AMBER WEEKES CELEBRATES NANCY WILSON - ON HER NEW RELEASE 'A LADY WITH A SONG’ (Amber Inn Records)

Em “A Lady With A Song”, Amber Weekes homenageia uma de suas inspirações, Nancy Wilson, enquanto dava as boas-vindas a estrelas como os guitarristas Russell Malone e Paul Jackson Jr., os saxofonistas tenor Gerald Albright e Rickey Woodard e Justo Almario na flauta. Arranjado e produzido por Mark Cargill, que também toca violino, o programa abrangente apresenta a bela voz e o fraseado pessoal de Amber Weekes em seu momento mais expressivo.

Uma cantora de jazz memorável baseada no Sul da Califórnia, Amber Weekes sempre foi uma contadora de histórias que coloca muito coração e sentimentos honestos em suas interpretações de padrões superiores retirados de uma ampla variedade de fontes.

O mesmo pode ser dito de Nancy Wilson (1937–2018). A querida cantora foi descoberta por Cannonball Adderley (com quem fez um álbum clássico), gravou uma série de álbuns inspirados no jazz para a Capitol na década de 1960, teve grande sucesso no mundo pop, e foi um nome familiar influente durante seus últimos 50 anos.

Em sua homenagem a Nancy Wilson, Amber Weekes e seu produtor, arranjador e maestro, Mark Cargill escolheram canções do enorme repertório de Wilson, que transmite uma grande variedade de emoções e estilos. Com um grupo de fundo de primeira linha que em várias músicas inclui os pianistas Tony Campodonico e Andy Langham, os baixistas Jeff Littleton e John B. Williams e os bateristas Fritz Wise e Oscar Seaton, diversos instrumentos de sopro (em “Suppertime”) um coro gospel mais convidados como os guitarristas Russell Malone e Paul Jackson Jr. e os saxofonistas tenor Gerald Alright e Rickey Woodard, a vocalista cria algumas das suas performances mais inspiradoras.

Uma animada “My Gentleman Friend” inicia o programa de bom humor. A nova versão clássica de “Save Your Love For Me” tem ritmo leve de bossa e canto de Amber, que é suingante e comovente. Menos conhecidas são “A Lady With A Song” (gravadas por Wilson em 1989) e a canção de 1965“, Ten Good Years”, durante a qual Amber canta as letras rápidas com confiança.

 “Suppertime” de Irving Berlin que trata de um linchamento, é frequentemente higienizada em outras versões, mas Amber adicionou uma seção de palavras durante a interpretação, que ela explica francamente a situação horrível. Entre os outros destaques estão “What A Little Moonlight Can Do”, que a cantora atua um pouco mais devagar do que o normal, sua excelente interpretação da balada “Midnight Sun”, “Wave” de Antônio Carlos Jobim , que tem a contribuição de Cargill em um solo de violino, a música marca registrada de Nancy Wilson, “Guess Who I Saw Today”, que Amber consegue fazer para ela, e a bem-humorado “I’m Always Drunk In San Francisco”. “A Lady With A Song” conclui com uma feliz e determinada “The Best Is Yet To Come”, a balada sincera de Amber cantada em “You’re Gonna Hear From Me” e a animada valsa jazzística “Wasn’t It Wonderful”.

A última peça foi uma das músicas que Amber Weekes cantou para seus pais com sua irmã, quando ela era uma criança. Nascida e crescida em Los Angeles, Amber tem pais que foram vocalistas. Ela foi exposta desde cedo para todos os tipos de música, de Frank Sinatra e Ray Charles aos Beatles, Barbra Streisand, Motown, música clássica, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, e Billie Holiday. Uma vocalista profissional quando adolescente, ela tomou lições de Sue Raney por muitos anos. Amber trabalhou em praticamente todos os clubes do sul da Califórnia, além do Caesar’s Palace em Las Vegas, New Rochelle Jazz Festival, em Nova York, e no Hampstead Jazz Club em Londres. Suas gravações anteriores incluem ‘Round Midnight — Reimagined”, “Pure Imagination” e “The Gathering”.

Com o lançamento de “A Lady With A Song”, que apresenta Amber Weekes no seu melhor, um dos grandes nomes da atualidade presta homenagem a uma lenda.

Faixas: Gentleman Friend; Save Your Love For Me; A Lady With a Song; Ten Good Years; What a Little Moonlight Can Do; Midnight Sun; Suppertime; Wave; Guess Who I Saw Today; I’m Always Drunk in San Francisco; The Best is Yet To Come; You’re Gonna Hear From Me; Wasn’t It Wonderful.

