THE SCOTT SILBERT QUARTET - DREAM DANCING

O ano de 2025 marcou o centenário de nascimento de John Haley Sims, conhecido mundialmente por seu apelido singular, Zoot, um colosso do saxofone que deixou este mundo cedo demais, em março de 1985. No entanto, embora a presença física de Zoot não esteja mais entre nós, seu espírito inigualável permanece vivo em “Dream Dancing”, uma homenagem maravilhosa prestada pelo saxofonista e admirador de Sims, Scott Silbert, e seu quarteto magistral.

Embora seja indiscutível que houve apenas um Zoot Sims, um talento raro, cujo vasto repertório de improvisos cativantes e senso inigualável de tempo e balanço estabeleceram o padrão de excelência para saxofonistas de sua geração e das seguintes, há momentos em "Dream Dancing" nos quais Silbert soa impressionantemente parecido com seu ídolo, especialmente em sua própria composição, "Blues for Louise" (homenagem à esposa de Sims, Louise). Embora a sonoridade de Silbert seja um pouco mais pesada do que a de Zoot em sua fase clássica, aproximando-se mais daquela que Sims apresentava em seus últimos anos, seu tempo é impecável, e suas improvisações, precisas a ponto de fazer até mesmo o mais entendido admirador de Sims parar e prestar atenção redobrada.

Há treze músicas ao todo, várias das quais Sims tocava com frequência, e outras que simplesmente combinam com seu estilo de swing. O standard "You Go to My Head" era um dos favoritos em particular, assim como "Dream Dancing" (Sims chegou a gravar um álbum com esse título), "All Too Soon", "Louisiana", "Deep in a Dream" e "Shadow Waltz". Ele pode ou não ter tocado "Round My Old Deserted Farm", de Willard Robison, "Low Life", de Johnny Mandel, ou a animada "Wee Dot", de J.J. Johnson, e talvez não tivesse intimidade com a graciosa "Ballad for Very Tired and Very Sad Lotus Eaters", de Billy Strayhorn, faixa que está incluída aqui. Silbert toca saxofone tenor em todas as faixas, exceto uma, passando para o soprano na descontraída "Someday Sweetheart".

"Blues for Louise" é um dueto com a baixista Amy Shook, integrante da excelente seção rítmica do quarteto, cujos outros membros são os irmãos Robert Redd, no piano, e Chuck Redd, na bateria. Embora Sims tenha se apresentado com um grande número de seções rítmicas renomadas e consagradas, é pouco provável que qualquer uma delas fosse visivelmente mais competente ou afinada do que este trio. Shook e os irmãos Redd mantêm uma sonoridade deliciosa, ao estilo de Sims, em todas as faixas, oferecendo a Silbert um acompanhamento preciso e incansável.

Quanto a Silbert, ele reafirma sua lealdade inabalável a Zoot Sims em cada faixa, revivendo assim o coração e a alma de um dos saxofonistas de jazz mais carismáticos e criativos que já existiram. O Zoot teria adorado isso, e é quase certo que você também vai.

Faixas: Dream Dancing; Louisiana; It’s That Ole Devil Called Love; Deep in a Dream; All Too Soon; You Go to My Head; Blues for Louise; Someday Sweetheart; Low Life; Round My Old Deserted Farm; Shadow Waltz; Ballad for Very Tired and Very Sad Lotus Eaters; Wee Dot.

Músicos: Scott Silbert (saxofone tenor); Robert Redd (piano); Amy Shook (baixo acústico); Chuck Redd (vibrafone).

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

 

DAVID MURRAY – HOPE SCOPE (Black Saint)

Não deve haver dúvidas quanto à posição de David Murray. Desde a morte de Eddie Harris, ele é o melhor saxofonista tenor do jazz, indiscutivelmente um dos líderes de banda mais prolíficos da era moderna. Ele se destaca entre os poucos instrumentistas de sopro que trabalham para redefinir a qualidade sonora de seus instrumentos. Ao analisar qualquer obra de Murray, percebe-se que ele se define por uma paleta sonora altamente ambiciosa e multitradicional, além de um emocionalismo arrebatador que revela sua inteligência perspicaz. Ele é um alvo em movimento veloz, tão rápido, aliás, que o ouvinte não percebe que é ele quem está na mira. A era do Octeto de Murray, que se estende do início dos anos 1980 até os anos 2000, é um período particularmente fértil para suas experimentações. “Hope Scope”, lançado originalmente em 1991 e relançado em 2025 pela gravadora Black Saint, este álbum introduz o pianista virtuoso Dave Burrell ao grupo, alterando radicalmente a sonoridade, que já era bastante experimental. Em comparação com o estilo vanguardista e performático dos ex-membros Anthony Davis e Curtis Clark, Burrell se mostra reservado e dramaticamente intencional, uma banda tão grande quanto a de Murray raramente soou tão intimista quanto em "Ben", um drama sinuoso de blues envolvente dedicado a Ben Webster. O piano avança com um ritmo contagiante, impulsionando a grandiosidade de Murray e dos metais de Hugh Ragin e Rasul Siddik em arranjos únicos e vibrantes.

Seria uma omissão imperdoável não elogiar também o trombonista Craig S. Harris. Sua composição "Same Places New Faces", uma épica e pungente obra de bebop que, assim como "Alamode" de Curtis Fuller na era Messenger, desenvolve plenamente o potencial do instrumento para improvisações intensas, tão vertiginosas e desconcertantes quanto suas contrapartes mais palatáveis. As frases se afogam em excessos pantanosos, interrompidas apenas pelos grasnidos carnavalescos de Murray e companhia, em uma provocação deliberada.

Se existe algo que define um bom líder de banda, é saber onde e quando cutucar. Murray se encaixa perfeitamente, é claro. Nenhum artista fica sem desafio em nenhuma faixa, por mais aparentemente monótona que seja a composição, mas ele não cutuca, ele apunhala. Na faixa-título, uma masmorra imponente construída a partir dos tremores aracnídeos de Wilber Morris, certos trechos de saxofone podem soar grosseiros ao ouvinte, como um tolo interrompendo uma conversa sem relação com o assunto. Ele é talvez até grosseiro, levando a banda para divagações irrelevantes e ameaçando arruinar todo o som. Em "Lester" e "Thabo", ele age como um agente desestabilizador constante em uma ode que, de outra forma, seria comovente, catapultando-a para uma estranha feiura, uma feiura que só enriquece a faixa por sua contemplação. O octeto é formado pelos músicos mais iconoclastas e inteligentes do gênero, aqueles tentados a se entregar indefinidamente a experimentos harmônicos, como cientistas confinados em um laboratório por dias a fio. Murray injeta o mundo de volta na música, temperando esses experimentos com o mistério e a vivacidade tão necessários. Mesmo cerca de três décadas após o lançamento original, o disco ainda conserva aquele aroma nauseante, mas necessário, a visão de grande estudo e grande diversão em conjunto.

Faixas: Ben (For Ben Webster); Same Place New Faces; Hope Scope; Lester (For Lester Young); Thabo.

Músicos: David Murray (saxofone tenor, clarinete baixo); Hugh Ragin (trompete); James Spaulding (saxofone alto); Ralph Peterson (bateria); Rasul Siddik (trompete); Craig Harris (trombone); Dave Burrell (piano, voz).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=tWg7BWf_pNA

Fonte: Fran Kursztejn (AllAboutJazz)

 

 

 

ARKADY GOTESMAN - MUSIC FOR AN IMAGINARY BALLET (NoBusiness Records)

Gotesman ocupa uma posição singular na cena musical lituana, tendo se apresentado em mais de cinquenta festivais e concertos internacionais como percussionista, compositor e artista interdisciplinar, com um trabalho que abrange jazz, repertório de música clássica contemporânea, improvisação livre, teatro, literatura e cinema. Ao longo de quatro décadas, ele colaborou com uma gama excepcional de músicos — de Vyacheslav Ganelin, Petras Vysniauskas, Liudas Mockūnas, Anthony Coleman e Mats Gustafsson a Nate Wooley, Charles Gayle, Barry Guy e Dave Douglas, entre muitos outros — ao mesmo tempo em que estreou obras de Anatolijus Šenderovas, Osvaldas Balakauskas, Šarūnas Nakas e outros importantes compositores contemporâneos. Sua identidade artística é definida não apenas pela imaginação instrumental, mas por uma rara capacidade de integrar tradições artísticas divergentes: o experimentalismo lituano, o renascimento do Klezmer, a performance interdisciplinar e o modernismo acadêmico. “Music for an Imaginary Ballet” amplia esse amplo escopo criativo. Concebido como uma coleção musical de encontros gravados entre 2008 e 2025, o álbum reúne material de duetos, trios e quartetos com a participação de alguns dos colaboradores mais próximos de Gotesman. Reflete uma trajetória criativa moldada pela inquietude e pela curiosidade intelectual, uma linha de desenvolvimento na qual a improvisação deixa de ser apenas uma questão de impulso para se tornar uma forma de pensar, recordar e construir a forma.

