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domingo, 31 de maio de 2026

DIEGO RIVERA - WEST CIRCLE (Posi-Tone Records)

Que fique claro que a Posi-Tone Records não investe seus recursos e empenho nos artistas em que acredita. Um exemplo disso é o volume de lançamentos que reúnem o saxofonista tenor/soprano Diego Rivera, o pianista Art Hirahara, o baixista Boris Kozlov e o baterista Rudy Royston. Nos últimos cinco anos, o número de discos em que dois ou mais desses artistas participam ultrapassou três dezenas. Uma amostra dos projetos inclui apresentações lideradas por todos eles, exceto Royston, gravações de outros artistas frequentes da Posi-Tone, como o vibrafonista Behn Gillece, o trompetista Josh Lawrence e o relativamente novato trombonista Altin Sencalar, além de bandas selecionadas pelo produtor Marc Free: Posi-Tone Swingtet, Blue Moods, Idle Hands e Out To Dinner. Coletiva e individualmente, independentemente do contexto, eles entregam resultados, sem demonstrar sinais de declínio de rendimento ou de subestimação mútua.

Logo após os lançamentos de "With Just A Word" e "Ofrenda" pela Posi-Tone em 2024, "West Circle", de Diego Rivera, representa o capítulo mais recente da admirável relação entre esses músicos. As composições de Rivera (7 das 10 faixas do disco) constituem um ponto de partida envolvente para as façanhas da banda. Na faixa-título, a seção rítmica funciona de forma eficaz sem definir um andamento rígido e evita enfatizar demais os ritmos, ajudando Rivera a causar um impacto profundamente espiritual. "Frida", inicialmente, se assemelha a uma balada e evolui para um suíngue vigoroso de andamento médio. Os sotaques travessos de Royston provocam e cutucam seu parceiro durante o refrão. Pronta para a pista de dança e repleta de sons que envolvem o espírito e a mente, "Cumbia", a joia da coroa do trabalho, engloba a herança mexicana-americana de Rivera e suas técnicas de jazz. Royston domina o ritmo da linha fresca e revigorante, utilizando um agogô com o volume e a ênfase exatos, executando batidas vigorosas na caixa, que complementam os contornos da música.

Hirahara oferece um apoio consistente e esclarecedor às improvisações de Rivera e, como sempre, se destaca como um solista fascinante. Durante um breve momento em que brilha em "Cumbia", ele evoca uma celebração ao executar combinações empolgantes e imprevisíveis de acordes assertivos e solos de uma única nota. Como sempre, o forte de Kozlov é impulsionar a banda de maneiras que mantêm a base da música intacta. Durante uma passagem fascinante de Hirahara em "Ebb And Flow", o baixista demonstra um dos vários exemplos em que não precisa se mover para gerar impulso. Por outro lado, uma linha de ritmo incansável e implacável faz a banda saltar durante a maior parte da música frenética de Rivera, "Both-Siding".

A capacidade de Rivera de produzir solos memoráveis ​​de forma consistente, que envolvem disciplina, estrutura e peso emocional, é evidente em todo o disco. A interpretação de "The Maze", de Herbie Hancock, soa determinada, mas sem ser opressiva, com tudo o que ele executa em perfeita harmonia. "Ebb and Flow", uma das duas faixas que apresentam seu saxofone soprano, captura o lado lírico da personalidade de Rivera: um desenvolvimento equilibrado e focado na melodia. Seu trabalho em "Frida" se mostra vigoroso e implacável, no bom sentido. Além de uma intensidade apaixonada e energia elevada constante, um senso subjacente de cálculo torna a performance coerente.

“West Circle” é uma adição valiosa à impressionante discografia de Rivera.

Faixas: West Circle; The Maze; Ebb And Flow; Both-Siding; Frida; Cumbia; Fungque; Debatable; Just Before Silence; Mr. Styx.

