MASABUMI KIKUCHI – HANAMICHI : THE FINAL STUDIO RECORDING VOL. II (Red Hook Records)

O pianista japonês Masabumi Kikuchi (1939–2015) conquistou reconhecimento graças aos álbuns lançados em seu próprio nome — mais de 30 discos — e ao trabalho com o baterista Paul Motian e o baixista Gary Peacock no grupo Tethered Moon. Mas ele merecia mais. Ele era um artista singular que trabalhava com uma dedicação inspirada, ainda que algo peculiar, típica de um músico de ofício, até florescer na fase final de sua carreira com dois álbuns excelentes pelo selo ECM Records: "Sunrise" (2009), um trabalho em trio com o baixista Thomas Morgan e o baterista Paul Motian, e "Black Orpheus" (2012), um álbum solo gravado ao vivo.

Nessa altura, sua carreira estava quase no fim (ele faleceu de câncer de pulmão em 2015), e ele havia encontrado a sua voz. Ele executava as notas de forma parcimoniosa e lenta. Era uma abordagem econômica, algo semelhante ao trabalho de Paul Bley em “Open, To Love (ECM Records, 1972)”. Suas peças improvisadas eram invocações. Suas interpretações dos clássicos eram reveladoras.

Lançado postumamente em 2016, “Hanamichi: The Final Studio Recording (Red Hook Records)” traz músicas de uma sessão de estúdio de 2013 produzida por Sun Chung, que fundou o selo Red Hook após dez anos de trabalho na ECM Records. Foi uma sessão excelente, captando Kikuchi tocando quando já havia alcançado a perspectiva que lhe permitia reduzir a música à sua pura essência, um estilo taciturno, situado além do tempo e do compasso, que possibilitava apreciar a beleza que ele estava criando.

Isso nos leva a “Hanimichi: The Final Studio Recordings Vol. II”, gravado na mesma sessão que o primeiro Hanamichi. Esta sequência é tão fascinante quanto a anterior, no uso de silêncios e na delicadeza do toque, justapostos a rompantes de loquacidade, empregados com parcimônia, bem como em sua sonoridade e harmonia etéreas.

Kikuchi apresenta quatro standards separados por três improvisações angulosas e de contornos abruptos. Ele trata o Grande Repertório Estadunidense como um bloco de argila maleável. "I Loves You Porgy" parece mais uma improvisação do que uma releitura de um standard, com fragmentos fugazes de melodia que a mantêm na órbita da familiaridade, ainda que por pouco. "Manhã de Carnaval" é uma peça de beleza singular, talvez melodicamente mais fiel ao original do que "Porgy", e "My Ship", de Kurt Weill, possui uma grandeza serena. As improvisações possuem uma qualidade de busca, impulsionada pela natureza curiosa de Kikuchi, que se vale daquilo que ele chamava de "originalidade reclusa".

Kikuchi era pouco convencional. Sua música vinha de sua alma, e sua alma era algo belo.

Faixas: Manhã de Carnaval; Improvisation II; Alone Together; Improvisation III; I Loves You Porgy; Improvisation IV; My Ship.

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 06/10

Ldson Galter(1980) – baixista,

Mark Whitfield (1966) – guitarrista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=1cb2E73s7b8 ,

Norman Simmons (1929) – pianista,

Roberto Gatto (1958) – baterista,

Roberto Sion(1946) – saxofonista,flautista,clarinetista,

Sammy Price (1908-1992) - pianista,

Steve Elmer (1941) - pianista 

 

IVO PERELMAN - ARMAGEDDON FLOWER (Tao Forms)

O pianista Matthew Shipp serve como ponto de apoio de “Armageddon Flower”, um quarteto fascinante que une duas bandas de longa data: o duo com o saxofonista tenor Ivo Perelman, e seu String Trio com o violista Mat Maneri e o baixista William Parker. No entanto, ninguém está preso a papéis anteriores. Cada um desses quatro instrumentistas colaborou em múltiplas formações ao longo das últimas três décadas. Portanto, são quatro figuras conhecidas, talvez, mas essa familiaridade não gera nem complacência nem previsibilidade. O que emerge é uma sessão ousada e explosiva, na qual a confiança se torna o catalisador para a volatilidade e a escuta profunda.