“Music for an Imaginary Ballet” delineia o trabalho de Gotesman por meio da estética da improvisação de câmara contemporânea, priorizando a composição estrutural e a escuta atenta em detrimento do gesto. As doze gravações documentam uma série de encontros focados, em vez de um panorama retrospectivo. O álbum é emoldurado por dois trechos solo da obra “After Chagall”, de Anatolijus Šenderovas (faixas 1 e 12), que estabelecem uma simetria serena e reflexiva em torno do material de interação mais densa. Entre essas duas peças que delimitam o álbum, Gotesman transita por duetos (faixas 2, 3, 5, 8, 9 e 10) e trios (faixas 4, 6, 7 e 11), com cada formação revelando um aspecto diferente de sua abordagem em relação à proporção, à densidade e à consciência espacial. As gravações provêm de apresentações ao vivo, mas a música evita a volatilidade; seu foco reside na interação ponderada, na maneira como as linhas se encontram, divergem e se reconfiguram. O que emerge é uma sequência de trocas disciplinadas, nas quais a improvisação atua como método de construção, e não como exibição.

A coreografia em “Music for an Imaginary Ballet” desenrola-se na imaginação do ouvinte em sintonia com o som. Como lançamento, a obra se destaca como um exemplo fascinante de música de câmara improvisada contemporânea. Sua inteligência composicional estruturada e sua sutileza estética — perceptíveis nas formas cuidadosamente moldadas, no ritmo calibrado e nos contrastes deliberados entre os diferentes ambientes sonoros — conferem ao álbum uma clareza de concepção que convida a um tipo de escuta semelhante àquela proporcionada por uma apresentação elegante e repleta de detalhes em uma sala de espetáculos. As composições são consistentemente envolventes: cada uma contribui com sua própria tensão relacional, equilíbrio e dramaturgia, mas todas compartilham uma atenção disciplinada que eleva a música para além da espontaneidade do momento. No âmbito da música improvisada para pequenos grupos, o álbum se destaca pela combinação de musicalidade refinada e agudeza composicional. Nada parece casual ou provisório, embora a música surja de uma criação em tempo real.

Embora não pretenda ser uma obra que defina a carreira do artista, destaca-se por mérito próprio ao apresentar uma coleção focada e magistralmente executada, cuja coerência e profundidade sustentam um envolvimento significativo. Nesse sentido, o álbum é excelência sem grandiosidade e rigor sem rigidez.

Faixas: Stiklo gabaliukai; It's coming; Duo 1; Trio 1; Duo 2; Quartet; Trio 2; 7th Track; Duo 3; Duo 4; Trio 2; Stiklo gabaliukai

Músicos: Arkady Gotesman (percussão); Nate Wooley (trompete); Charles Gayle (saxofone); Ned Rothenberg (saxofone); Martin Kuchen (saxofone); Petras Vysniauskas (saxofone soprano); Vytautas Labutis (saxofone); Jan Maksimovic (saxofone); Liudas Mockūnas (saxofone);Vyacheslav Ganelin (piano); Tomas Kutavičius (piano); Eugenijus Kanevičius (baixo);Vladimir Volkov (baixo acústico); Mark Sanders (bateria).

Fonte: Ieva Pakalniškytė (AllAboutJazz)

 

CHES SMITH - CLONE ROW (Otherly Love Records)

Ches Smith, baterista nascido em San Diego e criado em Sacramento, que estudou filosofia na Universidade de Oregon antes de mergulhar de cabeça na cena musical experimental da Bay Area, é há muito tempo um dos espíritos mais inquietos do jazz moderno. Seu extenso currículo inclui trabalhos com Marc Ribot, Tim Berne, John Zorn, Mary Halvorson e Nels Cline, consolidando sua reputação como um dos principais arquitetos rítmicos da vanguarda e do jazz progressivo. Após o aclamado álbum com seu grupo de dez integrantes, "Laugh Ash (Pyroclastic, 2024)”, Smith deu uma guinada ousada que faria muitos líderes de banda suarem frio: ele desmontou toda a estrutura e a reconstruiu com apenas quatro músicos.

O título pode sugerir ficção científica distópica, mas o que Smith clonou foi um som que combina o conforto do familiar com um choque de surpresa. A sintonia do quarteto parece telepática, forjada por anos de encontros na cena musical criativa de Nova York. Halvorson e Ellman transitam entre uma perfeita sintonia harmônica e uma colisão deliberada, mantendo a música imprevisível, mas sempre envolvente.

"Ready Beat" define a declaração de missão. A complexidade rítmica nunca compromete o balanço, e a bateria de Smith evita exibicionismos em favor da construção de uma base flexível e responsiva. Texturas de sintetizador cintilantes e seu trabalho ágil com o vibrafone permeiam a música enquanto a banda cria linhas uníssonas intrincadas, que desafiam a audição. A interação entre diálogos de guitarra excêntricos e fraseados lineares e incisivos conferem à peça uma energia inquieta. "Abrade With Me" demonstra a versatilidade do grupo, transitando de diálogos sussurrados a uma intensidade avassaladora e explosões punk de vanguarda.

"Town Down" é uma concisa conversa musical de quatro minutos, impulsionada por uma pulsação de rock distorcida e mudanças de ritmo. "Heart Breakthrough" inclina-se para a melodia sem perder a força, moldada pelo vibrafone discreto de Smith e uma batida de percussão eletro-world. Os guitarristas respondem com trocas rápidas e reviravoltas tonais surpreendentes, dando à faixa um brilho inquieto.

Com “Clone Row”, Smith prova que reduzir as forças pode aprimorar a precisão. Despojada da grandiosidade orquestral, a música concentra-se no que torna sua obra tão fascinante: a busca pela beleza no espaço instável entre o caos e a estrutura. É ao mesmo tempo focado e destemido, executado por um quarteto que toca com a segurança de uma banda consolidada, e não de um grupo que se reuniu pela primeira vez em 2019.

Este não é apenas mais um ótimo lançamento no catálogo de Smith. É uma declaração de intenções de um artista ainda ávido por redesenhar os limites do jazz progressivo. Essencial para qualquer pessoa curiosa sobre os rumos da música criativa em 2025, este álbum proporciona tanto a emoção da exploração quanto a satisfação de chegar a um lugar completamente novo.

Faixas: Ready Beat; Abrade With Me; Clone Row; Town Down; Heart Breakthrough; Sustained Nightmare; Play Bell (For Nick).

Músicos: Ches Smith (bateria, vibrafone, eletrônica); Mary Halvorson (guitarra); Liberty Ellman (guitarra); Nick Dunston (baixo, eletrônica).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=7qLjgYzT0f8

Fonte: Glenn Astarita (AllAboutJazz)

 

ALLISON PHILIPS - MAKE IT BETTER (Dox Records)

Em sintonia com a nostalgia, ao mesmo tempo melancólica e agradável, da fotografia de sua avó que ilustra a capa, há um espírito digno, quase ligado à classe trabalhadora, impregnado no jazz moderno de fôlego e sofisticação intelectual presente em “Make It Better”, da trompetista Allison Philips, do Brooklyn. Nele, melodias calorosas e firmes ancoram as estruturas de improvisação com um senso de propósito, história e sensibilidade. Criado, assim como grande parte dos lançamentos mundiais de meados da década de 2020, no limbo contemplativo da pandemia, período em que Philips trabalhou por mais de um ano em uma empresa de bufê, o trabalho dela e de seu quarteto resulta em uma música que funciona tanto como lar quanto como veículo (talvez uma perua já rodada, mas de estrutura sólida): um lugar onde se pode sentar e refletir, mas também aventurar-se pelo mundo afora. É uma sonoridade que encontrou seu lugar em redutos da cultura litorânea, como o Brooklyn e Seattle, mas que aqui é executada com uma sensibilidade e maturidade particulares.

Para deixar claro, nem tudo no álbum é revestimento de madeira e móveis vintage; por mais que haja um toque folk, a música ainda é repleta de aventura e desafios. A faixa de abertura do álbum, "Welcome Back Daisy", faz uma breve declaração antes de lançar o ouvinte de cabeça em uma mistura de linhas de trompete e saxofone tenor que ora competem, ora se harmonizam; já a melodia de "Tandem", com ares de rodeio saído de um sonho febril, abre os portões do coliseu para uma profusão sonora igualmente frenética e variada. Há momentos, na atmosfera introspectiva e simples de "Door Song", em que o baterista Conor Parks desestabiliza sutilmente a valsa de base, ao estilo de Paul Motian, e, ao longo do disco, tanto Philips quanto a saxofonista tenor Neta Renaan deslocam o eixo do foco tonal: Philips, com um centro sonoro sólido que faz piruetas contra a corrente, e Renaan, com uma abordagem mais frenética e de sonoridade polida.