Músicos: Diego Rivera (saxofone tenor); Art Hirahara (piano); Boris Kozlov (baixo acústico); Rudy Royston (bateria)

Fonte: David A. Orthmann (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 31/05

Albert “Tootie” Heath (1935) - baterista,

Christian McBride (1972) – baixista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=sxNRkJIEYmw,

Claire Ritter (1952) – pianista,

Clint Eastwood (1930) – pianista,diretor e ator de cinema,

Ed Lincoln (1932) – pianista,

Eric Revis (1967) – baixista,

Greg Abate (1947) - saxofonista,

Louis Hayes (1937) - baterista,

Marty Ehrlich (1955) - clarinetista,flautista, saxofonista,

Matteo Brancaleoni (1981) – vocalista,

Otto Hardwicke (1904-1970) - saxofonista,

Paulinho DaCosta (1948) - percussionista,

Red Holloway (1927-2012) – saxofonista,

Simone Caymmi (1958) - vocalista 

 

sábado, 30 de maio de 2026

JOSÉ DIAS - STRANGE BIRDS (Sintoma / Elastic Stage)

Antes de mais, fica a declaração de interesse: José Dias tem sido colaborador da jazz.pt e em 2024 desenvolveu em parceria conosco a série podcast Jazz Fest (que continua disponível). Sendo impossível assumirmos absoluta isenção e imparcialidade, este texto terá uma função sobretudo informativa e descritiva.

Guitarrista e investigador português, José Dias reside há largos anos no Reino Unido e, desde 2013, vem consolidando uma discografia sólida entre o jazz e a improvisação; confirmam-no os discos 360, Magenta, What Could Have Been, After Silence (2 volumes), Live at SMUP, Correspondence (2 volumes em duo com Francesca Naibo) e Almost Like A Song (com Christopher Hobbs). Em paralelo, tem desenvolvido vários estudos, realizou o documentário Those who make it happen (curta-metragem) e publicou os livros Jazz In Europe: Networking and Negotiating Identities (Bloomsbury, 2019) e Festa do Jazz (INCM, 2020). Em maio deste ano apresentou o projeto 25 em 25 / Revolução Portuguesa Revisitada, uma encomenda do Consulado Português em Manchester para assinalar os 50 anos da revolução de Abril; atuou no Manchester Jazz Festival num quarteto inédito com Maria Fonseca (trompete), Juliana Mendonça (contrabaixo) e Johnny Hunter (bateria). Mais recentemente, Dias juntou-se ao saxofonista norueguês Petter Frost Fadnes num novo projeto em duo, Playing the Space, que será apresentado ao vivo em várias cidades do Reino Unido nos meses de novembro e dezembro, propondo «uma exploração da relação entre som, espaço e memória, através de uma linguagem musical improvisada, crua e exploratória».

Este novo disco, “Strange Birds”, resulta de uma edição conjunta da lusa Sintoma Records com a Elastic Stage. O álbum foi gravado em Coventry por Dias ao leme de um quarteto: ao guitarrista juntaram-se a pianista brasileira Ana Fridman e os britânicos Joshua Vadiveloo (contrabaixo) e Johnny Hunter (bateria e glockenspiel (NT: é um instrumento de percussão idiofone, composto por barras de metal afinadas e dispostas como um teclado, que produz sons agudos, brilhantes e estridentes ao ser percutido por baquetas). Segundo o guitarrista, este trabalho — o seu 10.º álbum – explora, através da improvisação livre, as memórias de infância e as diferenças culturais. Editado em versão digital (streaming) e vinil, as duas edições têm alinhamentos diferentes. Na versão digital, o disco abre com uma suíte dividida em três movimentos: começam por se destacar piano e a voz de Fridman, acompanhados da pulsão rítmica; a guitarra só se assume a meio do tema; e ouvem-se efeitos curiosos na parte final; no segundo movimento é o contrabaixo quem abre, novamente com a voz em destaque e a guitarra a soar atmosférica; e o ciclo inicial fecha num tema em que piano e guitarra assumem o desenho do tema. “The Playground” soa a jogo de rato e do gato, com os instrumentos em contínua (e acelerada) perseguição. Em “Ana’s Water Games” é o piano pingado que se assume, em repetição minimal. O contrabaixo de Vadiveloo abre “Hedgy, Joshua's Hedgehog”, depois com a voz a tomar conta. Em “José’s Scalextric F1 Set” é a guitarra que define as linhas, enquanto que a fechar (“Johnny’s Legos”) é a vertigem rítmica de Hunter que marca o tema. Sendo obra de guitarrista, não é a guitarra que está ao centro: esta é uma música democrática, partilhada por todos os intervenientes em doses equilibradas; e também não se adivinha o seu destino, segue direções imprevisíveis.