As quatro faixas extensas do álbum se desdobram com uma amplitude que convida à elasticidade estrutural. Os tempos mudam, as densidades aumentam e diminuem, e a banda explora um terreno que oscila entre o marcial, o meditativo e o lúdico, muitas vezes dentro de uma única peça. O quarteto alterna entre a intimidade frágil da música de câmara e a energia cíclica do free jazz, chegando até mesmo, ocasionalmente, a uma batida rítmica vigorosa, que se manifesta de forma mais explícita na faixa-título, com sua oscilação característica.

Perelman criou sua própria linguagem, especialmente em dueto com Shipp, mas suas invocações um tanto dissonantes encontram paralelo nas linhas assimétricas e melancólicas do violista. A paixão inerente aos seus gritos de súplica resulta num mundo sonoro em que a angústia e a decadência são apenas parcialmente atenuadas por uma beleza austera.

Em "Tree of Life", a passagem introdutória em dueto é especialmente cativante: deslizando entre as notas, envolvendo-se mutuamente numa invocação sombria e à cappella. Perelman emprega um melodismo austero, não enjoativo, mas utiliza seu característico registro de falsete com parcimônia, garantindo ainda mais impacto quando o faz. A interpretação melancólica de Maneri, pontuada por fragmentos do som do arco, amplifica ainda mais a ambiguidade emocional.

Shipp, por sua vez, atua menos como solista do que como um centro gravitacional, sustentando em vez de brilhar intensamente. Sua pontuação subjacente, às vezes estrondosa, frequentemente contida, molda a energia do conjunto e direciona seus arcos dinâmicos. Parker desempenha um papel complementar: ancorando o grupo com uma autoridade discreta, mas capaz de lançar contra-argumentos repentinos e mordazes que redirecionam a narrativa. Seu trabalho com o arco ao longo de toda a obra introduz um lirismo irregular, especialmente na faixa final, "Restoration", uma balada dilacerada por dissonâncias e abalada por ocasionais impactos, Antes da coda final de Shipp, majestosa e despojada, que oferece uma sensação de repouso conquistada com dificuldade.

A integração dos dois conjuntos está entre as mais bem-sucedidas de todos os participantes. A crueza e a imediaticidade de Perelman conferem ao String Trio uma clareza e uma franqueza frequentemente ausentes em suas obras mais abstratas, enquanto a densidade entrelaçada do trio aprofunda e refrata a intensidade linear do saxofonista. Assim, o projeto representa um testemunho do poder crescente das parcerias de longo prazo e da arte da improvisação não como caos, mas como comunhão.

Faixas: Pillar of Light; Tree Of Life; Armageddon Flower; Restoration.

Músicos: Ivo Perelman (saxofone tenor); Matthew Shipp (piano); Mat Maneri (viola); William Parker (baixo).

Fonte: John Sharpe (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 05/10

Bill Dixon (1925-2010) - trompetista,flugelhornista,

Clifton Anderson (1957) - trombonista,

Donald Ayler (1942) – trompetista,

Falkner Evan (1953) – pianista,

Hélio Alves (1966) – pianista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=uWFntha77DQ&list=PLB5232A2832B33EB2&index=3,

Jimmy Blanton (1918-1942) - baixista,

Luiz Alves(1944) – baixista,

Ronald Bruner Jr. (1947) – baterista,

Thomas Clausen (1949) – pianista,líder de orquestra,

Tord Gustavsen (1970) – pianista 

 

AVISHAI COHEN – BRIGHTLIGHT (Naïve)

Após ganhar exposição no trio de Chick Corea ao final dos anos 1990, Avishai Cohen pegou seu som acústico dramático de baixo misturado com música folclórica judaica, jazz, influências mundiais e clássicas e os entrelaçou em um estilo distinto e acessível. Este estilo e suas habilidades como showman e artista lhe deram reconhecimento global e uma ampla rede de influência, consolidando sua posição como um dos melhores baixistas de sua geração.

O israelense Cohen utilizou muitos formatos para apresentar suas composições sofisticadas, incluindo orquestras sinfônicas e quartetos de cordas. Ele também explorou suas habilidades vocais em Ladino e Hebraico. Ele parece estar mais em casa com um trio de piano. Seu álbum em trio, “Shifting Sands (Naïve Records, 2022)” foi aclamado e apresentado em muitas listas “dos melhores” de 2022. Este álbum apresentou a baterista Roni Kaspi e ele trouxe sua energia para “Brightlight” ao lado do pianista Guy Moskovich, que segue os passos dos pianistas anteriores do Avishai Cohen Trio, Shai Maestro, Elchin Shirinov e Nitai Hershkovits (sem pressão).