Músicos: Amber Weekes (vocal); Russell Malone (guitarra); Paul Jackson Jr (saxofone tenor); Gerald Albright (saxofone alto); Rickey Woodard (saxofone tenor); Justo Almario (saxofone); Ray Monteiro (trompete); Mark Cargill (violino); Rashawn Ross (trompete); Tony Campodonico (piano); Jacob Scesney (saxofone barítono).

Fonte: Jim Eigo, Jazz Promo Services Source (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 28/06

Adrian Rollini (1904-1956) - saxofonista,vibrafonista,

Garoto (1915-1955) – violonista,

Jesse Stacken (1978) – pianista,

Jimmy Mundy (1907-1983) - saxofonista,

John Lee (1952) – baixista,

Hide Tanaka (1956) – baixista,

Paulinho Boca de Cantor (1946) – vocalista,

Pete Candoli (1923 - 2008) – trompetista,

Raul Seixas (1945-1989) – guitarrista,vocalista,

Tierney Sutton (1963) – vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=zkqYTgcn5JA

 

MIRA TRIO – MACHINERIE (4DaRecord)

Miguel Mira tem sido um dos esteios da música improvisada nacional. Com o seu violoncelo original (a assumir funções de contrabaixo), foi um dos vértices do Motion Trio, com Rodrigo Amado e Gabriel Ferrandini, formação improvisadora que publicou seis álbuns marcantes entre 2009 e 2016 e deixou uma marca indelével na cena europeia. Outro dos seus projetos marcantes é o trio Flying Cellos, com os parceiros violoncelistas Helena Espvall e Fred Lonberg-Holm, que editou um álbum homônimo em 2023 (Weird Cry Records). Com Pedro Sousa e Afonso Simões formou o trio Rajada, que editou um álbum em 2018 (ed. Multikulti Project). E não tem parado de estabelecer colaborações e outras parcerias, com músicos como Rodrigo Pinheiro, Ulrich Mitzlaff, Bruno Parrinha, Ernesto Rodrigues, Carlo Mascolo e muitos outros.

O veterano violoncelista e mestre improvisador edita agora (finalmente!) o seu primeiro disco na condição de líder e, para esta sua estreia, Mira formou um trio com o baterista Felice Furioso e o saxofonista Yedo Gibson (dos MOVE). Com selo da  4DaRecord de João Madeira, cujo trabalho de edição tem sido muito consistente, o álbum Machinerie conta com uma pintura do líder violoncelista na imagem de capa do disco (de traço aguado, numa forma indistinguível). Dentro da rodela, o álbum é composto por dois longos temas, cada um com mais de 20 minutos: “Machinerie” e “Pedreira”. Com o violoncelo de Mora aliado à percussão nervosa de Furioso e ao saxofone febril de Yedo Gibson, nasce uma música trepidante, assente em improvisação criativa.

Não se trata de um típico álbum de free improv, nenhum dos músicos revela pressa de impor ideias. O disco arranca lentamente, com o homônimo “Machinerie”, num processo de exploração e pesquisa, permanentemente evolutivo. Os instrumentos vão entrando, explorando sons atípicos, texturas, dialogando, em processo de construção. Há momentos de encontro, embora, cada um dos músicos expresse a sua individualidade em diferentes alturas: o violoncelo em registo hipnótico, a partir dos sete minutos; o rugido do saxofone de Gibson a partir dos 12 minutos; a partir dos 14 minutos, o trio une-se em convulsão enérgica, mantendo-se no vermelho até quase ao final, apenas se dissolvendo nos últimos minutos da faixa.

O segundo tema, “Pedreira”, arranca novamente em clima tranquilo, near silence, em exploração microtonal, sem urgência; entre sussurros, a faixa evolui numa acumulação lenta de tensão; em alguns momentos a bateria de Furioso afirma-se, pujante, em conflito com a sutileza geral; mas o trio vai mantendo a toada discreta, marcada pela contenção, em intervenções individuais sem choques nem explosões. Para o final, a tema vai aumentando a intensidade, sem nunca rebentar, em contínua suspensão.

Neste disco, ao longo dos dois longos temas o trio Mira / Gibson / Furioso desenvolve um processo de comunicação musical de escuta atenta, onde o coletivo e o individual se vão alternando, abrindo alas à expressão discursiva de cada instrumento. Se o álbum leva assinatura de Mira, a música é profundamente democrática, com todos os instrumentos nivelados e equilibrados no processo de construção. Este é um manifesto de arrojo, liderado por Miguel Mira, músico veterano e figura central da improvisação lusa que merece o nosso reconhecimento.