Faixas

1 Three Movements, Pt. 1 (feat. Ana Fridman, Joshua Vadiveloo & Johnny Hunter)

2 Three Movements, Pt. 2 (feat. Ana Fridman, Joshua Vadiveloo & Johnny Hunter)

3 Three Movements, Pt. 3 (feat. Ana Fridman, Joshua Vadiveloo & Johnny Hunter)

4 The Playground

5 Ana's Water Games

6 Hedgy, Joshua's Hedgehog

7 Jose's Scalextric F1 Set

8 Johnny's Legos

 Músicos: José Dias— guitarra; Ana Fridman— piano, voz; Joshua Vadiveloo— contrabaixo; Johnny Hunter— bateria, glockenspiel.

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)

 

 

ANIVERSARIANTES - 30/05

Alexa Tarantino (1992) – saxofonista,

Ann Hampton Callaway (1959) – vocalista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=8iXMVZ8N8gA&feature=artist,

Armando Peraza (1924) – percussionista,

Benny Goodman (1909-1986) - clarinetista,

Chuck Manning (1958) –saxofonista,

Darrell Grant (1962) – pianista,

Dave McKenna (1930-2008) - pianista,

Frank Rosaly (1974) – baterista,

Frankie Trumbauer (1901-1956) - saxofonista,

Mala Waldron (1958) – vocalista,

Marco Tamburini (1959) – trompetista,

Paulinho Trompete (1950-2019) – trompetista,

Randy Napoleon (1977) – guitarrista,

Sidney DeParis (1905-1967) - trompetista,

Willie Garnett (1933) – saxofonista, líder de orquestra

 

sexta-feira, 29 de maio de 2026

GEORGE COLEMAN - GEORGE COLEMAN WITH STRINGS (HighNote Records)

O saxofonista tenor George Coleman decidiu deixar a órbita do trompetista Miles Davis em 1964. Ou então levou uma cotovelada nas costelas e uma pancada no quadril para sair do quinteto, sendo substituído por Wayne Shorter no saxofone. O grupo que contava com Coleman lançou três álbuns ao vivo de altíssima qualidade: “In Europe: Live at the Antibes Jazz Festival (1964)”; “My Funny Valentine: In Concert (1965)” e “Four and More: In Concert (1966)”, todos pela Columbia Records. Adicionando o álbum de estúdio "Seven Steps to Heaven (Columbia, 1963)”, encerra-se assim a colaboração entre Coleman e Davis. Cada um dos instrumentistas de sopro seguiu seu próprio caminho: Davis formou seu segundo Grande Quinteto com Shorter, o pianista Herbie Hancock, o baixista Ron Carter e o jovem e talentoso baterista Tony Williams, e Coleman construiu uma prolífica carreira como líder e músico de apoio.

Enquanto a fama e a fortuna de Davis explodiram com o Segundo Grande Quinteto, seguido por “In A Silent Way (Columbia, 1969)”, “Bitches Brew (Columbia Records, 1970)” e muito mais, Coleman seguiu sua carreira de forma constante na tradição, com um perfil relativamente discreto (comparado a Davis) e uma abordagem de gosto refinado ao jazz que o levou a uma longa e bem-sucedida jornada, culminando, já perto dos noventa anos, em um álbum gravado em estúdio com um quarteto principal e uma orquestra de cordas de dez músicos: “George Coleman With Strings”.

O jazz com cordas tem uma longa história, que começa com o álbum "Charlie Parker With Strings" do saxofonista alto Charlie Parker, lançado originalmente em 1950 pela Mercury Records em dois discos de dez polegadas (o álbum de 12 polegadas ainda não existia). Isto iniciou uma tendência. Os trompetistas Clifford Brown e Chet Baker também aderiram à tendência com álbuns de cordas. Fizeram o mesmo os saxofonistas Stan Getz, Coleman Hawkins e Ben Webster.