No entanto, melodias agradáveis e cativantes são, sem dúvida, o cartão de visitas do disco. "Pulaski", o single de destaque do álbum, impregnado de indie-rock e batizado em homenagem à ponte que liga o Brooklyn ao Queens e fazia parte da rotina de deslocamento de Philips, pulsa e flui com a leveza dos passeios de bicicleta que o inspiraram, trazendo uma melodia cativante, aparentemente simples, porém sofisticada. A harmonia de dois instrumentos de sopro em "Hit the Ground" cria movimentos suaves e melancólicos, carregados de uma sensação de desamparo típica das baladas sobre azarões da Broadway das décadas de 1960 e 1970. A faixa-título do álbum é sustentada por uma marcha que ressalta seu caráter de hino, quase vaudeville, evocando algo que parece ter vindo diretamente das salas de estar e dos locais de culto da classe trabalhadora do início do século XX.

A faixa final consolida essa sensação de honra serena com a única regravação do álbum: uma versão terna, porém comovente, de "She's Got You", de Patsy Cline. Philips e Renaan, apoiados pela recriação fiel, por parte do baixista Isaac Levian, da dinâmica rítmica característica do country de meados do século, unem-se em uma harmoniosa interação de melodia e voz que evoca a sensação de deixar para trás o marasmo do dia ao som de um disco de vinil, numa cantoria em grupo ou até mesmo ao reencontrar, após muito tempo, uma apresentação casual na televisão; tudo isso sem se deixar aprisionar pelas lamentações explícitas da letra. É uma faixa de encerramento de álbum que sugere que o amanhã não está escrito, mas que o que você tem hoje já é suficiente.

Faixas: Welcome Back Daisy; Pulaski; Door Song; Interlude; Make It Better; Hit The Ground; Tandem.

Músicos: Allison Philips (trompete); Neta Raanan (saxofone); Isaac Levien (baixo); Connor Parks (bateria).

Fonte: Daniel Lehner (AllAbouJazz)

 

RAN BLAKE & JARED SIMS - NIGHT HARBOR (Independent Release)

Ran Blake, o mestre autor do cinema noir em notas e tons, oferece a mais recente manifestação de suas paisagens oníricas improvisadas e únicas em “Night Harbor”, graças ao seu ex-aluno Jared Sims, que toca saxofone barítono nesta suíte de duetos estranhamente oportuna para o momento atual.

Gravada em um estúdio na região de Boston e no apartamento de Blake, no laptop de Sims, entre 2023 e 2024, a trilha sonora imaginária compreende 16 vinhetas bem elaboradas de canções do século XX, extraídas de diversas regiões da memória consciente e subconsciente de Blake. As melodias são interpretadas e embelezadas pela voz rouca de barítono de Sims, como uma espécie de alter ego de cantoras de renome mundial e colaboradoras de Blake, como Jeanne Lee, Dominique Eade, Sara Serpa e Christine Correa. Há três versões da triunfal "Sadness", de Ornette Coleman, e duas versões de cada uma das canções "Dr. Mabuse", da trilha sonora de Fritz Lang, além dos clássicos "Almost Like Being in Love" e "You Go to My Head".

Além de Lang e Coleman, as referências incluem versões oníricas inspiradas por figuras que há muito tempo inspiraram Blake, como Abbey Lincoln (“Mendacity” e “Love Letters”), Chris Connor (“Driftwood”) e Stan Kenton (“Collaboration”). "The Pawnbroker", de Quincy Jones, baseado no filme noir homônimo de Sidney Lumet, se dissolve no final em um mundo onírico, enquanto Sims inicia o único conto original de Blake aqui presente, "The Short Life Of Barbara Monk", em uma tonalidade diferente. Blake, já próximo dos noventa anos quando as gravações foram feitas, segue com segurança seus sonhos ao evocar o fluxo narrativo, como tem feito ao longo de seus 65 anos de carreira como artista de gravação.

Faixas

1.Poor Butterfly 03:15

2.Sadness 02:55

3.Collaboration 04:08

4.Dr. Mabuse 02:01

5.Pawnbroker 02:37

6.Driftwood 02:41

7.Sadness (tomada alternativa) 02:40

8.You Go To My Head 02:41

9.Mendacity 01:42

10.The Short Life of Barbara Monk 03:39

11.Dr. Mabuse (tomada alternativa) 02:01

12.Love Lament 03:09

13.Almost Like Being in Love 02:59

14.Sadness (tomada alternativa 2) 03:00

15.Almost Like Being in Love (alternate take) 02:12

16.You Go to My Head (tomada alternativa)

 Fonte:  Ted Panken (DownBeat)

 

BRIA SKONBERG – BRASS (Cellar Music)

Bria Skonberg é frequentemente questionada se é trompetista ou vocalista em primeiro lugar. Uma pergunta que se torna irrelevante quando se vê o quanto ela se diverte fazendo as duas coisas no palco. Em “Brass”, ela é, antes de tudo, trompetista. De fato, há apenas uma faixa vocal em todo o álbum, no medley final "Comin' Home Baby/You'd Be So Nice To Come Home To" (Ela toca a primeira e canta a segunda). O restante faz jus ao título direto do álbum, com Skonberg demonstrando sua considerável habilidade no trompete. Ela certamente desenvolveu uma voz única, que combina o timbre seco e cristalino de Miles Davis (embora com um pouco mais de vibrato) com uma boa dose de vivacidade e técnica. A técnica fica mais evidente quando ela usa surdinas, como em seu rosnado estridente em "New Orleans Bump" de Jelly Roll Morton e na surpreendentemente espirituosa Harmon em "Between The Devil And The Deep Blue Sea" (onde ela insere alguns trinados deliciosamente ascendentes que parecem um cartão de visitas). O entusiasmo é evidente em todos os lugares, desde a batalha de trompetes no estilo jump blues (com a participação especial de Kellin Hanas) em “Brotherhood Of Man” até a balada “Somewhere Out There” (do filme de animação de 1986, An American Tail). Skonberg não improvisa aqui, cuidando da melodia escrita e deixando o pianista Luther Allison para o solo, mas ela não precisa. Sua interpretação doce e as sutis nuances de blues fazem dela uma declaração marcante.

O jazz quente — tradicional e suingante — continua sendo a especialidade de Skonberg; “Somewhere Out There” poderia facilmente ser transposta para um solo de trompete em um repertório de big band. Mas também há um toque de modernidade: a própria "Of Liberty" da líder é o principal exemplo, baseada em harmonias sofisticadas e detalhes rítmicos que proporcionam a Allison, ao baixista Eric Wheeler e ao baterista Darrian Douglas uma ótima oportunidade para brilhar. Há também ecos de Sonny Rollins (incluindo uma paráfrase de “St. Thomas”) na faixa de abertura, em estilo calipso,“Markham Sunrise”. É muita coisa para abordar, e Skonberg dá conta de tudo sem nem parecer suar.

Faixas

1.Markham Sunrise 03:13

2.New Orleans Bump 04:25

3.Between the Devil and the Deep Blue Sea 04:10

4.Dolly Jones 04:14

5.So It Goes 06:35

6.El Choclo 05:04

7.Somewhere Out There (From An American Tale) 04:25

8.Of Liberty 09:58

9.Brotherhood of Man 04:58

10.Comin’ Home Baby/You’d Be So Nice to Come Home To 04:33

Músicos: Bria Skonberg: trompete e vocal; Luther Allison: piano, B3; Eric Wheeler: baixo; Darrian Douglas: bateria, percussão; Kellin Hanas: trompete (em “Brotherhood of Man”).

 Fonte: Michael J. West (DownBeat)   

 

ROYCE CAMPBELL / VOSBEIN MAGEE BIG BAND – VAGABOND (Max Frank Music)

Royce Campbell tem uma reputação mundial incrível e invejável como guitarrista de jazz. Quem diria que ele também poderia escrever tão bem, e para uma big band, nada menos. Todas as onze canções envolventes de “Vagabond”, exceto uma, foram compostas por Campbell, e cada um dos impressionantes arranjos foi escrito por seu primo e mentor, o falecido Carroll DeCamp, que fez o mesmo para Stan Kenton e Larry Elgart, dentre outros.

Campbell, que nasceu em Indiana, agora vive na Virginia, a base da talvez surpreendentemente coesa e poderosa Vosbein Magee Big Band, co-liderada pelo compositor e educador Terry Vosbein e pelo trompetista e educador Chris Magee. “Vagabond” foi gravado por Campbell e a banda em um show realizado em 2024 em algum lugar na Virgínia. Não há mais nada a saber, pois o resultado seria tão bonito e agradável, não importa onde ou quando acontecesse.

