IRVING FLORES - ARMANDO MI CONGA (Amor de Flores Productions)

De vez em quando, um artista lança um álbum tão impactante, tão estelar, que consolida seu legado para sempre, não de uma forma que o artista jamais possa superar a grandeza do álbum, mas de uma forma que o impulsiona para além dele. O pianista Irving Flores e seu sexteto de jazz afro-cubano, composto por músicos de renome, criaram um álbum assim. “Armando Mi Conga (Amor de Flores)” consiste em oito composições originais de tirar o fôlego, além de uma faixa bônus (uma versão para piano solo da música escrita para a esposa de Flores, Amanda), de jazz afro-cubano tocado por alguns dos melhores e mais talentosos músicos da indústria, incluindo Flores (piano), Giovanni Hidalgo (congas), Horacio "El Negro" Hernandez (bateria), Brian Lynch (trompete), John Benitez (baixo acústico e elétrico) e Norbert Stachel (saxofone, clarinete e flauta). O que esses músicos conseguiram criar juntos é claramente uma obra enraizada na celebração: uma celebração da cultura, uma celebração da habilidade e do puro talento musical (o grupo gravou o álbum em dois dias, sem ensaio), uma celebração da arte e uma celebração do amor.

Logo de cara, as congas de Hidalgo preparam o terreno para o que está por vir. Na faixa-título "Armando Mi Conga", ele apresenta um solo de abertura eletrizante, inspirado e dedicado a seu pai, o famoso tocador de conga porto-riquenho José "Mañengue" Hidalgo. Mestre das congas, Hidalgo se encarrega de ancorar a música com seus ritmos propulsivos, enquanto os demais membros do sexteto se juntam para criar um som que dança através do tempo.

Em "With Amanda in Favignana", Flores coloca seu amor por sua esposa, Amanda, em primeiro plano. Inspirada por uma viagem que a dupla fez a Favignana, na Itália, a canção tem um ar romântico que, apesar da participação de um sexteto completo, soa como um disco de trio tradicional, com as contribuições de Flores e Lynch no centro da música. Hidalgo e Hernández estão presentes, no entanto. Com uma performance muito mais contida e em segundo plano em relação a Flores e Lynch, as contribuições da dupla são difíceis de ignorar à medida que a música avança. É o toque leve deles que traz um toque sutil de elegância à música, que parece flutuar entre as notas.

Em "Tramonto A Massa Lubrense", Flores inicia com um solo de piano magistral que introduz contribuições impressionantes de Benitez e Hernández. Ao ouvir o solo de Flores, parece que ele se perdeu na música. Ele é um músico brilhante, e essa genialidade fica evidente aqui. O baixo de Benitez e as suaves pinceladas de Hernández na bateria oferecem o acompanhamento perfeito

“Armando Mi Conga” é uma gravação completa. É um disco de jazz latino do começo ao fim, e é glorioso. Flores reuniu o elenco perfeito para o Sexteto de Jazz Afro-Cubano. Juntos, eles criaram uma obra fantástica em um momento em que o que há de belo na música, na cultura e no povo latino merece ser reconhecido e celebrado. Embora aspectos da vida de Flores tenham influenciado bastante o álbum, o sentimento que a música evoca é universal. Bravo!

Faixas

1.Armando Mi Conga 8:27

2.Gary En Nanchital 05:49

3.With Amanda in Favignana 07:03

4.Tramonto a Massa Lubrense 09:34

5.Music En La Calle 04:55

6.Samba Con Sabor 05:50

7.Recuerdos 07:44

8.Dana Point 07:00

9.With Amanda in Favignana 05:11

Fonte: Bridget A. Arnwine (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 30/06

Andrew Hill (1937-2007) - pianista,

Jason Miles (1952) – tecladista,

Jasper van't Hof (1947) - tecladista,

Lena Horne (1917-2010) – vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=EMf0Z7EPdLo,

Rick Frank (1958) – baterista,

Stanley Clarke (1951) – baixista,

Wallace Davenport (1925-2004) – trompetista

 

 

RODNEY WHITAKER - MOSAIC: THE MUSIC OF GREGG HILL (Origin Records)

Com apenas cinquenta e seis anos de idade, Rodney Whitaker consolidou seu status lendário como um baixista extraordinário e requisitado e, sem dúvida, o educador de jazz mais proeminente de sua geração. O nativo de Detroit, Michigan, foi recentemente eleito para as sagradas fileiras da Academia Americana de Artes e Ciências, que inclui inovadores como Benjamin Franklin e Dr. Martin Luther King Jr., continua a se estabelecer firmemente como um excelente intérprete de música original, notavelmente por meio de sua frutífera associação com o compositor Gregg Hill. “Mosaic” é a quarta colaboração entre Hill e Whitaker, e apresenta sua banda vibrante e de trabalho, imbuindo as composições frescas e idiossincráticas de Hill com uma interação intensa, balanço profundo, decisões sábias e um senso de aventura com visão de futuro.

