AVISHAI COHEN – BRIGHTLIGHT (Naïve)

Após ganhar exposição no trio de Chick Corea ao final dos anos 1990, Avishai Cohen pegou seu som acústico dramático de baixo misturado com música folclórica judaica, jazz, influências mundiais e clássicas e os entrelaçou em um estilo distinto e acessível. Este estilo e suas habilidades como showman e artista lhe deram reconhecimento global e uma ampla rede de influência, consolidando sua posição como um dos melhores baixistas de sua geração.

O israelense Cohen utilizou muitos formatos para apresentar suas composições sofisticadas, incluindo orquestras sinfônicas e quartetos de cordas. Ele também explorou suas habilidades vocais em Ladino e Hebraico. Ele parece estar mais em casa com um trio de piano. Seu álbum em trio, “Shifting Sands (Naïve Records, 2022)” foi aclamado e apresentado em muitas listas “dos melhores” de 2022. Este álbum apresentou a baterista Roni Kaspi e ele trouxe sua energia para “Brightlight” ao lado do pianista Guy Moskovich, que segue os passos dos pianistas anteriores do Avishai Cohen Trio, Shai Maestro, Elchin Shirinov e Nitai Hershkovits (sem pressão).

“Brightlight” combina novas composições, standards e retrabalhos de composições mais antigas. Estes trabalhos bem como uma introdução ao seu trabalho, mas aqueles que esperam o próximo passo de “Shifting Sands” podem ficar desapontados. O trio é incrementado em algumas faixas por músicos convidados, notavelmente o saxofonista Yuval Drabkin, que tem uma faixa que leva seu nome, assim como Kaspi.

A abertura maravilhosa, "Courage", inicia com o som de baixo característico de Cohen. Ele estabelece um balanço de condução e então muda de humor enquanto o sempre vibrante Kaspi constrói crescendos de bateria sobre a melodia de Moskovich. O papel do pianista nos trios de Cohen é frequentemente tocar progressões de acordes rítmicos memoráveis ​​e repetitivos, antes partindo para a improvisação, e isso é provado na intrigante faixa-título. "Hope" é uma das faixas estonteantes com excelente interação e contribuições significativas dos músicos convidados como o guitarrista Yosi Ben Tovim e o flautista Ilan Salem.

"Roni's Swing" é dedicada a Kaspi e tem todas as características dos trios de Cohen: balanço rítmico do piano antes de um solo fluido, o solo excelente do baixo de Cohen e as interjeições de Kaspi são uma navalha afiada. "Drabkin" tem o acompanhamento da rica melodia do sax de Drabkin. Um par de faixas antigas são revisitadas. Tomadas de “Shifting Sands”, "Hitragut" é aberta para acomodar uma parte de sax, mas perde um pouco do suíngue suave. "The Ever and Ever Evolving Etude" é uma pequena reformulação de "The Ever Evolving Etude" em “Gently Disturbed (Razdaz Recordz, 2008)”.

Três reinterpretações encerram o álbum. Um noturno de Franz Liszt, "Liebestraum", recebe uma bela transformação em tom de azul claro com trabalho fluido de Moskovich. "Summertime" de George Gershwin apresenta vocais de Cohen e ganha um novo ritmo e poderia ter sido uma escolha natural para terminar o álbum em alta. Em vez disto, uma lenta versão de baixo e de sax de "Polka Dots and Moonbeams" de Jimmy Van Heusen encerra o álbum em uma nota mais suave.

As composições e estilo de tocar refletem o amplo universo musical de Cohen e são muitas vezes estimulantes e intensas. Kaspi é nítido e poderoso por toda parte, Moskovich ajusta-se perfeitamente e o baixo firme de Cohen está fantástico. O álbum é testemunha da criatividade de Cohen e mostra a versatilidade e o dinamismo do seu trio.

Faixas: Courage; Brightlight; Hope; The Ever and Ever Evolving Etude; Humility; Drabkin; Roni's Swing; Hitragut; Liebestraum; Summertime; Polka Dots and Moonbeams.