“Brightlight” combina novas composições, standards e retrabalhos de composições mais antigas. Estes trabalhos bem como uma introdução ao seu trabalho, mas aqueles que esperam o próximo passo de “Shifting Sands” podem ficar desapontados. O trio é incrementado em algumas faixas por músicos convidados, notavelmente o saxofonista Yuval Drabkin, que tem uma faixa que leva seu nome, assim como Kaspi.

A abertura maravilhosa, "Courage", inicia com o som de baixo característico de Cohen. Ele estabelece um balanço de condução e então muda de humor enquanto o sempre vibrante Kaspi constrói crescendos de bateria sobre a melodia de Moskovich. O papel do pianista nos trios de Cohen é frequentemente tocar progressões de acordes rítmicos memoráveis ​​e repetitivos, antes partindo para a improvisação, e isso é provado na intrigante faixa-título. "Hope" é uma das faixas estonteantes com excelente interação e contribuições significativas dos músicos convidados como o guitarrista Yosi Ben Tovim e o flautista Ilan Salem.

"Roni's Swing" é dedicada a Kaspi e tem todas as características dos trios de Cohen: balanço rítmico do piano antes de um solo fluido, o solo excelente do baixo de Cohen e as interjeições de Kaspi são uma navalha afiada. "Drabkin" tem o acompanhamento da rica melodia do sax de Drabkin. Um par de faixas antigas são revisitadas. Tomadas de “Shifting Sands”, "Hitragut" é aberta para acomodar uma parte de sax, mas perde um pouco do suíngue suave. "The Ever and Ever Evolving Etude" é uma pequena reformulação de "The Ever Evolving Etude" em “Gently Disturbed (Razdaz Recordz, 2008)”.

Três reinterpretações encerram o álbum. Um noturno de Franz Liszt, "Liebestraum", recebe uma bela transformação em tom de azul claro com trabalho fluido de Moskovich. "Summertime" de George Gershwin apresenta vocais de Cohen e ganha um novo ritmo e poderia ter sido uma escolha natural para terminar o álbum em alta. Em vez disto, uma lenta versão de baixo e de sax de "Polka Dots and Moonbeams" de Jimmy Van Heusen encerra o álbum em uma nota mais suave.

As composições e estilo de tocar refletem o amplo universo musical de Cohen e são muitas vezes estimulantes e intensas. Kaspi é nítido e poderoso por toda parte, Moskovich ajusta-se perfeitamente e o baixo firme de Cohen está fantástico. O álbum é testemunha da criatividade de Cohen e mostra a versatilidade e o dinamismo do seu trio.

Faixas: Courage; Brightlight; Hope; The Ever and Ever Evolving Etude; Humility; Drabkin; Roni's Swing; Hitragut; Liebestraum; Summertime; Polka Dots and Moonbeams.

Músicos: Avishai Cohen (baixo); Roni Kaspi (bateria); Guy Moskovich (piano); Yuval Drabkin (saxofone tenor); Yosi Ben Tovim (guitarra); Ilan Salem (flauta); Lars Nilsson (trompete); Hilel Salem (flugelhorn); Jakob Sollerman (trombone); Jenny Nilsson (vocal).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=XqMhRXIsUtk

Fonte: Neil Duggan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 04/10

Clay Jenkins (1964) - trompetista,

Duke Robillard (1948) - guitarrista,

Gary Brunotte ( 1948) – pianista,organista,

Greely Walton (1904-1993) - saxofonista,

Leon Thomas (1937-1999) - vocalista,

Mark Levine (1938) - pianista,

Matt Maneri (1969) – violinista,violista,

Ricardo Pontes(1947)- saxofonista,flautista,

Robert Hurst (1964) – baixista,

Skip Heller (1965) - guitarrista,

Stan Hasselgard (1922-1948) - clarinetista,

Steve Swallow (1940) – baixista (na foto e vídeo) http://www.guitar-tube.com/watch/john-scofield-steve-swallow,

Tony Jones (1953) – vocalista,

Walter Bishop Jr. (1927-1998) – piano
 

RAFAEL TORAL - TRAVELING LIGHT (Drag City)

A guitarra elétrica, recorde-se, nasceu no início da década de 1930, fruto das experiências de inventores e músicos que procuravam amplificar o som da acústica, para que pudesse sobreviver nas big bands e orquestras de jazz. Desde então é um instrumento que depende do processamento elétrico do som: amplificadores e pedais são parte indissociável da sua identidade, da sua história e da sua tradição.

