983) - pianista,

Washboard Sam (1910 - 1966) – “washboardista”,vocalista,

Willie Cobbs (1932) – gaitista,vocalista

 

JAKE HERTZOG - THE OZARK CONCERTO (Zoho Music)

Como Terry Teachout escreveu com muita precisão: "A relação entre o jazz e a música clássica muitas vezes foi próxima... mas, em última análise, é ambígua" ("Jazz and Classical Music: To the Third Stream and Beyond", em Bill Kirchner, editor, The Oxford Companion to Jazz, Oxford University Press, 2000). Equívoco é uma palavra difícil. Pode significar suspeito, duvidoso ou incerto. Passe algum tempo com músicos de qualquer um dos lados e você descobrirá suspeitas, dúvidas e incertezas. As críticas variam de "superestimado" a "falta de educação" e "não teria chance nem se fosse enforcado”. Hoje, a situação é melhor do que era, digamos, há um século, quando alguém era mais ou menos obrigado a escolher um ou outro. Pense no clarinetista da Filadélfia Billy Krechmer ou no trompetista Joe Wilder. Às vezes, a escolha era real, mesmo que imposta por um administrador irritado do Instituto Curtis na Filadélfia, ou pelas terríveis barreiras raciais que mantinham os músicos negros fora do mercado de músicos de orquestra sinfônica. No entanto, era uma realidade, mesmo que os próprios músicos, especialmente os melhores, conhecessem o corpo em que o outro estava inserido. Algumas pessoas ainda são velhas o suficiente para se lembrarem de um estudante de jazz que evitou um programa universitário de prestígio, não por falta de talento, mas por falta de vontade de tocar música clássica. Ou mesmo de estudantes de conservatório cuja perspectiva era inversa. Acontecia. Ainda acontece.

Outra parte do problema reside no que, na falta de uma expressão melhor, poderíamos chamar de valores da academia. Pensa-se, em particular, na Académie de Musique, na França, cujos padrões e regras do século XIX controlavam o acesso aos salões, as exposições que podiam alavancar ou destruir a carreira de um artista. Embora os gigantes da arte moderna tenham finalmente encerrado o reinado da Academia, alguns resquícios de suas expectativas quanto à técnica, temática ou hierarquia de valores nunca desapareceram completamente. Alguns músicos de jazz — Phil Woods é um exemplo — acreditavam que os programas universitários formais destruíam a individualidade. Se jazz significa, como disse Wayne Shorter, "nenhuma categoria", então a origem do conflito parece clara. Os programas universitários de jazz transformaram o nível de habilidade musical do músico de jazz médio, especialmente nos programas de ponta. Os instrumentistas conseguem atuar de maneiras que eram inconcebíveis há apenas 40 anos. Mas, como às vezes se ouve, uma grande banda de laboratório soa igual a outra, ou pior, todas soam iguais, independentemente do estado em que se encontram. Gostemos ou não, essa percepção persiste e, infelizmente, parte da realidade também. Alguns se lembram dos tempos em que os instrutores se referiam aos alunos como "produtos". Dificilmente um chamado à individualidade, algo que o jazz improvisacional exige.

Isso leva o ouvinte a Jake Hertzog e ao Ozark Concerto. O Dr. Hertzog, guitarrista que já tocou com Harvie S e Victor Jones, é formado pela Manhattan School of Music, Berklee e pela Universidade do Arkansas, onde atua como professor assistente de música. Segundo o próprio Hertzog, ele concebeu o projeto do concerto enquanto era estudante em Manhattan, numa aula com Jim McNeely, que combinava jazz e arranjos para grandes orquestras. Levou tempo, financiamento (do programa Jazz Road Creative Residency da South Arts e de um projeto de música folclórica dos Ozarks financiado por uma bolsa Artist 360 da Mid-America Arts Alliance) e uma série de gravações mais convencionais, mas “Ozark Concerto” é o resultado. A obra é dividida em sete partes e começa com foco no instrumento de Hertzog, o violão. Em seguida, introduz instrumentos de sopro e o que é descrito como um "turbilhão contrapontístico de cordas e sopros" que se funde a um quarteto de cordas e depois ao piano, encerrando com uma conclusão vigorosa e adequada, um final calmo, no entanto. É, para dizer o mínimo, uma obra impressionante. Se um ouvinte perguntar do que se trata, bem, não é Shostakovich nem Beethoven, mas, por outro lado, é 2025 sem cavalos ou tanques atravessando os Montes Ozark, não 1815 ou 1943. Não existe outro programa além de uma reflexão sonora sobre a experiência. O que está em questão são os sons, a estrutura, a textura e a impressão geral. E, no geral, o impacto é realmente muito forte.

Faixas: Part I; Part II; Part III; Part IV; Part V; Part VI; Part VII.