Músicos: Avishai Cohen (baixo); Roni Kaspi (bateria); Guy Moskovich (piano); Yuval Drabkin (saxofone tenor); Yosi Ben Tovim (guitarra); Ilan Salem (flauta); Lars Nilsson (trompete); Hilel Salem (flugelhorn); Jakob Sollerman (trombone); Jenny Nilsson (vocal).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=XqMhRXIsUtk

Fonte: Neil Duggan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 04/10

Clay Jenkins (1964) - trompetista,

Duke Robillard (1948) - guitarrista,

Gary Brunotte ( 1948) – pianista,organista,

Greely Walton (1904-1993) - saxofonista,

Leon Thomas (1937-1999) - vocalista,

Mark Levine (1938) - pianista,

Matt Maneri (1969) – violinista,violista,

Ricardo Pontes(1947)- saxofonista,flautista,

Robert Hurst (1964) – baixista,

Skip Heller (1965) - guitarrista,

Stan Hasselgard (1922-1948) - clarinetista,

Steve Swallow (1940) – baixista (na foto e vídeo) http://www.guitar-tube.com/watch/john-scofield-steve-swallow,

Tony Jones (1953) – vocalista,

Walter Bishop Jr. (1927-1998) – piano
 

RAFAEL TORAL - TRAVELING LIGHT (Drag City)

A guitarra elétrica, recorde-se, nasceu no início da década de 1930, fruto das experiências de inventores e músicos que procuravam amplificar o som da acústica, para que pudesse sobreviver nas big bands e orquestras de jazz. Desde então é um instrumento que depende do processamento elétrico do som: amplificadores e pedais são parte indissociável da sua identidade, da sua história e da sua tradição.

A guitarra de Rafael Toral é, antes de mais, um meio de acesso ao som. O músico não a vê como um objeto com uma engenharia própria e com um repertório fixo de gestos e timbres - que deverá dominar tecnicamente para poder tocar, (mas também não os recusa) mas, em vez disso, como um gerador de possibilidades sonoras, uma máquina capaz de produzir multiplicidade.

O novo álbum de Rafael Toral, “Traveling Light” parte do som que já tinha desenvolvido no disco anterior (“Spectral Evolution”), mas propõe agora algo diferente: uma leitura pessoal de seis standards do jazz.

Usando o mesmo tipo de processamento do disco anterior, que transforma a guitarra numa espécie de orquestra que se move lentamente (lembrando a música orquestral do compositor John Luther Adams), Toral concretiza aqui uma ideia que antes se insinuava apenas como intenção. As canções escolhidas — “Easy Living”, “Solitude”, “Body and Soul”, “You Don’t Know What Love Is”, “My Funny Valentine” e “God Bless the Child” — surgem reconfiguradas num espaço entre o familiar e o desconhecido.

O disco começa com um som que recorda o canto de um pássaro, reminiscência do trabalho anterior, antes de a guitarra introduzir lentamente a progressão melódica da canção. Essas melodias, profundamente enraizadas na tradição jazzística, são aqui projetadas para um território novo: não desconstruídas, mas reconfiguradas sob outra lógica. Aumento da dimensão sonora de cada nota e expansão do tempo em que soa.

A escuta destas peças revela um “ciclo morfioso”, o abstrato serve a forma canônica, e esta, por sua vez, dissolve-se novamente na abstração. O resultado é uma música que soa simultaneamente terrena e extraterrestre: as harmonias conhecidas ganham contornos estranhos, as melodias afastam-se da sua função original e tornam-se ambientes sonoros autossuficientes. A música nunca é estritamente ambiental, pois está sempre dentro de uma forma melódica, mas ao mesmo tempo o contínuo sonoro leva-nos para esse tipo de sensação. A guitarra soa a uma grande orquestra em câmara lenta.

O compositor convida quatro músicos para solar em quatro dos temas, reafirmando assim a pertença da obra ao universo do jazz. José Bruno Parrinha oferece um solo tom waitsiano de clarinete em “Easy Living”; Rodrigo Amado, no saxofone tenor, aprofunda “Body and Soul”; Yaw Tembe, tal como Parrinha, usa um processo escuro no flugelhorn “You Don’t Know What Love Is”; e Clara Salero acrescenta leveza à flauta em “God Bless the Child”. Cada um destes gestos dialoga com o ambiente eletrônico e amplia a dimensão lírica do disco.