A guitarra de Rafael Toral é, antes de mais, um meio de acesso ao som. O músico não a vê como um objeto com uma engenharia própria e com um repertório fixo de gestos e timbres - que deverá dominar tecnicamente para poder tocar, (mas também não os recusa) mas, em vez disso, como um gerador de possibilidades sonoras, uma máquina capaz de produzir multiplicidade.

O novo álbum de Rafael Toral, “Traveling Light” parte do som que já tinha desenvolvido no disco anterior (“Spectral Evolution”), mas propõe agora algo diferente: uma leitura pessoal de seis standards do jazz.

Usando o mesmo tipo de processamento do disco anterior, que transforma a guitarra numa espécie de orquestra que se move lentamente (lembrando a música orquestral do compositor John Luther Adams), Toral concretiza aqui uma ideia que antes se insinuava apenas como intenção. As canções escolhidas — “Easy Living”, “Solitude”, “Body and Soul”, “You Don’t Know What Love Is”, “My Funny Valentine” e “God Bless the Child” — surgem reconfiguradas num espaço entre o familiar e o desconhecido.

O disco começa com um som que recorda o canto de um pássaro, reminiscência do trabalho anterior, antes de a guitarra introduzir lentamente a progressão melódica da canção. Essas melodias, profundamente enraizadas na tradição jazzística, são aqui projetadas para um território novo: não desconstruídas, mas reconfiguradas sob outra lógica. Aumento da dimensão sonora de cada nota e expansão do tempo em que soa.

A escuta destas peças revela um “ciclo morfioso”, o abstrato serve a forma canônica, e esta, por sua vez, dissolve-se novamente na abstração. O resultado é uma música que soa simultaneamente terrena e extraterrestre: as harmonias conhecidas ganham contornos estranhos, as melodias afastam-se da sua função original e tornam-se ambientes sonoros autossuficientes. A música nunca é estritamente ambiental, pois está sempre dentro de uma forma melódica, mas ao mesmo tempo o contínuo sonoro leva-nos para esse tipo de sensação. A guitarra soa a uma grande orquestra em câmara lenta.

O compositor convida quatro músicos para solar em quatro dos temas, reafirmando assim a pertença da obra ao universo do jazz. José Bruno Parrinha oferece um solo tom waitsiano de clarinete em “Easy Living”; Rodrigo Amado, no saxofone tenor, aprofunda “Body and Soul”; Yaw Tembe, tal como Parrinha, usa um processo escuro no flugelhorn “You Don’t Know What Love Is”; e Clara Salero acrescenta leveza à flauta em “God Bless the Child”. Cada um destes gestos dialoga com o ambiente eletrônico e amplia a dimensão lírica do disco.

Na capa, regresso do tema dos aviões, um tema recorrente na obra de Rafael Toral (ex: “Sound Mind Sound Body”), mas desta feita presentes apenas enquanto memória deixada pelo rastro das suas luzes. O aparecimento das companhias low-cost prometeu uma democratização: pela primeira vez, o comum dos mortais podia voar, não em sonho, mas em tarifa. Mas, como em todos os pactos capitalistas, também aqui há um reverso: para que o voo seja “low”, o viajante tem de tornar-se leve. O título “Traveling Light” pode ser lido de vários modos. Sugere, antes de tudo, a arte de viajar leve. Partir sem bagagem, deixar o peso histórico para trás e seguir apenas com o som. Mas pode também significar uma luz que divaga.

“Traveling Light”, sugere algo análogo: viajar com o mínimo, libertando-se do peso do virtuosismo e da tradição para alcançar uma nova forma de estar em viagem e com isso uma nova maneira de ver o mundo. Aqui a viagem é para dentro música, revisitando torres Eiffel do jazz, através de um tempo, iluminação e carga diferente. Neste disco, as torres Eiffel, passam de razão a matéria para investigação.

É um disco sobe o tempo e sobre a luz. Pede ser ouvido num sistema que permita perceber as texturas e os detalhes dos sons. É música para quem gosta de ouvir música sem estar a fazer mais nada. É ao mesmo tempo transformação, referência e rutura.

Músicos: Rafael Toral— guitarra elétrica e processamento; Bruno Parrinha— clarinete; Rodrigo Amado— saxofone tenor; Yaw Tembe— flugelhorn; Clara Salero— flauta.

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)