Campbell tem um ouvido aguçado para uma melodia atraente e o usa com grande vantagem em cada número, desde a abertura com toques de blues, "Peepers", até o final animado, "Viper", e tudo o que há entre eles. Da mesma forma, Campbell toca guitarra em um estilo ensolarado e charmoso que é quase irresistível, solando com ardor e segurança em cada número. Quanto à banda, ela abriga uma série de solistas estelares, cada um dos quais entrega seus produtos sempre que chega seu momento de brilhar.

O trombonista Matt Niess, talvez o único nome conhecido no conjunto devido aos seus anos de serviço na Banda do Exército dos EUA, faz solo com Campbell em "Peepers", assim como Magee, o pianista Matthew Billings e o saxofonista soprano Bill Schnepper na suave "Gentle Breeze", Billings, o baixista Bob Bowen, o trombonista Tom Lundberg e o saxofonista alto Greg Moody na elegante "A Sharp Blues". O único standard do álbum, o fervoroso "Body and Soul" de Johnny Green, com Campbell como solista solitário, provando seu domínio de uma abordagem lenta e sutil.

A influência latina se destaca na instigante "Mambo Puente" (com solos de Campbell e Magee), enquanto a balada "Moon Cycle" ganha protagonismo, com os solos perspicazes de Campbell e Moody complementados pelo flugelhornista Alec Moser. A voz de Schnepper é a segunda voz solo na animada faixa-título do álbum, que precede a vibrante "Middle Ground", uma segunda demonstração da agilidade de Campbell na guitarra, e a suave "Dancing Waterfall", na qual Campbell é acompanhado pelo trompetista Kerry Moffitt. O ritmo se modera ainda mais em "Inner Peace", um veículo bem azeitado para Campbell, Schnepper (na flauta) e o sax barítono de Kyle Greaney, antes de acelerarem mais uma vez em "Viper", uma encantadora música de encerramento cujos cativantes solistas são Campbell e Cotton.

Como acontece com todos os números, a Vosbein Magee Band está absolutamente no bolso, soprando com potência e entusiasmo por trás de uma seção rítmica impecável composta por Billings, Bowen e o baterista DeWayne Peters. O som em geral é nítido e bem equilibrado, especialmente para um concerto, e a banda transmite uma bela corrente musical que seduz e satisfaz o ouvido. “Vagabond” é uma das gravações de big band mais importantes do ano, cujo valor de repetição é intrínseco e gratificante.

Faixas: Peepers; Gentle Breeze; A Sharp Blues; Body and Soul; Mambo Puente; Moon Cycle; Vagabond; Middle Ground; Dancing Waterfall; Inner Peace; Viper.

Músicos: Royce Campbell (guitarra); Chris Magee (trompete); Alec Moser (trompete); Brian Quakenbush (trompete); Kerry Moffitt (trompete); Bill Schnepper (saxofone alto); Greg Moody (saxofone alto); James Cotton (gaita); Kelli Birchfield (saxofone tenor); Kyle Greaney (saxofone barítono); Matt Niess (trombone); Tom Lundberg (trombone); Tom McKenzie (trombone); Tyler Bare (trombone baixo); Matthew Billings (piano); Bob Bowen (baixo); DeWayne Peters (bateria).

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

THOMAS MORGAN - AROUND YOU IS A FOREST (Loveland Music)

E a surpresa é proporcional à curiosidade: em “Around You Is a Forest”, Morgan abdica quase por completo do contrabaixo para usar um instrumento virtual desenhado com o software SuperCollider (plataforma para síntese sonora e composição algorítmica). O instrumento, batizado WOODS, foi desenhado por Morgan para produzir timbres e padrões orgânicos, apesar da sua progênie digital, com uma ressonância antiga que aglomera qualidades das harpas-alaúdes da África Ocidental, das cítaras asiáticas, do cimbalom e da marimba.

A relação do contrabaixista com a programação vem do berço: o pai pertence à primeira geração de cientistas da computação e ensinou-o a “brincar” com BASIC e a editar a programação do Sim City para aumentar o terreno do jogo. Morgan gosta dessa dimensão do digital — poder editar, mexer por dentro, e não apenas usar o programa.

O LP duplo traz nove temas, feitos por si, com sete músicos — e um poeta — que aceitam dialogar com as gotas sonoras irregulares e imprevisíveis do instrumento virtual, resultando numa música rítmica que soa ritualista, generativa, como uma floresta. O sistema muta, em tempo real, padrões melódicos pentatônicos simples, provenientes de canções populares, gerando abstrações imprevisíveis. Morgan, o “hacker musical” deste processo, concebeu-o como extensão do seu pensamento improvisacional: padrões que ramificam como árvores, saltando entre ramos, como ele faz ao vivo.

O WOODS (acrónimo recursivo de “WOODS Often Oscillates Droning Strings”) dispara pontos sonoros orgânicos que inspiram os músicos (incluindo o próprio Thomas Morgan), tocando com a eletrônica num todo convincente, sem soar “virtual”. É uma ponte entre a tradição acústica e o código algorítmico do SuperCollider. No extenso booklet que acompanha os dois LPs fala de «a universe of possibilities within their resource constraints(NT: um universo de possibilidades dentro de suas limitações de recursos)». A capa é lindíssima: um objeto musical precioso.

O disco abre com a faixa-título e com o próprio Morgan a solar: uma meditação de contrabaixo que nos introduz nesta floresta fantástica. “Eddies”, com Dan Weiss na tabla, evoca afrobeat e as águas de riachos; ritmos circulares como a água a contornar as rochas. “Dream Sequence”, duo com Craig Taborn, é etérea: sons longos de sintetizador contrariam a irregularidade da chuva de notas do WOODS, entre gravações de campo, chuva, grilos e vento.

A forma como cada músico lidou com este processo resulta em nove peças muito diferentes. Nunca temos a sensação de repetição, que poderia ter acontecido se tivesse sido sempre o mesmo instrumento ou o mesmo procedimento – o instrumento e o humano contra o digital algoritmizado. “In the Dark” são quase cinco minutos com Henry Threadgill em flautas, numa paisagem escura construída a partir de várias camadas que grava sem ouvir a anterior. Em “Through the Trees”, Gerald Cleaver, na bateria, acumula mutações minúsculas sobre uma textura — é o mais próximo que chegamos do som do jazz mais tradicional.

Destaco “Assembly of All Beings”, com Ambrose Akinmusire no trompete, e “Rising From the West”, a faixa que coube ao seu companheiro musical mais regular, Bill Frisell, na guitarra acústica e elétrica. Frisell tenta levar a música para o seu terreno melódico, mas o WOODS puxa-a para outro lado; termina com a guitarra ligeiramente saturada, sempre à procura do seu lugar naquele contexto. Percebe-se que trabalhou a sério esta relação. O disco fecha com “Here” com Gary Snyder a recitar o seu poema: voz falada, a perguntar «basta estar aqui?».

O disco é muito interessante porque nos coloca neste mundo algoritmizado em plena improvisação, levando-nos para um lugar onde o jazz nunca tinha estado, sem cair na estética da música eletrônica. O som digital é tão reminiscente de instrumentos tradicionais que nunca o sentimos desligado da matéria acústica. É também uma reflexão sobre comunidade jazzística e isolamento: cada músico respondeu à chamada de Morgan à sua maneira, no seu espaço privado, sem se verem nem colaborarem no sentido humano.

O WOODS não é apenas um dispositivo digital, mas algo que “tira o tapete”. “Around You Is A Forest” é um disco muito bonito e entrou na lista dos melhores de 2025 da jazz.pt, com toda a propriedade. Cada peça é autônoma mas encaixa num corpo coerente. Thomas Morgan leva o jazz para uma floresta algorítmica, onde código matemático e intuição musical dialogam numa música rítmica que parece saída de rituais ancestrais, como se fosse tocada por uma comunidade tribal pacífica e alegremente isolada numa floresta.