Na capa, regresso do tema dos aviões, um tema recorrente na obra de Rafael Toral (ex: “Sound Mind Sound Body”), mas desta feita presentes apenas enquanto memória deixada pelo rastro das suas luzes. O aparecimento das companhias low-cost prometeu uma democratização: pela primeira vez, o comum dos mortais podia voar, não em sonho, mas em tarifa. Mas, como em todos os pactos capitalistas, também aqui há um reverso: para que o voo seja “low”, o viajante tem de tornar-se leve. O título “Traveling Light” pode ser lido de vários modos. Sugere, antes de tudo, a arte de viajar leve. Partir sem bagagem, deixar o peso histórico para trás e seguir apenas com o som. Mas pode também significar uma luz que divaga.

“Traveling Light”, sugere algo análogo: viajar com o mínimo, libertando-se do peso do virtuosismo e da tradição para alcançar uma nova forma de estar em viagem e com isso uma nova maneira de ver o mundo. Aqui a viagem é para dentro música, revisitando torres Eiffel do jazz, através de um tempo, iluminação e carga diferente. Neste disco, as torres Eiffel, passam de razão a matéria para investigação.

É um disco sobe o tempo e sobre a luz. Pede ser ouvido num sistema que permita perceber as texturas e os detalhes dos sons. É música para quem gosta de ouvir música sem estar a fazer mais nada. É ao mesmo tempo transformação, referência e rutura.

Músicos: Rafael Toral— guitarra elétrica e processamento; Bruno Parrinha— clarinete; Rodrigo Amado— saxofone tenor; Yaw Tembe— flugelhorn; Clara Salero— flauta.

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)

 

ANIVERSARIANTES - 03/10

Adriana Calcanhotto (1965) – vocalista,

Albert Collins (1932-1993) – guitarrista,vocalista,

Booker Pitman (1909-1969) – clarinetista,

George Wein (1925-2021) – pianista,

Jacintha (1957) – vocalista,

Lee Konitz (1927 –2020) –saxofonista,

Marcos Nimrichter (1970) – pianista,acordeonista,

Mike Clark (1946) - baterista,

Nancy Harrow (1930) - vocalista,

Nate Wood ((1979) – baterista,

Niels Lan Doky (1963) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=6HgLKhIb5vQ,

Pierluigi Balducci (1971) - baixista,

Ronnie Laws (1950) - saxofonista,

Steve Reich (1936) – líder de orquestra,

Stevie Ray Vaughan (1954-1990) - guitarrista,

Sumi Tonooka (1956) – pianista,

Verônica Sabino (1960) – vocalista,

Von Freeman (1922- 2012) – saxofonista,

Zé Ramalho (1949) – vocalista
 

KIRK KNUFFKE – WINDOW (Royal Potato Family)

O cornetista Kirk Knuffke parece trabalhar com uma combinação diferente de músicos em cada gravação que faz. Desta vez, ele conta com a participação de Stomu Takeishi no baixo e Bill Goodwin na bateria, em uma sessão de trio minimalista que abrange uma ampla gama musical.

O álbum consiste em treze faixas curtas, que transitam entre vários estilos, com os três músicos demonstrando grande entrosamento entre si. "Choose" é um funk astuto com Knuffke tocando seu cornet com desenvoltura sobre o baixo cadenciado de Takeishi e a bateria precisa de Goodwin. Na música "Mr. Bill", com sua sonoridade típica do pântano, o líder emite relinchos sulistas, enquanto o ritmo se intensifica e oscila em resposta. "For Your Needing" combina solos de cornet embriagados com um baixo encorpado no estilo dub e cowbell (NT: O Dub é um gênero musical e estilo de produção que surgiu na Jamaica no final dos anos 60 e início dos 70, derivado do reggae, enquanto o Cowbell (cincerro) é um instrumento de percussão amplamente utilizado para adicionar camadas rítmicas em diversos gêneros musicais, incluindo o dub). "Ballad" é ​​uma peça silenciosamente abstrata onde o baixo de Takeishi borbulha sobre o trabalho de pratos de Goodwin, e "Carey" tem linhas de cornet comicamente embriagadas dançando sobre um baixo poderoso.

Uma característica única deste álbum é que Knuffke também canta em algumas faixas. Ele demonstra uma voz de barítono tranquila e vibrante, que combina perfeitamente com sua interpretação em "Window", baseada em um poema de Carl Sandburg, e em "A Little More So". Em outro momento, Bill Goodwin recita um poema de William Blake, "A Divine Image", que dá início à entoação de "Runs Red" por Knuffke, em um ritmo indígena americano, sobre graves profundos de sinos e percussão vibrante.

