THINGS OF THIS NATURE - THINGS OF THIS NATURE (Mahakala Music)

Caylie Davis cresceu em Eugene, Oregon, tocando trompete em uma cidade não exatamente conhecida por jazz de vanguarda, antes de ir para Nova York para se matricular na Manhattan School of Music. Lá, ela estudou com Ingrid Jensen, Nadje Noordhuis e Jon Faddis, três músicos que, juntos, abrangem uma ampla gama estilística. Davis amplia ainda mais seu escopo. Booker Little e Maurice Ravel influenciam sua maneira de pensar o som, enquanto a voz humana permanece tão central para sua concepção quanto qualquer instrumento com válvulas e sino.

O quarteto de Davis, “Things of This Nature”, completa-se com Chris Ferrari nos instrumentos de sopro, Shogo Yamagishi no baixo e J.J. Mazza na bateria, notavelmente sem piano. O grupo tem se apresentado regularmente em Nova York, em casas de shows como Nublu e Downtown Music Gallery, moldando um som que fica entre Ornette Coleman e um show de punk rock, uma combinação improvável que faz sentido depois de ouvida.

O disco abre com "Shortstop Right Wing Chicken Parm", um título que diz muito sobre a vibração da banda. A faixa é ao mesmo tempo explosiva e tensa, o que é mais difícil de alcançar do que parece. A banda está em plena forma, entrelaçando linhas uníssonas vibrantes com uma seção rítmica que se mantém firme enquanto avança. "Gutted Pills" mantém esse ritmo com uma sensação fluida e propulsiva, que nunca se estabiliza completamente

“Things of This Nature” está fazendo suas próprias coisas. ”How Does It Sound Now" e "A Tough Situation" transitam entre balanços com raízes no blues, improvisação livre e linhas de bop em andamento médio. Nesta última, as extensas passagens de arco de Yamagishi e a dedilhada ágil provocam uma onda de energia sob os solos ousados ​​de Ferrari, tudo sustentado por um desenvolvimento rítmico meticulosamente estruturado. A banda encerra com "Composition 4", inspirada em Coleman, injetando inquietação e movimento para a frente, temperados por frases sussurradas e uma marcha pontuada.

Davis fraseia como um cantor que aprendeu a tocar trompete como segundo instrumento e nunca se esqueceu completamente do primeiro. Há melodia em tudo o que ela toca, mesmo quando as linhas melódicas se tornam incisivas. Mazza sabe quando assumir o controle e quando se afastar. Yamagishi ancora a música sem a sobrecarregar. O humor também ajuda — você não dá o nome de "Shortstop Right Wing Chicken Parm (NT:Frango à Parmegiana da Asa Direita do Interbase)" a uma música sem saber exatamente o que está fazendo — e essa disposição para a brincadeira impede que o disco se leve muito a sério. Em 2025, apesar da profusão de jazz de qualidade, poucos discos entraram tão discretamente e causaram tanto impacto.

Faixas: Shortstop Right Wing Chicken Parm; Nettles; Gutted Pills; How Does It Sound Now; E-MOC; Waxy Yellow Buildup; How It Is; Long Dream; A Tough Situation; Tony In The Chat Room; Bass Solo; Composition 4.

Músicos: Caylie Davis (trompete); Chris Ferrari (instrumentos de palhetas); Shogo Yamagishi (baixo acústico); J.J. Mazza (bateria).

Fonte: Glenn Astarita (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 16/07

Annie Whitehead (1955) - trombonista,

Anton Schwartz (1967) - saxofonista,

Arthur Moreira Lima (1940-2024) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=c7oNbYK3X98,

Bobby Previte (1957) - baterista,

Bola Sete (1923 - 1987) - violonista,

Cal Tjader (1925-1982) - vibrafonista,

Denise LaSalle (1939) - vocalista,

Elizeth Cardoso(1920-1990) – vocalista,

Idris Raman (1976) – saxofonista,

Nat Pierce (1925-1992) - pianista,

Rene Urtreger (1934) – pianista,

Ruben Blades (1948) -vocalista

 

RICH BROWN - NYAEBA

A alegria diante da universalidade infinita da música é o que torna o mais recente lançamento solo do baixista canadense Rich Brown – no qual cada som foi derivado de baixos de quatro, seis cordas e sem trastes – tão revigorante. Ele prioriza a melodia e as narrativas pessoais em detrimento do virtuosismo.