Músicos: Miguel Mira— violoncelo; Yedo Gibson— saxofones; Felice Furioso— percussão.

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)

 

 

 

 

ANIVERSARIANTES - 27/06

Bartosz Hadala (1977) – pianista,

Elmo Hope (1923-1967) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=mkp-rGW8LWU,

George Braith (1939) - saxofonista,

Johnny Big Moose Walker (1929-1999) – pianista,vocalista

Madeline Eastman (1954) – vocalista,

Magnus Broo (1965) – trompetista,

Santi Debriano (1955) - baixista 

 

JAKOB BRO - LIVEAT THE VILLAGE VANGUARD (Loveland Records)

O lendário guitarrista Jakob Bro revitalizou o romantismo contemplativo do som da ECM Records com o álbum "Taking Turns" do ano passado e continua sua cruzada em "Live at the Village Vanguard”. Sua estratégia é simples: um elenco diversificado, tanto em estilo quanto em geração, dedicado servilmente a uma trajetória dinâmica, como uma liga viscosa correndo violentamente no leito seco de um rio antigo. Neste caso, o molde é a memória duradoura de Paul Motian, principalmente representada pelo ex-companheiro de banda Joe Lovano, mas que assombra até mesmo as composições originais de Bro.

A primeira faixa é uma composição de Motian, "Abacus", de seu trio com Enrico Pieranunzi e Marc Johnson, intercalada com três composições inéditas. "Sound Creation Dug Abacus Pause", além de ser um nome complicado, é uma batalha sinistra e descompassada de vontades horripilantes. "Sound Creation" evoca a melancolia envolvente de "Taking Turns", com solos cheios de alma do saxofone tenor de Lovano e um duo de baixo deliciosamente dissonante de Larry Grenadier e Thomas Morgan. "Dug", embora difícil de definir cronologicamente, destaca-se pela mudança brusca do baixo e do próprio Bro. Grenadier e Morgan se encontram em uma vibração coesa e cinematográfica, enquanto a guitarra se torna percussiva, serpenteando em torno das baquetas de Jorge Rossy e Joey Baron. Um clímax sombrio é prenunciado e alcançado na composição de Motian, que recebe uma ameaça gótica diferente das versões anteriores da melodia. O baixo de AC brilha e queima sob as camadas corrosivas de Bro, para então retornar ao ritmo de Lovano, um torno elegíaco sobre a tagarelice latente.

No lado B, mais dois destaques do Bro: "Colors" e "Song to an Old Friend”. Uma rápida imersão em um misticismo suave define a primeira, talvez mais evidente em toda a carreira de composição de Bro, uma estranha batalha entre o bebop e o estilo clássico da ECM que sempre esteve no cerne de suas experimentações. Essas tensões são habilmente exacerbadas por Lovano na segunda faixa, que se destaca em contraste com o tom melancólico e arrastado de seu líder.

Os lados C e D também fazem referência direta a Motian com duas faixas de seu trio com Bill Frisell e o próprio Lovano, ambas com uma reverência sombria. "Once Around the Park", outro sucesso dos anos 90, tem um paralelo com a própria música da banda, "Once Around the Room". Como os nomes sugerem, este último é insular, íntimo, um arranjo de várias câmaras com solos e conversas estridentes. O primeiro é expansivo. A dedilhada rápida de Rossy e Baron mantém a performance dinâmica e urbana, enquanto Lovano e Bro são como artistas de rua, ouvidos com ardor por um instante antes de desaparecerem na obscuridade. Em "Room", o canto suave deles é despojado de acompanhamento e forçado a uma abstração solitária. É uma das inversões mais ousadas da memória recente.

"Mumbo Jumbo" encerra a noite. A composição é narrada como uma oração em grupo. Não uma oração silenciosa, com humildade altiva e cabeças baixas, mas uma oração após um sermão inflamado e cheio de indignação. A bateria e a seção rítmica lideram um estrondo tagarela com Bro atuando como um agitador impetuoso. A melodia notavelmente animada e agradável de Motian é transformada em uma canção de emoção pungente. Poderíamos considerá-la deslocada, já que parece encerrar o disco em meio a rasgos e lágrimas, mas, na verdade, reflete a angústia de uma lembrança, um confronto violento com a morte de um homem e os vestígios de sua música, empreendido por um grupo de admiradores e amigos.O último trabalho do Bro é um triunfo porque se abre ao fracasso e às estranhas inconsistências, que acompanham a homenagem.