Faixas

1.Around You Is A Forest (Thomas Morgan) 05:06

2.Eddies (Dan Weiss) 06:48

3.Dream Sequence (Craig Taborn) 06:02

4.Through The Trees (Gerald Cleaver) 16:07

5.In The Dark (Henry Threadgill) 04:47

6.Assembly Of All Beings (Ambrose Akinmusire) 09:08

7.Rising From The West (Bill Frisell) 11:00

8.Murmuration (Immanuel Wilkins) 08:36

9.Here (Gary Snyder) 05:29

Músicos: Thomas Morgan— WOODS, contrabaixo; Ambrose Akinmusire— trompete; Gerald Cleaver— bateria; Dan Weiss— tabla; Craig Taborn— órgão Farfisa, Fender Rhodes, sintetizadores, gravações de campo; Henry Threadgill— flauta, flauta baixo; Bill Frisell— guitarra elétrica e acústica; Immanuel Wilkins— saxofone alto; Gary Snyder— voz.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=lyNWK3eOlBo

Fonte: Gonçalo Falcão (jazz.pt)

 

 

RICK VITO - SLIDEMASTER (Momojo Records)

Rick Vito é verdadeiramente um dos melhores guitarristas slide dos EUA e tem sido consistentemente um dos melhores há décadas. Vito, assim como outros guitarristas americanos, incluindo Duane Allman e Ry Cooder, além de britânicos como Peter Green e Jeff Beck, ficou impressionado com os mestres da guitarra blues nacionais, como Elmore James, Robert Johnson e muitos outros veteranos do blues. Elementos de blues permeiam grande parte do trabalho ao vivo e gravado de Vito (além de boas doses de rockabilly, ocasionais toques de jazz e muito mais). Em “Slidemaster”, Vito desliga o microfone vocal e deixa sua guitarra falar por si em todas as doze faixas, uma combinação de trabalhos antigos selecionados e algumas novas composições brilhantes, porém com inspiração vintage. É uma coleção única e bem-vinda.

Com sete composições originais de Vito e cinco reinterpretações (duas criadas por Peter Green), há altos e baixos emocionais, e variações entre esses extremos. O "Vegas Jump" de Vito abre o disco com energia. E, como seria de esperar de uma música com a palavra "Vegas" no título, a faixa é um alerta vigoroso para chamar nossa atenção. Porém, espere, vamos diminuir as luzes e ir com calma na segunda faixa, "Steal Away", antes de Vito e os rapazes da banda voltarem com tudo, com toques de Bo Diddley em "The Big Beat". Depois vem "Red Hot Baby", que aparece algumas músicas depois e imediatamente exige uma ida à pista de dança. "Slide the Blues" é um slide 'n' shuffle (NT: [deslizar e embaralhar/arrastar] não é um nome oficial de um passo ou estilo único, mas uma combinação de movimentos que descreve transições rítmicas e técnicas de deslizamento executadas em danças urbanas e de rua) descontraído, enquanto a tristeza transborda de "A Change is Gonna Come", de Sam Cooke. Embora a letra da versão original sempre será o cerne da canção, a versão instrumental de Vito é poderosa à sua maneira, pois a "voz" de sua guitarra é articulada e precisa. Em seguida, ele mergulha fundo no blues do Delta em "River of Blues", depois apresenta uma música de Green — "The Supernatural" — antes de dizer amém com a oferta final do álbum, "The Lord's Prayer", com uma abordagem que reverencia a versão estelar de Beck para "Nessun Dorma", de seu álbum de 2011.

“Slidemaster” apresenta várias faixas de destaque, mas "Albatross", de Peter Gree, que surge exatamente no centro do álbum, é o coração e a alma da coletânea. A peça instrumental onírica de Green foi inspirada nos lançamentos de Santo & Johnny do final dos anos 50, bem como nas brisas cálidas e suaves da música de guitarra havaiana — acompanhamento que, assim como na versão original, é sutilmente sustentado por um fluxo suave de percussão ondulante. Lançada inicialmente como single em 1968, "Albatross" representou uma mudança surpreendente em relação ao blues cru do Fleetwood Mac. Não só chegou ao primeiro lugar, como também é uma das canções mais evocativas que o grupo já gravou. Embora alguns músicos tenham tido a coragem de fazer uma versão da música, Vito é um dos raros artistas que conquistaram o direito de gravá-la, por diversos motivos, incluindo o fato de ter integrado o Fleetwood Mac anos atrás. Esta versão, de um lançamento da Vito de 2005, está à altura da original, à sua própria maneira.

Com doze faixas e um repertório que soma cerca de quarenta minutos, trata-se de uma coletânea não oficial de seus maiores sucessos instrumentais. A maioria das faixas é criteriosamente concisa e contida (sem pirotecnias chamativas desta vez), embora algumas delas exibam um pouco mais de potência. Na verdade, alguns minutos a mais seriam bem-vindos em faixas como "The Lord's Prayer". Talvez na próxima, quando ele tocar ao vivo. No fim das contas, Vito adota uma abordagem contida, lembrando-nos de que "menos é mais" ao confiar em sua incrível slide guitar para guiar o caminho com segurança e falar por ele desta vez.

Faixas: Vegas Jump; Steal Away; The Big Beat; The Danger Zone; Red Hot Baby; Albatross; Soul Shadows; Slide The Blues; A Change Is Gonna Come; River Of Blues; The Supernatural; The Lords Prayer.

Músicos: Rick Vito (guitarra e vocal); Rick Reed (percussão); Lynn Williams (bateria); Charles Johnson (bateria); Charlie Harrison (baixo); Mark Horowitz (órgão, Hammond B3); Kevin McKendree (teclados).

Fonte: Scott Gudell (AllAboutJazz)

 

CHRISTOPH GALLIO - STONE IS A ROSE IS A STONE IS A STONE (Ezz-thetics)

Quem se aproximar deste álbum sem saber disso precisa ser avisado de que sua duração de 36 minutos e 34 segundos está dividida em sessenta e nove faixas, com durações que variam de seis segundos a um minuto e 41 segundos, e que as faixas são numeradas em algarismos romanos de 1 a 69, sendo que 10 dos títulos das faixas são complementados por dedicatórias a indivíduos não identificados (por exemplo, "XXXIV para Sisa Wandeler").Para quem tiver curiosidade, os títulos das faixas estão impressos na contracapa. Considerando a data de lançamento do álbum, não se trata de uma brincadeira...

A chave para esse mistério está nas grandes letras azuis na capa deste álbum: "YetDish" "Gertrude Stein". Nascida na Pensilvânia em 1874, Gertrude Stein foi uma renomada romancista, poetisa e dramaturga estadunidense que se mudou para Paris em 1903 e fez da França seu lar até sua morte em 1946. Enquanto estava em Paris, ela organizava um salão onde figuras proeminentes da arte e da literatura, como Pablo Picasso, Henri Matisse, Ernest Hemingway e F. Scott Fitzgerald se encontravam. "YetDish" é o título de um dos poemas de Stein, que permaneceu inédito durante sua vida.Ela possui 69 versos. Uma cópia integral deste poema está incluída neste álbum. Uma das citações mais repetidas de Stein, "Uma rosa é uma rosa é uma rosa é uma rosa", é muito semelhante ao título deste álbum, "Uma pedra é uma rosa é uma pedra é uma pedra".

O saxofonista, improvisador e compositor suíço Christoph Gallio foi aparentemente atraído pela escrita de Stein devido à sua "poesia sonora", na qual as qualidades musicais da linguagem são mais importantes do que o seu significado; exemplos disso são o uso de "novo sentido" em vez de "incômodo", "costurar" em vez de "sabão" e "abrir porta" em vez de "maravilha". Este álbum apresenta a poesia de Stein musicada com a música de Gallio, de beleza única e rara. Em 2010 e posteriormente durante o período de isolamento da covid, Gallio trabalhou na musicização de "Yet Dish". Ele reuniu um novo conjunto principalmente para executar sua partitura complexa; o conjunto era composto pelo próprio Gallio nos saxofones soprano e alto, a voz de Sonia Loenne, Vito Cadonau no contrabaixo e Flo Hufschmid na bateria e percussão. O álbum foi gravado nos dias 12 e 13 de maio de 2022 no Hardstudios em Winterthur. É uma prova do sucesso deste quarteto o fato de conseguirem fazer com que faixas de poucos segundos soem cativantes repetidamente. Desde a própria Stein até todos os mencionados aqui, este álbum é um triunfo coletivo para todos os envolvidos.

Faixas: I; II; III: IV; V; VI to Joke Lanz; VII to Claudia Suter; VIII; IX; X; XI; XII; XIII; XIV; XV; XVI; XVII; XVIII; XIX; XX; XXI; XXII; XXIII; XXIV: XXV to Rut Himmelsbach; XXVI to Christine Streuli; XXVII: XXVIII : XXIX: XXX; XXXI; XXXIII; XXXIV to SisaWandeler; XXXV; XXXVI; XXXVII: XXXVIII; XXX!X; XL to Teresa & Sven-Ake Johansson; XLI: XLII; XLIII; XLIV:XLV; XLVI to Rolf Winnewisser; XLVII; XLVIII; XLIX; L to Corinne Gudemann; LI; LII; LIII; LIV; LV to Alex Silber; LVI; LVII; LV!!!; LIX: LX; LXI; LXII; LXIII; LXIV; LXV; LXVI: LXVII to Veronicka Sellier; LXVIII; LXIX.

Músicos: Christoph Gallio (saxofones soprano& alto, composição); Sonia Loenne (vocal); Vito Cadonau (baixo); Flo Hufschmid (bateria).