Músicos: Jake Hertzog (guitarraelétrica); The Ozark Jazz Philharmonic—Susumu Watanabe: maestro; Bill Gable, Ben Hay, Rich Rulli, Cameron Summers: trompete; Michael Hanna, Sarah Hetrick: sax alto; Alisha Pattillo, Austin Farnam: sax tenor; Rick Salonen: sax barítono; Cory Mixdorf, Shea Pierce, Michael Olefsky: trombone; Jason Hausback: trombone baixo; Matt Nelson, Tomoko Kashiwagi: piano; Garrett Jones: baixo; Chris Peters: bateria; Er-Gene Kahng, Dayton Strick: violino; Tim MacDuff: viola; Pecos Singer: cello.

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 14/07

Akua Dixon (1948) – cellista,

Alan Dawson (1929-1996) – baterista,

Billy Kyle (1914-1966) - pianista,

Gayelynn McKinney (1962) – baterista,

George Lewis (1952) – trombonista,

Ignazi Terraza (1962) – pianista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=1hvJhaSuOIk ,

Jacob Young (1970) – guitarrista,

Kenny Napper (1933) – baixista,

Larry Fuller (1965) – pianista,

Lauren Sevian (1979) – saxofonista,

Marshall Hawkins (1939) – baixista,

Mike Rodriguez (1979) – trompetista,

Sabu Martinez (1930 - 1979) - percussionista 

 

HENRY THREADGILL - LISTEN SHIP (Pi Recordings)

Nos últimos anos, Threadgill tem oscilado entre a escrita para o seu grupo Zooid e grandes formações como The Other One ou o Double Up Ensemble. “Listen Ship” situa-se num ponto intermediário: não é uma big band nem um pequeno combo, mas uma constelação singular, onde a precisão orquestral convive com o risco da improvisação.

Comecemos pela instrumentação, para que o leitor possa formar uma imagem mental do som. “Listen Ship” é interpretado por um octeto singular: quatro guitarras acústicas (Bill Frisell, Brandon Ross, Gregg Belisle-Chi e Miles Okazaki), duas guitarras-baixo acústicas (Jerome Harris e Stomu Takeishi) e dois pianos (Maya Keren e Rahul Carlberg). O som dominante é o das guitarras (6 no total), num fraseado intrincado que evoca o “Salut für Caudwell” de Helmut Lachenmann: não há hierarquias perceptíveis, mas sim movimentos que se entrelaçam e se desfazem.

O disco é feito de dezessete peças, na sua maioria curtas, em que a matéria-prima é o som acústico das guitarras e dos pianos, atravessado pelo silêncio. São rabiscos sem intenções alfabéticas.

O material de composição nasce de diversos elementos; desde logo das diferenças tímbricas entre instrumentos da mesma família, mas com personalidades sonoras distintas: sopranos, archtops, flat-tops, baixos. Não se trata apenas de somar instrumentos iguais, mas de explorar as variações que emergem quando diferentes guitarras vibram em simultâneo, cada uma com a sua assinatura tímbrica. Há uma vontade de testar combinações fora de qualquer convenção idiomática.

Outro dos elementos fundamentais para a composição é o intervallic system, um sistema que Threadgill tem vindo a desenvolver desde finais do século passado. Tal como Morton Feldman explorava a importância do intervalo entre notas tanto quanto a própria nota, também neste sistema cada músico (ou grupo de músicos) recebe intervalos específicos em vez de escalas ou acordes. A tarefa é explorar apenas essas distâncias, criando linhas melódicas e contrapontos que resultam numa música simultaneamente restrita e infinitamente aberta.

Por fim, o som acústico, que tem uma duração mais curta, e esse fator também é usado como ferramenta estrutural: contrapontos quebrados, ritmos dentados, a respiração do ataque e do seu rápido apagamento.

Este é um disco sobre o insólito e o inesperado. Algumas peças duram menos de um minuto; outras estendem-se por quase oito. A única constante é a mudança: gestos interrompem gestos, movimentos instalam-se para depois se dissiparem.

Threadgill não toca em “Listen Ship”, mas está presente na condução – feita de passos, respiração, balanços de corpo – constitui a fundação rítmica da obra. Para os músicos, as partituras são mapas; o verdadeiro território só se revela nos ensaios, quando o compositor guia, explica e liga as partes, revelando a totalidade.

Para o ouvinte, “Listen Ship” é uma obra densa, de polifonia assimétrica e, por vezes, confusa, com uma vontade de revelação: à medida que se escuta, a mente procura coerências, constrói formas, encontra unidades mesmo onde elas parecem não existir.

Aos 81 anos, Henry Threadgill continua criativo, inquieto e à procura de novas soluções musicais. Este disco confirma a dimensão de um legado que não olha para trás, mas que se expande à procura de uma música nova, ancorada no jazz, mas a apontar para territórios inexplorados.

Editado pela Pi Recordings, “Listen Ship” retoma uma intuição ensaiada em 1994 (no álbum “Song Out of My Trees”) e pede disponibilidade e entrega ao ouvinte. Pede vontade de embarcar num mundo musical diferente. É música para quem gosta de viagens e não de destinos.