Faixas: Sound Creation Dug Abacus Pause; Colors; Song To An Old Friend; Once Around The Park; Once Around The Room; As It Should Be; Mumbo Jumbo.

Músicos: Jakob Bro (guitarra); Joe Lovano (saxofone); Larry Grenadier (baixo acústico); Thomas Morgan (baixo acústico); Jorge Rossy (bateria); Joey Baron (bateria); AC (baixo elétrico).

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 26/06

Bill Cunliffe (1956) – pianista,

Dave Grusin (1934) – pianista,

Don Lanphere (1928-2003) - saxofonista,

Eric Leuthäuser (1996) – vocalista,

Gilberto Gil (1942) –violonista,vocalista,compositor (na foto e vídeo), http://www.youtube.com/watch?v=PSNlwlfw6DY,

Joey Baron (1955) - baterista,

Mathias Eick (1979) – trompetista,

Reggie Workman (1937) - baixista,

Robin Stine (1970) - vocalista 

 

JASON KAO HWANG - MYTHS OF ORIGIN

O violinista e compositor Jason Kao Hwang já trabalhou com grupos de todos os tamanhos, desde duos até orquestras completas. "Myths of Origin" é uma de suas peças de grande escala, uma obra imponente de 42 minutos para orquestra de cordas improvisada e bateria. A reprodução é contínua, mas a gravação a divide em nove seções.

A música começa lentamente, crescendo em uma massa fervilhante de cordas friccionadas com um leve toque de melodia asiática. A música evolui para uma densa nuvem de zumbidos acentuada por batidas isoladas de bateria de Andrew Drury e trechos solo de guitarra e violino. Quando a seção de "Multiply and Rise" começa, o som se solidificou em uma marcha ameaçadora, com um violino improvisando freneticamente um ritmo country no topo. Isso se espalha num deslizar diáfano que lembra as cordas do álbum orquestral da Mahavishnu Orchestra, "Apocalypse (Columbia, 1974)”, mas adornado com o rufar de tambores e pratos. Segue-se uma interação vibrante entre os violoncelos e a violinista Elena Moon Park, que culmina em batidas pesadas e abafadas e um arco suave em "Landmarks Vanish". A bateria e as violas estridentes dominam por um tempo, até que as guitarras entram com figuras circulares e cortantes, enquanto as cordas friccionadas criam um efeito giratório.

"Where Fools Fear" retorna brevemente à orquestração massiva e intensa. Então, o baixo e a bateria se acomodam em um ritmo lento e envolvente, com o calcanhar e a ponta do pé, e as cordas gradualmente aceleram o andamento. Um dos momentos mais marcantes é quando a guitarra de Che Chen vibra suavemente em contraste com as violas tocadas com arco por Ginger Dolden e Pete Lanctot. A batida lenta do rock retorna mais pesada e intensa em "Anthem of Knowing". À medida que a música avança para o fim, violinos solitários lamentam-se acima de um turbilhão crescente de som, que eventualmente recua num epílogo de baixo ressonante e violoncelo trêmulo.

Esta peça transcende todos os gêneros, misturando elementos de folk, música clássica, rock, funk e jazz em sua composição. A obra se move como uma estrutura sonora desajeitada, porém imponente, enquanto os músicos se unem com uma impressionante unidade de propósito. Esta é uma obra poderosa, uma das músicas mais pesadas que Jason Kao Hwang já criou.

Faixas; The Collapse of Gravity; Spin Fast and Burn; Multiply and Rise; Dust Gathers Around Sleep; Landmarks Vanish; Where Fools Fear; Ancestors of Light; Anthem of Knowing; Never Forgotten.

Músicos: Jason Kao Hwang (compositor / maestro); Charles Burnham (violino); Mark Chung (violin); Keir GoGwilt (violino); Elena Moon Park (violino); Johnna Wu (violino); Ginger Dolden (viola); Pete Lanctot (viola); Eric Salazar (viola); Kirin McElwain (cello); Anders Nilsson (guitarra elétrica); Hans Tammen (guitarra); Ken Filiano (baixo); Andrew Drury (bateria); gabby fluke-mogul, Rosi Hertlein, Gwen Laster, Ben Sutin, Tom Swafford (violino);Melanie Dyer, Judith Insell (viola); Dara Bloom, Lester St. Louis, Tomas Ulrich (cello); Che Chen(guitarra).

Fonte: Jerome Wilson (AllAboutJazz)