Fonte: John Eyles (AllAboutJazz)

 

RACHEL ECKROTH & JOHN HADFIELD - SPEAKING IN TONGUES (Adhyâropa Records)

Há algo melancólico e fortalecedor na sensibilidade acústica da pianista/compositora/utilitária de eletrônica Rachel Eckroth, que tem grande influência em muitos de seus ouvintes. Isso entra em oposição direta ao seu lado eletrônico, que, por mais bacana que pareça, pode facilmente pender para as tendências pop e confusas de Vangelis, Kraftwerk ou Gary Newman. Claro, Eckroth faz esses gêneros antigos e cativantes soarem empolgantes agora, mas é seu jeito puro de tocar piano que realmente faz a diferença.

Seguindo os passos da abertura estrondosa, o piano preparado de Joe Jackson, "God's Particle", Eckroth está pronto para todos os tipos de travessuras em "Joan DeArc". Seguindo sua osmose ao misturar ativamente sua acústica com sua eletrônica, a faixa se torna duplamente boa ao ouvir seu mais engajado co-conspirador, o baterista John Hadfield, acompanhando seus puxões e socos. É uma performance arisca, muito parecida com Charlie Chaplin patinando até a borda e, em seguida, girando em forma de oito para trás para girar em direção a ela novamente. É um truque bacana que Eckroth e Hadfield executam com maestria sob ouvidos atentos ao longo de "Speaking In Tongues”.

"Blood Moon", por exemplo, é outro desses híbridos ostentando uma linha de baixo pop-jumpy, que encontra Hadfield derrapando através e ao redor do tempo, enquanto Eckroth se diverte imensamente em seu Steinway Grand. Ela se apega a esse prazer com "Sanctus", uma declaração extremamente bonita que Hadfield pontua adequadamente. A lógica envolvente de "The Gospel Of", "Andromeda" e, especialmente, da reflexivamente silenciosa até ficar toda alegre, "The Jesus Side", prende a imaginação de forma muito parecida com a de Esbjorn Svensson.

A faixa-título mantém suas cartas bem escondidas. Todo sincronizado e percussivo, "Speaking In Tongues" começa de novo em um lado da divisão elétrica/acústica e então gira a partir daí apenas para girar novamente e novamente em uma espiral mal controlada que Hadfield fecha com força. Seguindo os temas gerais das invenções de Eckroth e Hadfield — mitologia, religião, astronomia — "Phase and Libration Parte 1" e "Parte 2" são triunfos do espírito colaborativo.

Faixas: God Particle; Jeanne D’arc; Blood Moon; The Gospel Of; Sanctus; Andromeda; The Jesus Side; Speaking In Tongues; Phase And Libration Part. 1; Phase And Libration Part 2.

Músicos: Rachel Eckroth (piano, vocal, eletrônica); John Hadfield (bateria, percussão).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=A8KzFlzvcfA

Fonte: Mike Jurkovic (AllAboutJazz)

 

MELISSA ALDANA – FILIN (Blue Note Records)

A inspiração para o mais recente lançamento de Melissa Aldana pela Blue Note, um álbum de baladas impecável, é o repertório de baladas românticas da tradição musical cubana “filin” (NT: refere-se à expressividade e à capacidade de transmitir emoção ao tocar um instrumento ou cantar), popular entre o final da década de 1940 e o início da de 1960. O estilo original combinava ritmos cubanos sensuais com vocais emotivos e incorporava toques de jazz moderno (o termo "Filin music" pode ser traduzido, em linhas gerais, como "música de sentimento"; Nat King Cole foi uma força inspiradora).

A saxofonista Aldana, por sua vez, simplifica as complexidades que são sua marca registrada e captura a essência da música com clareza, calor e um impulso narrativo infalível. O toque flexível de Kush Abadey proporciona uma pulsação firme, porém discreta. As notas do baixo pairam em amplos espaços, e Cécile McLorin Salvant, em excelente forma, acrescenta um brilho extra a duas faixas.

Porém, são o controle de timbre e o lirismo perspicaz de Aldana no saxofone tenor, juntamente com as harmonias econômicas e as ondulações complementares do piano de Gonzalo Rubalcaba, que fazem o álbum se destacar. Essa empatia fica evidente no belíssimo dueto de saxofone e piano, que abre o repertório e apresenta o quarteto tocando "La Sentencia", uma faixa bônus espetacular traz a dupla executando a música na íntegra.

Em seguida, vem "Dime Si Eres Tú" ("Diga-me se é você"), marcando uma leve mudança de ritmo, enquanto "Imágenes" ("Imagens") apresenta um solo de baixo e as ligaduras controladas do saxofone de Aldana. McLorin Salvant contém os arroubos de virtuosismo para oferecer interpretações encantadoras de "No Te Empeñes Más" ("Não Insista Mais") e "Las Rosas No Hablan" ("As Rosas Não Falam"), compostas pelo brasileiro Cartola. "No Pidas Imposibles", a faixa que encerra o álbum, desvanece suavemente e deixa o ouvinte querendo mais.

“Eu só tentava tocar integrada à banda, deixar espaço, estar o mais presente possível e deixar as músicas respirarem”, diz Aldana no encarte. E foi o que ela fez, ao longo de oito faixas magníficas.

Faixas

1 La Sentencia (Salvador Levy) 04:38

2 Dime Si Eres Tú (César Portillo De La Luz) 03:59

3 No Te Empeñes Más (Marta Valdes) 05:10

4 Imágenes (Frank Domínguez) 04:38

5 Las Rosas No Hablan (Cartola) 04:32

6 Little Church (Hermeto Pascoal) 05:01

7 Ocaso (Claudio Estrada) 04:36

8 No Pidas Imposibles (Frank Domínguez) 06:22

Músicos: Melissa Aldana (saxofone); Gonzalo Rubalcaba (piano); Peter Washington (baixo); Kush Abadey (bateria); Cécile McLorin Salvant (vocal).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=brgN0MJIvrM

Fonte: Mike Hobart (JazzWise)

 

 

SOL SOL – OSCILLATIONS (Sail Cabin Records)

Sol Sol é o nome de um quarteto de free jazz da Suécia formado em 2018. Eles gravaram seu primeiro álbum, “Unaccustomed Soil”, no Atlantic Studios, em Estocolmo, no dia 18 de junho de 2018, e o lançaram pela Signal And Sounds Records em 13 de abril de 2019. Elin Forkelid, que toca saxofone desde os quatorze anos e nasceu em 1984 no sul da Suécia, mudou-se para Estocolmo aos 20 anos para estudar saxofone e jazz no Royal College of Music. Em 2010, foi premiada como Revelação do Ano pela Rádio Sueca de Jazz. Outros membros fundadores do Sol Sol foram David Stackenäs na guitarra, Mauritz Agnas no contrabaixo e Anna Lund na bateria. Forkelid e Stackenas foram responsáveis ​​por todas as composições daquele primeiro álbum, quatro dele e duas dela.

Em 2020, Elin Forkelid lançou sua própria gravadora, a Sail Cabin Records. Dois dos primeiros lançamentos da gravadora foram os álbuns seguintes do Sol Sol, “What Year Is It (Sail Cabin Records, 2022)” e “Almost All Things Considered (Sail Cabin Records, 2024)”, gravados em estúdio em janeiro de 2021 e agosto de 2023, respectivamente. Como antes, todas as composições foram de Forkelid ou Stackenas.

Avançando para os dias 13 e 14 de janeiro de 2025, o quarteto estava gravando seu quarto álbum no Atlantis Metronome, em Estocolmo. Forkelid, Stackenas e Mauritz Agnas ainda estavam presentes, mas Anna Lund não era mais a baterista, tendo sido substituída por Nils Agnas. Das dez faixas desse álbum, cinco são creditadas a Stackenas, duas a Forkelid e três são improvisações livres, intituladas "Interlude", "Interlude" e "Postlude", creditadas aos quatro músicos. A primeira vez que um álbum do Sol Sol inclui improvisação livre. Além disso, Forkelid é creditado com uma gama mais ampla de saxofones do que nunca — soprano, alto, tenor e barítono. Logo de início, este álbum deixa claro que as mudanças feitas desde o último valeram a pena. Os quatro músicos parecem à vontade na companhia uns dos outros e desfrutam da companhia um do outro, seja tocando livremente ou seguindo uma composição. Este álbum não é apenas o melhor do Sol Sol até hoje, como também o mais promissor.

Faixas: Prelude; Masnou; Oscillatios For Hilma; Open Letter To Lord Badminton; Kura Borgerlig Skymning; Elvira Segura; Archimboldo; Interlude; Indian Summer; Postlude.

Músicos: Elin Forkelid (saxofone tenor); David Stackenäs (guitarra); Mauritz Agnas (baixo); Nils Agnas (bateria).