Faixas

1.A 01:10

2.B 02:20

3.C 01:10

4.D 03:57

5.E 03:33

6.F 02:02

7.G 01:31

8.H 06:23

9.IJ 01:21

10.L 07:03

11.M 01:56

12.N 01:04

13.O 00:48

14.P 01:12

15.Q 00:40

16.R 07:59

 Músicos: Henry Threadgill (condução); Bill Frisell— guitarra acústica; Brandon Ross— guitarra acústica soprano; Gregg Belisle-Chi— guitarra acústica; Miles Okazaki— guitarra acústica; Jerome Harris— guitarra baixo acústica; Stomu Takeishi— guitarra baixo acústica; Maya Keren— piano; Rahul Carlberg— piano.

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)

 

 

ANIVERSARIANTES - 13/07

Albert Ayler (1936-1970) – saxofonista,

Bengt-Arne Wallin(1926-2015) – trompetista,

Bill Carrothers (1964) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=rTqu88EJPeU,

Bruno Raberg (1954) – baixista,

George Lewis (1900-1968)- clarinetista,

João Bosco (1946) – vocalista,violonista,

Leroy Vinnegar (1928-1999) – baixista,

Olavi Louhivuori (1981) – baterista,

Pete Escovedo (1935) – percursionista,vocalista,

Sigurd Hole (1981) - baixista 

 

DUKE ELLINGTON - COPENHAGEN 1958 (Storyville Records)

Duke Ellington deixou uma discografia formidável até sua morte aos 75 anos em 1974, e expandiu-se muito com o número de concertos que foram descobertos e publicados desde então. Este CD é extraído de dois concertos de 1958 no KB Hallen em Copenhague, embora eles não sejam provenientes do original, fitas da transmissão há muito perdidas, mas gravações evidentemente feitas por um fã. O que torna esta descoberta valiosa é que a banda está em sua melhor forma e o geralmente longo medley "terrível" de sucessos que Ellington costumava usar para homenagear vários pedidos é felizmente omitido. Embora "Take the A Train" e "Hi Fi Fo Fum", a última com um toque da bateria de Sam Woodyard, estejam incompletas, as faixas remanescentes brilham com a energia única, que só esta orquestra poderia entregar.

Há um número de destaques. O som claramente identificável de Clark Terry no flugelhorn em uma versão empolgante de "Perdido", é excelente. O saxofonista barítono Harry Carney característica marcante em "Sophisticated Lady" mostra seu lirismo e respiração circular. Os intercâmbios do trombonista Britt Woodman com o líder em "Sonnet To Hank Cinq" revela quão subestimado instrumentista Woodman foi. Claro, não é um concerto completo de Ellington sem o grande saxofonista alto Johnny Hodges, que brinca com o blues de Mercer Ellington, "Things Ain't What They Used To Be". Especialista em notas altas, o trompetista Cat Anderson, expõe lamentos em sua própria composição "El Gato", estimulada pelo resto da seção de trompete, cada um fazendo um refrão potente. Finalmente, o saxofonista tenor, a estrela Paul Gonsalves, revive sua incrível interpretação em Newport de "Diminuendo e Crescendo in Blue"em 1956.

Ao longo do concerto, o toque mágico de Ellington e gritos de encorajamento da banda mantém as coisas em alto nível. As seleções remanescentes são de 1950, incluindo uma rara oportunidade de ouvir Duke Ellington desacompanhado em "I Can't Get Started" com o saxofonista tenor expatriado Don Byas e o clarinetista Jimmy Hamilton, unindo-se a ele para uma demorada exploração de "Body And Soul". Os dois números finais eram de uma edição limitada de caridade privada, apresentando as elegantes interpretações solo de Ellington de "Sophisticated Lady" e "Mood Indigo". Os fãs sérios de Duke Ellington, também, desfrutarão de detalhadas notas de Bjarne Busk.

Faixas: Take the A Train (Theme); Newport Up; My Funny Valentine; Perdido; Sophisticated Lady; Sonnet to Hank Cinq; What Else Can You Do With a Drum; Rockin' in Rhythm; Prelude to a Kiss; Things Ain't What They Used to Be; El Gato; Hi Fi Fo Fum; Diminuendo and Crescendo in Blue; I Can't Get Started; Body and Soul; A Little Blues; Sophisticated Lady; Mood Indigo.

Músicos: Duke Ellington (piano); Clark Terry (trompete); Ray Nance (cornet); Johnny Hodges (saxofone alto); Harry Carney (saxofone barítono); Jimmy Woode (baixo); Harold Baker (trompete); Cat Anderson (trompete); Britt Woodman (trombone); John Sanders (trombone); Quentin Jackson (trombone); Paul Gonsalves (saxofone tenor); Ozzie Bailey (vocal); Sam Woodyard (bateria); Russell Procope (clarinete); Jimmy Hamilton (clarinete).

Fonte: Ken Dryden (AllAboutJazz)