A faixa-título "Mosaic" imediatamente leva o ouvinte para as águas pensativas da paisagem sonora de Hill, enquanto as baquetas e os pratos brilhantes do baterista Dana Hall criam uma atmosfera mágica. Somos brindados com esplêndidas introduções à criatividade fluida da banda, com o trompetista Terell Stafford, o saxofonista Tim Warfield na soprano, o pianista Rick Roe e o líder Whitaker tocando de forma convincente a estrutura de acordes da música. A vocalista Rockelle Whitaker acrescenta calor e poder comoventes ao ritmo de "Unknown Ballad" com um refrão impressionante de "is it real – é real?" na conclusão emocionante e envolvente da música. Warfield retorna ao saxofone tenor na linha de frente com Stafford para uma frase cativante, ao estilo de Mingus, de "Claxilever". Sobre o estrondo percolante desta seção rítmica terrena, Stafford e Warfield relembram a sensação alegre e a camaradagem sonora de Ornette Coleman/Don Cherry e a linha de frente de Tom Harrell de Horace Silver. "Katie's Tune" nos leva a uma fusão de inspiração afro-cubana com a sensação da valsa, que vibra com uma aura de liberdade e modernidade, que se tornou uma marca registrada da voz musical de Whitaker.

A dupla Whitaker/Hill é notável pela diversidade de influências e pontos de vista que incorporam, e as ricas vibrações que esta sofisticada fusão de ingredientes musicais pode produzir. Vemos isso na fusão dos ritmos 6/8, 12/8 e 4/4 que anunciam a melodia de "Moonscape". Rockelle Whitaker envolve alegremente os intervalos dinâmicos da ambiciosa melodia de Hill, mais uma vez exibindo uma autoridade apaixonada que acrescenta brilho ao grupo. Mais do humor de Hill está em exibição em "Ray-Dias", já que a introdução provoca estéticas de fraseado contrastantes, sugerindo o ritmo animado do boogaloo dos anos 1960. O solo crescente de Stafford relembra o poder influente de Freddie Hubbard, ao mesmo tempo que mantém sua própria identidade, uma tarefa nada fácil e algo de que muitos trompetistas são vítimas. Warfield, retornando ao soprano, lidera a banda através de um grande êxodo de estilos de rubato antes de Hall solos poderosos sobre as pontuações dançantes da melodia de partida. Os arranjos habilidosos de Whitaker combinam a beleza do jazz moderno, técnicas de composição completas e uma gama dinâmica envolvente e ampla com sua versão de "Still Life with Tuba", de Hill. É notável a intensidade com que todos os membros se apresentam, relembrando a força de caráter presente na "Freedom Now Suite" de Max Roach. "Sloe Gin Fizz" apresenta o trabalho solo definidor e poético de Whitaker logo após a melodia cativante e cantável. De fato, a banda inteira começa aqui, repleta de uma referência a "Voyage", de Kenny Barron, e às icônicas melodias de tenor conhecidas coloquialmente como "shredding-retalhamento". A interação entre a seção rítmica durante o solo de Roe é uma aula magistral sobre audição, acompanhamento e improvisação interativa.

A emoção é palpável na voz da Sra. Whitaker enquanto ela comanda a melodia de "Stargazer" com ecos da influência do NEA Jazz Master Abbey Lincoln olhando com aprovação. Esta balada terna, mas insistente, está perfeitamente situada agora na jornada do repertório deste álbum. O hino "Sunday Special" traz Detroit estampado em toda a apresentação e serve como um abraço de despedida adequado e comovente para uma hora de exploração inteligente e envolvente no reino da criação da América: Jazz. Rodney Whitaker, Gregg Hill e companhia são uma equipe totalmente envolvente, aclamada pela crítica e bem-sucedida. Este quarto projeto é mais uma confirmação retumbante. Como músico e admirador de ambos, só posso esperar que haja uma quinta edição como essa. Aproveite as muitas cores, estados de espírito em plena exibição na gravação de Rodney Whitaker, "Mosaic: The Music of Gregg Hill", de 2025.

Faixas: Mosaic; Unknown Ballad; Claxilever; Katie’s Tune; Moonscape; Ray-Dias; Still Life With Tuba; Sloe Gin Fizz; Stargazer; Sunday Special.