O som deste álbum é esparso, mas concentrado. Todos os três participantes contribuem igualmente para o impacto da música. As suas contribuições individuais são nítidas e combinam na perfeição. Este é mais um excelente exemplo da habilidade de Kirk Knuffke em reunir grupos fascinantes, e se ele quiser lançar um álbum totalmente vocal algum dia, esse sim valeria a pena ouvir.

Faixas: Choose; Gong Suite - Part 1; For Your Needing; Mr. Bill; A Divine Image; Runs Red; Ballad; Window; Gong Suite - Part 2; Heavy Times; Gong Suite - Part 3; Carey; A Little More So.

Músicos: Kirk Knuffke (trompete, cornet, voz); Stomu Takeishi (baixo); Bill Goodwin (bateria, gongo, recitação)

Fonte: Jerome Wilson (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 02/10

Alberto Rosenblit (1954) – pianista,

Chris Cawthray (1974) - baterista,

Django Bates (1960) – pianista,

Gaetano Partipilo (1974) - saxofonista,

Howard Roberts (1929-1992) - guitarrista,

Kirk MacDonald (1959) – saxofonista,

Lincoln Goines (1953) baixista,

Michel Leme(1971) – guitarrista,

Peter Evans (1981) - trompetista,

Phil Urso (1925-2008) – saxofonista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=WnG0Uf27ybQ

Prasanna Ramaswamy  (1970) - guitarrista,

Ronnie Ross (1933-1991) - saxofonista,

Steve Korn (1967) - baterista,

Wally Rose (1913-1997) - pianista 

 

DAN ROSENBOOM – COORDINATES (Orenda Records)

“Coordinates” é uma declaração artística madura e plenamente realizada do compositor, arranjador e virtuoso do trompete Dan Rosenboom. É um esforço enorme em vários sentidos. Por meio de um conceito imersivo centrado tanto no som como personagem quanto nas relações abstratas entre estruturas numéricas aplicadas ao tempo e ao balanço, Rosenboom criou um autorretrato que conecta diversos aspectos singulares de sua personalidade musical. O álbum reúne 28 dos melhores artistas musicais de Los Angeles, empregados em uma série de combinações pouco convencionais que permitem às composições explorar uma ampla gama de timbres instrumentais e atmosferas.

Desde 2014, Rosenboom está à frente do selo Orenda Records que, além de abrigar muitos de seus próprios lançamentos, conta com um catálogo de projetos de mente aberta e que transitam por diversos gêneros, vindos de todos os Estados Unidos e do exterior. Muitos destes mesmos músicos participam de “Coordinates”, incluindo colaboradores de longa data como o saxofonista Gavin Templeton, o pianista Joshua White, o trombonista Ryan Dragon, o tecladista Jeff Babko e o clarinetista Brian Walsh. No entanto, Rosenboom ampliou consideravelmente a formação neste projeto ao incorporar percussão mista, um quarteto de cordas, um septeto de metais e cerca de meia dúzia de solistas convidados. Como resultado, a visão de Rosenboom apresenta sua maior diversidade, com referências à música de câmara moderna, trilhas sonoras de cinema, música folclórica do Leste Europeu, technical death metal (NT: é um subgênero do death metal focado em altíssima habilidade instrumental, estruturas musicais complexas e velocidade extrema), rock progressivo e avant-jazz. Além disso, seu interesse por conceitos da mitologia, da numerologia e da astronomia desempenha um papel crucial na concepção desta música.

As "coordenadas" mencionadas no título e em cinco das nove faixas que compõem a obra marcam aspectos distintos da mente musical de Rosenboom. Ao ouvir as peças, é possível imaginar diversos locais que proporcionam uma experiência sensorial avassaladora. Há uma sensação extremamente vívida de profundidade e ambientação presente em cada uma delas. Embora muitas das características marcantes de Rosenboom (solos virtuosísticos, melodias extensas densas e angulares, intensidade crescente do conjunto) estejam presentes ao longo da obra, nuances sutis de sua abordagem se manifestam com maior liberdade em “Coordinates”, graças à instrumentação ampliada. Em particular, há uma dimensão cinematográfica na maneira como ele emprega a textura e o desenvolvimento de motivos, o que evidencia tanto a sua habilidade como compositor e curador sonoro quanto a sua destreza como um verdadeiro acrobata instrumenta. Assim como Anthony Braxton ou Karlheinz Stockhausen, a escrita de Rosenboom permite que suas obras sejam ouvidas como partes de um todo maior. De alguma forma, a estética que ele alcança em “Coordinates” consegue coexistir sendo austera e suingante na mesma medida. Qualquer estado de alteração mental em que o ouvinte possa estar ao assimilar os temas densos é bem equilibrado pelo caráter visceral e pela excelente execução de cada faixa.