Gravado entre turnês com artistas como Steve Coleman e o Jeremy Ledbetter Trio, Brown e seu engenheiro de longa data, Elmer Ferrer, exploraram a fundo cada detalhe sonoro dos baixos, utilizando o pequeno espaço entre a porca e as tarraxas para sons dedilhados e vibrantes no estilo kalimba, raspando e arranhando as cordas e aplicando batidas marcantes na madeira, adicionando reverberações sutis e notas invertidas engenhosas para construir uma paisagem sonora ampla.

Os polirritmos de múltiplas partes de ‘Kalagala Ebwembe’ criam uma explosão eletroacústica de notas em constante transformação, e esta faixa está entre várias onde ritmos africanos e brasileiros se misturam: A faixa de abertura, ‘Ukudlala’, começa como uma peça solo crua de dedilhado polirrítmico, mas logo se expande para harmonias exuberantes e em camadas. Sinos de vento parecem tilintar no início de "The Sum of Our Tears", antes que o instrumento sem trastes de Brown trilhe um caminho da solidão à esperança, enquanto "Heart of a Lonely Woman" presta homenagem à obra-prima melancólica de Ornette Coleman.

'Nyaeba' simula tambores batá e a voz mística de um griô, com o baixo 'falando' de forma indecifrável, enquanto uma amostra da voz de Alice Coltrane introduz a homenagem de Brown a ela, 'Turiyasangitananda', com as próprias palavras da harpista afirmando: "Houve dias em que sei que passei mais de 20 horas em meditação", seu solilóquio solo comovente clamando sobre um zumbido. O álbum se encerra com os acordes suaves e cíclicos de "The Kingdom of Heaven is Within" e os solos de Brown encontram harmonias perfeitas para um final ressonante. Não é um álbum de baixo elétrico comum, é muito mais.

Faixas

1.Ukudlala 03:06

2.The Sum of Our Tears (Gently Falling) 06:25

3.Heart of a Lonely Woman 04:03

4.Nyaeba (The Griot) 01:35

5.Kalagala Ebwembe 03:49

6.Sowetoiera 04:00

7.Turiyasangitananda – The Transcendental Lord's Highest Song of Bliss (Meditation for Alice Coltrane) 06:57

8.The Kingdom of Heaven is Within 05:37

Fonte: Mike Flynn (JazzWise)

 

ANIVERSARIANTES - 15/07

David Neves (1989) – trompetista,

GP Hall (1943) - guitarrista,

Luciano Milanese (1950) – baixista,

Paulo Moura (1932-2010) – saxofonista,clarinetista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=JgzHK0mYxK0,

Petros Klampanis (1981) - baixista,

Philly Joe Jones (1923-1985) – baterista,

Rodrigo Amado (1964) – saxofonista,

Ron Kaplan (1953) – vocalista,

Sadik Hakim (1919 -1983) - pianista,

Washboard Sam (1910 - 1966) – “washboardista”,vocalista,

Willie Cobbs (1932) – gaitista,vocalista

 

JAKE HERTZOG - THE OZARK CONCERTO (Zoho Music)

Como Terry Teachout escreveu com muita precisão: "A relação entre o jazz e a música clássica muitas vezes foi próxima... mas, em última análise, é ambígua" ("Jazz and Classical Music: To the Third Stream and Beyond", em Bill Kirchner, editor, The Oxford Companion to Jazz, Oxford University Press, 2000). Equívoco é uma palavra difícil. Pode significar suspeito, duvidoso ou incerto. Passe algum tempo com músicos de qualquer um dos lados e você descobrirá suspeitas, dúvidas e incertezas. As críticas variam de "superestimado" a "falta de educação" e "não teria chance nem se fosse enforcado”. Hoje, a situação é melhor do que era, digamos, há um século, quando alguém era mais ou menos obrigado a escolher um ou outro. Pense no clarinetista da Filadélfia Billy Krechmer ou no trompetista Joe Wilder. Às vezes, a escolha era real, mesmo que imposta por um administrador irritado do Instituto Curtis na Filadélfia, ou pelas terríveis barreiras raciais que mantinham os músicos negros fora do mercado de músicos de orquestra sinfônica. No entanto, era uma realidade, mesmo que os próprios músicos, especialmente os melhores, conhecessem o corpo em que o outro estava inserido. Algumas pessoas ainda são velhas o suficiente para se lembrarem de um estudante de jazz que evitou um programa universitário de prestígio, não por falta de talento, mas por falta de vontade de tocar música clássica. Ou mesmo de estudantes de conservatório cuja perspectiva era inversa. Acontecia. Ainda acontece.