Músicos: Rodney Whitaker (baixo); Terell Stafford (trompete); Tim Warfield (saxofone tenor); Rick Roe (piano); Dana Hall (bateria); Rockelle Whitaker (vocal).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=WRCp1s3UaS8

Fonte: Michael Dease (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 29/06

Hugo Fattoruso (1943) – pianista, acordeonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=elzxnnO1-OI,

Ike Sturm (1978) – baixista,

Julian Priester (1935) – trombonista,

Mousie Alexander (1922-1988) - baterista,

Ralph Burns (1922-2001) – líder de orquestra, pianista,maestro,arranjador 

 

AMBER WEEKES CELEBRATES NANCY WILSON - ON HER NEW RELEASE 'A LADY WITH A SONG’ (Amber Inn Records)

Em “A Lady With A Song”, Amber Weekes homenageia uma de suas inspirações, Nancy Wilson, enquanto dava as boas-vindas a estrelas como os guitarristas Russell Malone e Paul Jackson Jr., os saxofonistas tenor Gerald Albright e Rickey Woodard e Justo Almario na flauta. Arranjado e produzido por Mark Cargill, que também toca violino, o programa abrangente apresenta a bela voz e o fraseado pessoal de Amber Weekes em seu momento mais expressivo.

Uma cantora de jazz memorável baseada no Sul da Califórnia, Amber Weekes sempre foi uma contadora de histórias que coloca muito coração e sentimentos honestos em suas interpretações de padrões superiores retirados de uma ampla variedade de fontes.

O mesmo pode ser dito de Nancy Wilson (1937–2018). A querida cantora foi descoberta por Cannonball Adderley (com quem fez um álbum clássico), gravou uma série de álbuns inspirados no jazz para a Capitol na década de 1960, teve grande sucesso no mundo pop, e foi um nome familiar influente durante seus últimos 50 anos.

Em sua homenagem a Nancy Wilson, Amber Weekes e seu produtor, arranjador e maestro, Mark Cargill escolheram canções do enorme repertório de Wilson, que transmite uma grande variedade de emoções e estilos. Com um grupo de fundo de primeira linha que em várias músicas inclui os pianistas Tony Campodonico e Andy Langham, os baixistas Jeff Littleton e John B. Williams e os bateristas Fritz Wise e Oscar Seaton, diversos instrumentos de sopro (em “Suppertime”) um coro gospel mais convidados como os guitarristas Russell Malone e Paul Jackson Jr. e os saxofonistas tenor Gerald Alright e Rickey Woodard, a vocalista cria algumas das suas performances mais inspiradoras.

Uma animada “My Gentleman Friend” inicia o programa de bom humor. A nova versão clássica de “Save Your Love For Me” tem ritmo leve de bossa e canto de Amber, que é suingante e comovente. Menos conhecidas são “A Lady With A Song” (gravadas por Wilson em 1989) e a canção de 1965“, Ten Good Years”, durante a qual Amber canta as letras rápidas com confiança.

 “Suppertime” de Irving Berlin que trata de um linchamento, é frequentemente higienizada em outras versões, mas Amber adicionou uma seção de palavras durante a interpretação, que ela explica francamente a situação horrível. Entre os outros destaques estão “What A Little Moonlight Can Do”, que a cantora atua um pouco mais devagar do que o normal, sua excelente interpretação da balada “Midnight Sun”, “Wave” de Antônio Carlos Jobim , que tem a contribuição de Cargill em um solo de violino, a música marca registrada de Nancy Wilson, “Guess Who I Saw Today”, que Amber consegue fazer para ela, e a bem-humorado “I’m Always Drunk In San Francisco”. “A Lady With A Song” conclui com uma feliz e determinada “The Best Is Yet To Come”, a balada sincera de Amber cantada em “You’re Gonna Hear From Me” e a animada valsa jazzística “Wasn’t It Wonderful”.

A última peça foi uma das músicas que Amber Weekes cantou para seus pais com sua irmã, quando ela era uma criança. Nascida e crescida em Los Angeles, Amber tem pais que foram vocalistas. Ela foi exposta desde cedo para todos os tipos de música, de Frank Sinatra e Ray Charles aos Beatles, Barbra Streisand, Motown, música clássica, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, e Billie Holiday. Uma vocalista profissional quando adolescente, ela tomou lições de Sue Raney por muitos anos. Amber trabalhou em praticamente todos os clubes do sul da Califórnia, além do Caesar’s Palace em Las Vegas, New Rochelle Jazz Festival, em Nova York, e no Hampstead Jazz Club em Londres. Suas gravações anteriores incluem ‘Round Midnight — Reimagined”, “Pure Imagination” e “The Gathering”.

Com o lançamento de “A Lady With A Song”, que apresenta Amber Weekes no seu melhor, um dos grandes nomes da atualidade presta homenagem a uma lenda.

Faixas: Gentleman Friend; Save Your Love For Me; A Lady With a Song; Ten Good Years; What a Little Moonlight Can Do; Midnight Sun; Suppertime; Wave; Guess Who I Saw Today; I’m Always Drunk in San Francisco; The Best is Yet To Come; You’re Gonna Hear From Me; Wasn’t It Wonderful.