Existem obras-primas, antigas e novas, do gênero. “George Coleman With Strings” se encaixa nessa categoria. Desde as notas iniciais de "Dedicated to You", de Sammy Cahn, Coleman exibe sua elegância característica, um timbre rico e aveludado e uma graça suingada e natural, repleta de surpresas em cada frase que toca, uma abordagem inigualável que eleva o padrão para os demais saxofonistas a um patamar estratosférico. As sete faixas deste conjunto de standards incluem duas versões de "Ugly Beauty", de Thelonious Monk, e mais duas de "A Time for Love", de Johnny Mandel Coleman e seu quarteto estão imersos nos arranjos de cordas magníficos e exuberantes de Bill Dobbins, e, em três músicas, juntam-se a eles a vibrante percussão mágica de Café Da Silva.

Perfeitamente sequenciados, os 36 minutos de música primorosa — uma longa gravação para os dois discos de 10 polegadas de Charlie Parker, curta para os CDs atuais e ideal para os discos de 12 polegadas — fluem com uma qualidade hipnotizante e suave. Isso é tão belo quanto a música pode ser. Miles Davis pode ter cometido um erro ao deixar George Coleman escapar. Uma formação com Davis tocando trompete, Wayne Shorter e Coleman no saxofone ao lado do líder poderia ter rendido ótimos resultados.

Faixas: Dedicated To You; Moment To Moment; Stella By Starlight; A Time For Love; Ugly Beauty; A Time For Love; Ugly Beauty.

Músicos: George Coleman (saxofone tenor); David Hazeltine (piano); John Webber (baixo acústico); Café Da Silva (percussão); Bill Dobbins (maestro e arranjos de cordas).

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES -29/05

Dan Stern (1973) – saxofonista,

David 'Bubba' Brooks (1922-2002) – saxofonista,

Dick Hafer (1927) - saxofonista,

Emanuele Cisi (1964) – saxofonista,

Eugene Wright (1923) - baixista,

Freddie Redd (1928-2021) - pianista,

Hilton Ruiz (1952-2006) - pianista,

Jim Snidero (1958) - saxofonista,

Joe Berger Myhre (1984) – baixista,

Joe Stilgoe (1979) – pianista,vocalista,

Lynne Arriale (1957) – pianista,

Kenny Washington (1958) – baterista,

Maurício Eihorn (1932) – gaitista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=DV1HyYY0nB0,

 Michael Kocour (1963) – pianista,

Ned Otter (1959) – saxofonista,

Rick Germanson (1972) – pianista,

Ron Levy (1951) - organista,pianista,

Sandy Mosse (1929-1983) – saxofonista,

Sean Jones (1978) – trompetista,

Wycliffe Gordon (1967) - trombonista 

 

quinta-feira, 28 de maio de 2026

JOE SANTA MARIA & DAVID TRANCHINA - OBLIQUE RHYME (Orenda Records)

O desenvolvimento integral do jazz pós-anos 70 não tem nada a ver com instrumentos, estilo de execução ou princípios de composição. Após o auge do bebop ter diminuído gradualmente, com seus praticantes se mantendo fiéis à tradição ou migrando para outros gêneros populares, a necessidade de um repertório hierárquico produzido em estúdio pareceu desaparecer com ele. É verdade que o modelo de líder de banda mantém sua popularidade hoje em dia, mas cada vez mais músicos independentes e revolucionários se voltam para uma compreensão mais anárquica do grupo de jazz, valorizando a polifonia e a autodeterminação acima da sinfonia e da coesão. Os resultados, especialmente em projetos mais convencionais, são frequentemente irregulares e desordenados, mas inigualáveis ​​em intimidade. O público ouve em gritos confiantes o que artistas antes só podiam sussurrar.