Fonte: John Eyles (AllAboutJazz)

 

BRIAN LANDRUS - JUST WHEN YOU THINK YOU KNOW (Palmetto/BlueLand)

Uma coisa é ouvir um especialista em instrumentos de sopro de madeira graves tocar vários instrumentos de palheta grandes em um nível realmente alto. Porém, é completamente diferente presenciar um artista versátil e sensível como Brian Landrus, que continua expandindo o pequeno exército de instrumentos de sopro que domina com potência, sutileza e uma voz pessoal singular, enquanto trabalha para ampliar seu leque estilístico como compositor e líder de banda de jazz. Em seu 14º álbum como líder — com o guitarrista Dave Stryker (que retorna de “Brian Landrus Plays Ellington & Strayhorn”, de 2024), o pianista/tecladista Zaccai Curtis (um amigo de longa data que trabalha com Landrus pela primeira vez) e os frequentes parceiros da seção rítmica Lonnie Plaxico (baixo) e Rudy Royston (bateria) — Landrus adiciona saxofone tenor e flauta em dó à sua paleta de timbres de sopro, que aqui também inclui seus instrumentos habituais: saxofone barítono, clarinete baixo, flauta alto e flauta baixo. As 14 faixas de "Just When You Think You Know" são composições originais cativantes e inteligentemente arranjadas, que proporcionam um contexto fértil para a interpretação altamente pessoal e expressiva de Landrus em todos esses instrumentos. Há muita emoção e alma a serem descobertas em suas composições e improvisações, todas elas enraizadas no tipo de emoções genuínas que surgem quando alguém se liberta das normas estabelecidas, abraça o inesperado e confronta elementos de incerteza e surpresa com vulnerabilidade e mente aberta. O mesmo se aplica a Stryker, um colaborador essencial deste projeto, que frequentemente dobra melodias com Landrus e executa vários solos líricos e sensuais de sua autoria. A determinação de Landrus em lidar com as mudanças repentinas da vida também se reflete na espontaneidade e nas interações instantâneas de seu quinteto estelar, que habilmente executam uma gama completa de variações estilísticas de uma faixa para a outra. O clarinete baixo desempenha um papel importante em várias faixas, incluindo a de abertura, “All In Time”, onde uma atitude contemplativa e meditativa domina o eloquente solo de Landrus em meio a um coro de instrumentos de sopro sobrepostos, exibindo a beleza textural de seu conjunto instrumental recentemente expandido. Sua flauta em dó faz uma estreia auspiciosa, ajudando a preencher a região aguda do mini conjunto de sopros e desempenhando papéis de destaque em peças como a sedutora bossa nova “Continuance”, a atmosférica e envolvente “Under Dark” e a vibrante disco-funk da faixa de encerramento “Paroxysm”. Ele toca saxofone tenor em cinco faixas, incluindo a animada valsa jazzística que dá título ao instrumento, fazendo o trompete cantar com a mesma extrema confiança e facilidade que ele demonstrou consistentemente ao longo dos anos em seus outros instrumentos. Seja desfrutando de uma sonoridade suave ou se impondo com uma ousadia blueseira e autoritária, seu timbre é robusto nos graves e médios do tenor, com seu registro agudo reforçado por uma suavidade encorpada. O saxofone barítono, instrumento pelo qual Landrus é talvez mais conhecido, assume o protagonismo na envolvente faixa de R&B "Untold Story", no hard bop direto "One Year" e na bossa nova moderna "Averse". Emoções pessoais profundas alimentam o programa bem ritmado, cuidadosamente desenvolvido e acessível ao ouvinte de “Just When You Think You Know”, onde Landrus, artista sério que é, demonstra seu amor íntimo e espontâneo por cada um dos instrumentos de sopro que domina.

Faixas: All the Time; Continuance; Untold Story; One Year; Dear Fred; Averse; El Perro Sigma; Beyond; Trance; From the Night; Just When You Think You Know; Under Dark; Something Special; Paroxysm.

Músicos: Brian Landrus (saxofone barítono); Zaccai Curtis (piano); Dave Stryker (guitarra); Lonnie Plaxico (baixo); Rudy Royston (bateria).

Para conhecer um pouco desse trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=l4gqVh3SUso

Fonte: Ed Enright (DownBeat) 

 

 

FERGUS McCREADIE TRIO - THE SHIELING (Edition Records)

Após quatro lançamentos cuidadosamente elaborados, o Fergus McCreadie Trio adotou uma abordagem completamente diferente para seu quinto álbum. Eles viajaram até a Ilha de Skye, pegaram a balsa para North Uist, nas Hébridas Exteriores da Escócia, e passaram cinco dias gravando “The Shieling” em uma cabana isolada. Quem quer que tenha sido o responsável por transportar o piano de McCreadie até este local isolado certamente merece reconhecimento pelos seus esforços.

"Shieling" é a palavra gaélica para uma habitação simples, geralmente construída de pedra e turfa, que era ocupada durante as épocas de pastoreio de verão e inspirou várias canções de amor tradicionais escocesas. Esse contexto histórico, aliado ao local remoto da gravação e à consequente sensação de amplitude, conferiu ao álbum uma qualidade mais contemplativa e lírica do que seus lançamentos anteriores. O álbum foi produzido pela trompetista britânica Laura Jurd, que também fez a viagem até a ilha.

A combinação de jazz para piano trio, fortemente influenciada por melodias folclóricas escocesas, conferiu ao trio um som singular que lhes rendeu inúmeros prêmios. O estilo deles está perfeitamente encapsulado na faixa de abertura do álbum, "Wayfinder". A música começa com um zumbido envolvente que leva a um motivo de piano repetitivo, ágil e nitidamente folk. O baixista David Bowden e o baterista Stephen Henderson impulsionam a música antes de McCreadie entrar em uma improvisação fluida, enquanto o trio cria uma mistura cativante de jazz e tradições folclóricas escocesas.

As profundas raízes do trio nas texturas folclóricas vêm à tona em "Climb Through Pinewood". Com sua atmosfera dançante, a faixa irradia a alegria de uma manhã de primavera, embalando e fluindo em uma melodia inspiradora. De maneira semelhante, "Ptarmigan" também começa com uma melodia leve e dançante, mas evolui para uma seção mais rápida, onde a improvisação veloz de McCreadie ao piano impressiona particularmente. Sua capacidade de variar a expressão e navegar pelas transições em sua execução, aliada às nuances versáteis da seção rítmica, demonstra o quão completamente sincronizados esses músicos se tornaram.

"Fairfield", uma música testada e aprovada ao vivo, se desenrola suavemente. A melodia fluida e a improvisação elegante emergem de passagens da mão direita enquanto o trio constrói e recua delicadamente, dando a impressão de movimento. "Eagle Hunt" é outra peça com um toque de jornada e narrativa, enriquecida pela bateria criativa de Henderson, enquanto "Windshelter" apresenta baixo e piano se entrelaçando elegantemente antes da longa e fluida passagem de McCreadie.

É difícil se destacar no concorrido cenário dos trios de piano, mas eles forjaram uma identidade distinta e um apelo que transcende gêneros. Uma faixa de seu lançamento anterior, “Stream (Edition Records, 2024)”, chegou até a figurar em um filme de Spike Lee. O álbum marca uma mudança de abordagem de McCreadie e seu trio, mas mantém sua capacidade de misturar com perfeição jazz e folk. Transportar tudo para uma cabana isolada numa ilha pode parecer incomum, mas valeu a pena, já que a gravação captura lindamente a paisagem selvagem que os rodeia.

Faixas: Wayfinger; Sparrowsong; Lily Bay; Climb Through Pinewood; Fairfield; The Path Forks; Windshelter; Eagle Hunt; Ptarmigan; The Orange Skyline.

Músicos: Fergus McCreadie (piano); David Bowden (baixo); Stephen Henderson (bateria).

Fonte: Neil Duggan (AllAboutJazz)

 

CARMEN STAAF – SOUNDING LINE (Sunnyside Records)

Thelonious Monk (1917-1982) era frequentemente agrupado com os pianistas de bebop do final da década de 1940 e início da década de 1950. Mas ele não era bop. Ele estava em um mundo pianístico à parte. Excêntrico, dissonante, frequentemente lúdico. Mary Lou Williams (1910-1981) também não se encaixava na categoria bebop. Ela surgiu antes do advento do bebop. Seu estilo musical era mais próximo da eloquência, da vivacidade e do suíngue de Duke Ellington.

Deixando o bebop de lado, a pianista Carmen Staaf percebeu uma afinidade musical entre esses dois contemporâneos do século XX. Ela demonstra isso com sua “Sounding Line”. O bebop é mencionado apenas porque o estilo, sob a influência do saxofonista alto Charlie Parker, mudou o mundo, e porque Monk e Williams, um pouco mais velhos que os pioneiros do bebop, nem sempre seguiram essa linha.