O álbum começa com a faixa "Prisms, Mirrors, Portals", minimalista e vagamente ameaçadora, uma introdução meditativa que permite uma respiração breve, porém profunda, antes de mergulhar de cabeça no turbilhão que compõe o restante do disco. Grande parte da música se estrutura em torno de uma seção rítmica central formada pelo guitarrista Jake Vossler, pelo baixista Jerry Watts Jr. e pelo baterista Caleb Dolister, uma base que se mantém consistentemente pesada e ágil do início ao fim. Ao longo do caminho, as coisas ganham um ar peculiar ("Coordinate 1: Many Worlds, Many Dances"), distorcido ("Coordinate 2: Apophis") e ameaçador ("Oracles"), chegando até a ser relaxantes em alguns momentos ("Josephine's Dream"). Cada peça é envolvente e multidimensional, mesmo antes de o ouvinte considerar o nível extraordinário de destreza instrumental, que desafia os limites do possível, e a inventividade demonstrados por Rosenboom e seus colaboradores. Alguns destaques incluem os uníssonos de sopros graves e densos entre Walsh e Jon Stehney na faixa "Old Ghosts", bem como a performance explosiva e intensa de viola de Lauren Elizabeth Baba, inspirada na Mahavishnu Orchestra, em "Coordinate 4: Nemesis". A faixa de encerramento do conjunto, "Coordinate 5: Hyperion", é um hino instrumental que dispensa declarações solistas em favor de uma profunda afirmação final coletiva, permitindo a Rosenboom apresentar a totalidade de suas visões e estabelecer firmemente a relação entre todas as outras peças.

O último som de “Coordinates” é uma resposta contínua e persistente da guitarra fortemente distorcida de Vossler. Isso serve como um clímax perfeito para toda a sonoridade anterior, com uma sensação de atordoamento que faz imaginar como seria disputar todos os 15 rounds contra um campeão dos pesos-pesados. Trata-se de um conjunto inegavelmente impressionante de músicas meticulosamente elaboradas e estilisticamente diversas. É um gesto artístico arrebatador de Rosenboom, ambicioso, fantástico e, além disso, simplesmente divertido do início ao fim de sua duração enxuta de 41 minutos.     

Faixas: Prisms, Mirrors, Portals; Coordinate 1: Many Worlds, Many Dances; Coordinate 2: Apophis; Josephine's Dream; Coordinate 3: Syzygy; Coordinate 4: Nemesis; Oracles; Old Ghosts; Coordinate 5: Hyperion.

Músicos: Dan Rosenboom (trompete); Jake Vossler (guitarra); Jerry Watts Jr. (baixo); Caleb Dolister (bateria); Jeff Babko (sintetizador); Gloria Cheng (piano); Joshua White (piano); Wade Culbreath (percussão); Petri Korpela (percussão); Katisse Buckingham (flauta); Gavin Templeton (saxofone alto); Nicole McCabe (saxofone alto); Brian Walsh (clarinete); Jon Stehney (fagote); Laura Brenes (french horn); Katie Faraudo (french horn); Steve Suminski (trombone); Ryan Dragon (trombone); Steve Trapani (trombone baixo); Doug Tornquist (tuba);Wade Culbreath (vibrafone e marimba); Petri Korpela: (percussão, gongos, metallics, tamborim, shakers, conchas); Gavin Templeton (saxes alto e barítono); Jacqueline Kerrod ( harpa); Lauren Elizabeth Baba (viola); Miguel Atwood-Ferguson (violino elétrico de 5 cordas): Michael Valerio (contrabaixo);The Lyris Quartet [Alyssa Park (violino); Shalini Vijayan (violino; Luke Maurer (viola0; Timothy Loo (cello)].

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=qh77Ip8SfOs

Fonte: Max Kutner (AllAboutJazz)