Outra parte do problema reside no que, na falta de uma expressão melhor, poderíamos chamar de valores da academia. Pensa-se, em particular, na Académie de Musique, na França, cujos padrões e regras do século XIX controlavam o acesso aos salões, as exposições que podiam alavancar ou destruir a carreira de um artista. Embora os gigantes da arte moderna tenham finalmente encerrado o reinado da Academia, alguns resquícios de suas expectativas quanto à técnica, temática ou hierarquia de valores nunca desapareceram completamente. Alguns músicos de jazz — Phil Woods é um exemplo — acreditavam que os programas universitários formais destruíam a individualidade. Se jazz significa, como disse Wayne Shorter, "nenhuma categoria", então a origem do conflito parece clara. Os programas universitários de jazz transformaram o nível de habilidade musical do músico de jazz médio, especialmente nos programas de ponta. Os instrumentistas conseguem atuar de maneiras que eram inconcebíveis há apenas 40 anos. Mas, como às vezes se ouve, uma grande banda de laboratório soa igual a outra, ou pior, todas soam iguais, independentemente do estado em que se encontram. Gostemos ou não, essa percepção persiste e, infelizmente, parte da realidade também. Alguns se lembram dos tempos em que os instrutores se referiam aos alunos como "produtos". Dificilmente um chamado à individualidade, algo que o jazz improvisacional exige.

Isso leva o ouvinte a Jake Hertzog e ao Ozark Concerto. O Dr. Hertzog, guitarrista que já tocou com Harvie S e Victor Jones, é formado pela Manhattan School of Music, Berklee e pela Universidade do Arkansas, onde atua como professor assistente de música. Segundo o próprio Hertzog, ele concebeu o projeto do concerto enquanto era estudante em Manhattan, numa aula com Jim McNeely, que combinava jazz e arranjos para grandes orquestras. Levou tempo, financiamento (do programa Jazz Road Creative Residency da South Arts e de um projeto de música folclórica dos Ozarks financiado por uma bolsa Artist 360 da Mid-America Arts Alliance) e uma série de gravações mais convencionais, mas “Ozark Concerto” é o resultado. A obra é dividida em sete partes e começa com foco no instrumento de Hertzog, o violão. Em seguida, introduz instrumentos de sopro e o que é descrito como um "turbilhão contrapontístico de cordas e sopros" que se funde a um quarteto de cordas e depois ao piano, encerrando com uma conclusão vigorosa e adequada, um final calmo, no entanto. É, para dizer o mínimo, uma obra impressionante. Se um ouvinte perguntar do que se trata, bem, não é Shostakovich nem Beethoven, mas, por outro lado, é 2025 sem cavalos ou tanques atravessando os Montes Ozark, não 1815 ou 1943. Não existe outro programa além de uma reflexão sonora sobre a experiência. O que está em questão são os sons, a estrutura, a textura e a impressão geral. E, no geral, o impacto é realmente muito forte.

Faixas: Part I; Part II; Part III; Part IV; Part V; Part VI; Part VII.

Músicos: Jake Hertzog (guitarraelétrica); The Ozark Jazz Philharmonic—Susumu Watanabe: maestro; Bill Gable, Ben Hay, Rich Rulli, Cameron Summers: trompete; Michael Hanna, Sarah Hetrick: sax alto; Alisha Pattillo, Austin Farnam: sax tenor; Rick Salonen: sax barítono; Cory Mixdorf, Shea Pierce, Michael Olefsky: trombone; Jason Hausback: trombone baixo; Matt Nelson, Tomoko Kashiwagi: piano; Garrett Jones: baixo; Chris Peters: bateria; Er-Gene Kahng, Dayton Strick: violino; Tim MacDuff: viola; Pecos Singer: cello.

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 14/07

Akua Dixon (1948) – cellista,

Alan Dawson (1929-1996) – baterista,

Billy Kyle (1914-1966) - pianista,

Gayelynn McKinney (1962) – baterista,

George Lewis (1952) – trombonista,

Ignazi Terraza (1962) – pianista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=1hvJhaSuOIk ,

Jacob Young (1970) – guitarrista,

Kenny Napper (1933) – baixista,

Larry Fuller (1965) – pianista,

Lauren Sevian (1979) – saxofonista,

Marshall Hawkins (1939) – baixista,

Mike Rodriguez (1979) – trompetista,

Sabu Martinez (1930 - 1979) - percussionista 

 

HENRY THREADGILL - LISTEN SHIP (Pi Recordings)

Nos últimos anos, Threadgill tem oscilado entre a escrita para o seu grupo Zooid e grandes formações como The Other One ou o Double Up Ensemble. “Listen Ship” situa-se num ponto intermediário: não é uma big band nem um pequeno combo, mas uma constelação singular, onde a precisão orquestral convive com o risco da improvisação.