Músicos: Amber Weekes (vocal); Russell Malone (guitarra); Paul Jackson Jr (saxofone tenor); Gerald Albright (saxofone alto); Rickey Woodard (saxofone tenor); Justo Almario (saxofone); Ray Monteiro (trompete); Mark Cargill (violino); Rashawn Ross (trompete); Tony Campodonico (piano); Jacob Scesney (saxofone barítono).

Fonte: Jim Eigo, Jazz Promo Services Source (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 28/06

Adrian Rollini (1904-1956) - saxofonista,vibrafonista,

Garoto (1915-1955) – violonista,

Jesse Stacken (1978) – pianista,

Jimmy Mundy (1907-1983) - saxofonista,

John Lee (1952) – baixista,

Hide Tanaka (1956) – baixista,

Paulinho Boca de Cantor (1946) – vocalista,

Pete Candoli (1923 - 2008) – trompetista,

Raul Seixas (1945-1989) – guitarrista,vocalista,

Tierney Sutton (1963) – vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zkqYTgcn5JA

 

MIRA TRIO – MACHINERIE (4DaRecord)

Miguel Mira tem sido um dos esteios da música improvisada nacional. Com o seu violoncelo original (a assumir funções de contrabaixo), foi um dos vértices do Motion Trio, com Rodrigo Amado e Gabriel Ferrandini, formação improvisadora que publicou seis álbuns marcantes entre 2009 e 2016 e deixou uma marca indelével na cena europeia. Outro dos seus projetos marcantes é o trio Flying Cellos, com os parceiros violoncelistas Helena Espvall e Fred Lonberg-Holm, que editou um álbum homônimo em 2023 (Weird Cry Records). Com Pedro Sousa e Afonso Simões formou o trio Rajada, que editou um álbum em 2018 (ed. Multikulti Project). E não tem parado de estabelecer colaborações e outras parcerias, com músicos como Rodrigo Pinheiro, Ulrich Mitzlaff, Bruno Parrinha, Ernesto Rodrigues, Carlo Mascolo e muitos outros.

O veterano violoncelista e mestre improvisador edita agora (finalmente!) o seu primeiro disco na condição de líder e, para esta sua estreia, Mira formou um trio com o baterista Felice Furioso e o saxofonista Yedo Gibson (dos MOVE). Com selo da  4DaRecord de João Madeira, cujo trabalho de edição tem sido muito consistente, o álbum Machinerie conta com uma pintura do líder violoncelista na imagem de capa do disco (de traço aguado, numa forma indistinguível). Dentro da rodela, o álbum é composto por dois longos temas, cada um com mais de 20 minutos: “Machinerie” e “Pedreira”. Com o violoncelo de Mora aliado à percussão nervosa de Furioso e ao saxofone febril de Yedo Gibson, nasce uma música trepidante, assente em improvisação criativa.

Não se trata de um típico álbum de free improv, nenhum dos músicos revela pressa de impor ideias. O disco arranca lentamente, com o homônimo “Machinerie”, num processo de exploração e pesquisa, permanentemente evolutivo. Os instrumentos vão entrando, explorando sons atípicos, texturas, dialogando, em processo de construção. Há momentos de encontro, embora, cada um dos músicos expresse a sua individualidade em diferentes alturas: o violoncelo em registo hipnótico, a partir dos sete minutos; o rugido do saxofone de Gibson a partir dos 12 minutos; a partir dos 14 minutos, o trio une-se em convulsão enérgica, mantendo-se no vermelho até quase ao final, apenas se dissolvendo nos últimos minutos da faixa.

O segundo tema, “Pedreira”, arranca novamente em clima tranquilo, near silence, em exploração microtonal, sem urgência; entre sussurros, a faixa evolui numa acumulação lenta de tensão; em alguns momentos a bateria de Furioso afirma-se, pujante, em conflito com a sutileza geral; mas o trio vai mantendo a toada discreta, marcada pela contenção, em intervenções individuais sem choques nem explosões. Para o final, a tema vai aumentando a intensidade, sem nunca rebentar, em contínua suspensão.

Neste disco, ao longo dos dois longos temas o trio Mira / Gibson / Furioso desenvolve um processo de comunicação musical de escuta atenta, onde o coletivo e o individual se vão alternando, abrindo alas à expressão discursiva de cada instrumento. Se o álbum leva assinatura de Mira, a música é profundamente democrática, com todos os instrumentos nivelados e equilibrados no processo de construção. Este é um manifesto de arrojo, liderado por Miguel Mira, músico veterano e figura central da improvisação lusa que merece o nosso reconhecimento.

Músicos: Miguel Mira— violoncelo; Yedo Gibson— saxofones; Felice Furioso— percussão.

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)