“Oblique Rhyme”, do saxofonista Joe Santa Maria e do baixista David Tranchina, é tão ousada e multifacetada quanto qualquer uma dessas obras. Embora os dois sejam os artistas principais do disco, basta dar uma olhada na lista de músicas para perceber que seus objetivos são de profunda colaboração. Eles são acompanhados pelo pianista Gary Fukushima e pelo baterista Colin Woodford. Cada músico compõe pelo menos uma faixa, uma escolha rara e exigente quando os artistas têm estilos radicalmente diferentes. É tão caótico quanto se poderia esperar, ousado e obscuro em sua variada coleção de influências, do hard bop a New Age da ECM — mas nenhuma dessas características é totalmente indesejável

Na verdade, é uma ótima opção para ouvir numa noite agradável, acima de tudo. Esses quatro músicos, no auge de sua capacidade de composição e técnica coletiva, passam uma sessão examinando e analisando minuciosamente o trabalho de seus colegas, cutucando-os como se fossem feridas, ansiosos para deixar transparecer as facetas ocultas da peça.

A maioria das faixas foi escrita por Santa Maria. Ele proclama Ornette Coleman como uma grande influência em suas composições, e embora certamente haja frases extraídas do funk afiado da obra de Coleman na era de "Of Human Feelings", seu estilo musical mergulha ainda mais nos riffs (NT: é uma sequência curta e marcante de notas, acordes ou um padrão rítmico que se repete ao longo de uma música, servindo como base melódica ou harmônica, muito comum no Rock, Blues e Metal) orgiásticos e açucarados de Art Pepper. Ele está de pé e direto ao ponto, exalando blues e texturas ainda mais suaves perto dos extremos da música, habilmente intensificadas pela conversa peculiar de Woodford. "War Crime" é uma introdução estranha e sufocante ao disco, com metais e baixo em seu frenético auge, enquanto a faixa posterior "Caricature" adentra ainda mais o território modal, adicionando um tom plangente ao dadaísmo desenfreado de Santa Maria.

"Mood of Mind" e "Prism" levam Santa Maria ainda mais para um território obscuro da Nova Era. As duas faixas foram compostas como pequenos exercícios aproximadamente no mesmo período, revelando tons mais ambientais que o grupo pôde explorar. Fukushima e Woodford parecem um pouco perdidos nessas gravações, aparentemente sem muito o que explorar nas seções intermediárias, embora a execução contemplativa de Tranchina seja imperdível. Piano e bateria têm seu momento triunfante em "Sum Thymes", composta por Fukushima, talvez a obra mais abstrata do álbum. Fukushima se entrelaça com Woodford em uma série de miniestruturas inteligentes flutuando no ar, enquanto seus determinados companheiros de banda voam e gritam para alcançá-los.

As faixas de Tranchina são de longe as mais gratificantes, mesmo permitindo que o baixista assuma um papel secundário. Sua primeira música, "Hidden Lake", é um adágio simples e leve, focado em um trabalho de arco arrastado para complementar o canto elegíaco de Santa Maria. Em "Ambient Ambiance", o ouvinte é presenteado com um trabalho de sintetizador impressionante de Fukushima, não muito diferente do que se espera de uma trilha sonora particularmente experimental de Vangelis, enquanto Tranchina, acertadamente, se mantém fiel ao básico em sua própria execução. A faixa que encerra o disco, "Picking Up the Pieces", é melancólica ao extremo, impregnada de blues, mas sem jamais sacrificar as tendências vanguardistas e rebeldes de Woodford e Fukushima, resultando em alguns diálogos empolgantes entre percussão e saxofone. As obras de Tranchina mantêm traços suaves e cores amenas para incentivar seus companheiros de banda. Por sua vez, é uma alegria acompanhar seus rabiscos pela página, agora mais encorajados pela estrutura igualitária do grupo. Os resultados transcendem o surrealismo e se configuram como exorcismos emocionais precisos, como crianças finalmente instruídas a desenhar fora das linhas.

Faixas: War Crimes; Hidden Lake; Mood of Mind; Sum Thymes; Prism; Ambient Ambiance; This Must Be For You; Caricature; Picking Up the Pieces

Músicos: Joe Santa Maria (saxofone alto); David Tranchina (baixo); Gary Fukushima (piano, sintetizador); Colin Woodford (bateria)

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)