Comecemos pela instrumentação, para que o leitor possa formar uma imagem mental do som. “Listen Ship” é interpretado por um octeto singular: quatro guitarras acústicas (Bill Frisell, Brandon Ross, Gregg Belisle-Chi e Miles Okazaki), duas guitarras-baixo acústicas (Jerome Harris e Stomu Takeishi) e dois pianos (Maya Keren e Rahul Carlberg). O som dominante é o das guitarras (6 no total), num fraseado intrincado que evoca o “Salut für Caudwell” de Helmut Lachenmann: não há hierarquias perceptíveis, mas sim movimentos que se entrelaçam e se desfazem.

O disco é feito de dezessete peças, na sua maioria curtas, em que a matéria-prima é o som acústico das guitarras e dos pianos, atravessado pelo silêncio. São rabiscos sem intenções alfabéticas.

O material de composição nasce de diversos elementos; desde logo das diferenças tímbricas entre instrumentos da mesma família, mas com personalidades sonoras distintas: sopranos, archtops, flat-tops, baixos. Não se trata apenas de somar instrumentos iguais, mas de explorar as variações que emergem quando diferentes guitarras vibram em simultâneo, cada uma com a sua assinatura tímbrica. Há uma vontade de testar combinações fora de qualquer convenção idiomática.

Outro dos elementos fundamentais para a composição é o intervallic system, um sistema que Threadgill tem vindo a desenvolver desde finais do século passado. Tal como Morton Feldman explorava a importância do intervalo entre notas tanto quanto a própria nota, também neste sistema cada músico (ou grupo de músicos) recebe intervalos específicos em vez de escalas ou acordes. A tarefa é explorar apenas essas distâncias, criando linhas melódicas e contrapontos que resultam numa música simultaneamente restrita e infinitamente aberta.

Por fim, o som acústico, que tem uma duração mais curta, e esse fator também é usado como ferramenta estrutural: contrapontos quebrados, ritmos dentados, a respiração do ataque e do seu rápido apagamento.

Este é um disco sobre o insólito e o inesperado. Algumas peças duram menos de um minuto; outras estendem-se por quase oito. A única constante é a mudança: gestos interrompem gestos, movimentos instalam-se para depois se dissiparem.

Threadgill não toca em “Listen Ship”, mas está presente na condução – feita de passos, respiração, balanços de corpo – constitui a fundação rítmica da obra. Para os músicos, as partituras são mapas; o verdadeiro território só se revela nos ensaios, quando o compositor guia, explica e liga as partes, revelando a totalidade.

Para o ouvinte, “Listen Ship” é uma obra densa, de polifonia assimétrica e, por vezes, confusa, com uma vontade de revelação: à medida que se escuta, a mente procura coerências, constrói formas, encontra unidades mesmo onde elas parecem não existir.

Aos 81 anos, Henry Threadgill continua criativo, inquieto e à procura de novas soluções musicais. Este disco confirma a dimensão de um legado que não olha para trás, mas que se expande à procura de uma música nova, ancorada no jazz, mas a apontar para territórios inexplorados.

Editado pela Pi Recordings, “Listen Ship” retoma uma intuição ensaiada em 1994 (no álbum “Song Out of My Trees”) e pede disponibilidade e entrega ao ouvinte. Pede vontade de embarcar num mundo musical diferente. É música para quem gosta de viagens e não de destinos.

Faixas

1.A 01:10

2.B 02:20

3.C 01:10

4.D 03:57

5.E 03:33

6.F 02:02

7.G 01:31

8.H 06:23

9.IJ 01:21

10.L 07:03

11.M 01:56

12.N 01:04

13.O 00:48

14.P 01:12

15.Q 00:40

16.R 07:59

 Músicos: Henry Threadgill (condução); Bill Frisell— guitarra acústica; Brandon Ross— guitarra acústica soprano; Gregg Belisle-Chi— guitarra acústica; Miles Okazaki— guitarra acústica; Jerome Harris— guitarra baixo acústica; Stomu Takeishi— guitarra baixo acústica; Maya Keren— piano; Rahul Carlberg— piano.

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)