Mergulhando profundamente nos universos desses dois pioneiros, Staaf concebeu e executou uma homenagem encantadora, incluindo duas músicas de Monk, três composições de William e algumas de sua própria autoria, inspiradas por uma dupla que pode parecer improvável musicalmente, mas com quem Staaf encontrou uma espécie de afinidade.

"Scorpio", da obra mais famosa de Williams, "Zodiac Suite", abre o espetáculo. Este é um repertório com formação variável, e o trompetista Ambrose Akinmusire se junta a Staaf . A música soa como um aquecimento à la Ellington no Cotton Club, por volta de 1928. Aqui reina a espontaneidade, assim como em todo o set de filmagem. Pulando a faixa "Bye-Ya" de Monk, encontramos Staff com o clarinetista Ben Goldberg ao lado em "Libra", outra peça da "Zodiac Suite". Pensativo e gracioso, o som tem uma vibração leve e despreocupada no sentido mais relaxado da palavra.

De volta a "Bye-Ya" de Monk: Staaf é acompanhado pelo bongógrafo John Santos (o jazz precisa de mais bongógrafos), que defende seu instrumento com um som vibrante e preciso que se encaixa perfeitamente na melodia divertida. Staaf parece particularmente inspirada aqui. Ela parece feliz e despreocupada.

"Koolbonga" é uma canção retirada da segunda obra mais famosa de Williams, “Black Christ Of The Andes (Folkways, 1964)”. Uma das obras sacras de Williams, escrita após sua conversão ao catolicismo romano, a música tem uma atmosfera de jazz tradicional que se infiltra entre os bancos, sustentada pelo clarinete baixo de Goldberg e pelo trabalho vigoroso de trompete com surdina de Darren Johnson.

Em seguida, temos "Monk's Mood", a contribuição transcendental de Staaf para o piano na gravação. A instrumentação das cordas do piano (uma suposição), combinada com a sutil sustentação do vibrafone de Dillon Vado, confere ao som uma atmosfera orquestral e misteriosa, fazendo-o soar como a trilha sonora de um dos sonhos de Monk.

“Sounding Line” O álbum encerra com duas composições originais de Staaf, "Boiling Point" e "The Water Wheel". A primeira, inspirada em "Shuffle Boil" de Monk, poderia ser classificada, em um teste cego, como uma incursão sorrateira; a segunda encerra o álbum como começou, em um dueto com o trompetista Akinmusire. Sua natureza é festiva, uma homenagem celestial a Thelonious Monk e Mary Lou Williams.

Faixas: Scorpio; Bye-Ya; Libra; Monk's Mood; Koolbonga; Boiling Point; The Water Wheel.

Músicos: Carmen Staaf (piano); Ben Goldberg (clarinete); Ambrose Akinmusire (trompete 1 & 7); Darren Johnston (trompete 5 & 6); Dillon Vado (bateria, vibrafone [4], tamborim [5]); John Santos (percussão); Hamir Atwal (bateria)

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

 

ALMUT KÜHNE / JOÃO PEDRO BRANDÃO / MARCOS CAVALEIRO - STONES AND SEEDS (Carimbo Porta-Jazz)

Na edição 2025 do Festival Porta-Jazz houve um concerto que se destacou particularmente: o trio How Noisy Are The Rooms? juntava Alfred Vogel (bateria), Joke Lanz (toca-discos) e Almut Kühne (voz) e, a par da boa dinâmica coletiva, destacavam-se as capacidades da vocalista. O concerto acabou por ser distinguido como um dos melhores do ano na votação anual da jazz.pt e na altura escrevemos: «A voz de Almut Kühne destacou-se como um verdadeiro acontecimento: livre, inventiva e profundamente consciente do processo improvisacional, mostrou que o território vocal no jazz está longe de se esgotar.»

A cantora, natural de Dresden (nascida em 1983) e radicada em Berlim, juntou-se agora a dois músicos portugueses para formar um curioso trio. Com o saxofonista João Pedro Brandão e o baterista Marcos Cavaleiro, dois dos mais versáteis e criativos músicos da nossa terra, nasceu este projeto que acaba de editar, através do Carimbo Porta-Jazz, a sua estreia discográfica: “Stones and Seeds”. Neste disco começamos por ouvir o trio em diálogo improvisado, onde as ideias se vão agregando. Kühne empresta a sua voz camaleônica, que vai alternando de registros. As intervenções de Brandão são afirmativas e aqui, além do habitual saxofone, serve-se ainda da flauta, do clarinete e do órgão. E, na percussão, Cavaleiro é oportuno, atento e dialogante. Num encontro feliz, os três músicos contribuem para uma música mutante, uma massa sonora que vai crescendo e evoluindo com cada gesto e intervenção.

O primeiro destaque irá para a voz de Almut Kühne, que já não será uma surpresa, mas é uma confirmação, não só pela riqueza e amplitude de recursos que apresenta, mas sobretudo pela forma inteligente com que sabe aplicar cada recurso em cada situação (e que encontrará paralelo nos trabalhos de Mariana Dionísio e Vera Morais). É sempre um prazer ouvirmos Brandão, que se desdobra entre a organização da associação Porta-Jazz e, artisticamente, entre o Coreto, a Orquestra Jazz de Matosinhos ou o seu excelente Trama no Navio — e gostávamos de ver mais trabalho autoral em nome próprio. Também Cavaleiro se multiplica em parcerias e aqui ouvimo-lo de um modo mais livre e desassombrado.

O grupo luso-germânico revela uma permanente escuta ativa, num jogo constante de ação e reação. Os músicos tiram-nos o tapete, lançam novas luzes, despejam muitas ideias e, durante o tempo todo, trabalham uma comunicação muito fluida. E daqui resulta uma música que vai atravessando diferentes ambientes: é espectral, é exploratória, é desafiante. Esta música não é fácil de ouvir, poderá não ser apelativa a todos os ouvintes. No tema final, “Airwaves”, somos assombrados por sussurros fantasmagóricos: os agudos do sax de Brandão e da voz de Kühne intersectam-se, deixando o ouvinte confuso sem saber onde termina um e começa o outro. Este disco é uma verdadeira experiência imersiva, onde assistimos, em tempo real, ao processo criativo de três músicos em plena invenção.

Faixas

1.Stones in rivers 08:19

2.Carried by wind 05:02

3.Evasti 05:37

4.Seeds: life not yet to come 05:19

5.Glasklar 02:52

6.Os círculos que desenhamos 07:13

7.Airwaves 02:42

Músicos: Almut Kühne (voz); João Pedro Brandão (flauta, clarinete, saxofone, órgão); Marcos Cavaleiro (percussão).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=uODFKhXwC7M

Fonte: Nuno Catarino (jazz.pt)

 

 

 

 

KENNY DORHAM - BLUE BOSSA IN THE BRONX : LIVE FROM THE BLUE MOROCCO (Resonance Records)

Os caprichos da vida do jazz estão por toda parte neste lançamento. Por que Kenny Dorham deve ser subestimado é um mistério. Para o show no Blue Morocco ele reuniu um supergrupo com uma vasta experiência. O baterista Denis Charles trabalhou com Cecil Taylor. Kenny Dorham acompanhou Charlie Parker no auge de sua carreira. O baixista Paul Chambers abriu shows para Miles Davis e Sonny Rollins. O pianista Cedar Walton esteve no Jazz Messengers. Toda essa experiência combinada, repleta de história e expertise arduamente conquistada, estava no pequeno palco do Blue Morocco. Se ao menos a viagem no tempo fosse possível.

O público do Blue Morocco certamente deve ter se encantado com "Blue Bossa", de Kenny Dorham. Que melodia atraente. A facilidade com que Dorham desliza em torno das mudanças impulsionadas por Cedar Walton e Paul Chambers é sustentada pelos posicionamentos percussivos sensatos de Denis Charles.

A surpresa do set é Sonny Red. Sonny tinha seus próprios planos. Ele evitou o modo de jogo seguro para entregar solos que tinham uma ponta tingida com um tom abrasivo, que dava ao seu sax alto uma sensação de perigo: um bom contraste para o mais conciliador Dorham.

Cedar Walton inseria citações ocasionais em sua improvisação, quando não estava sendo percussivo, enquanto construía solos para um clímax satisfatório.

A formação de Denis Charles era de vanguarda, mas não era aparente. Ele parecia mais impressionado com o estilo de Tony Williams.

O trabalho de Paul Chambers tinha uma bela qualidade estrutural e um som profundo e sensual. Seu tom era consistente e firme e seus solos tinham uma qualidade narrativa. Seu modo de tocar, tanto com arco quanto com dedilhado, tinha profundidade e uma qualidade fluida e solta.

Dorham toca um solo imponente em "My One and Only Love" com seu estilo pessoal distinto. Ele estava feliz em manter-se dentro de seu alcance, criando um solo lírico inventivo: sem arrogância, apenas belo, natural, intuitivo.

Em "Bag's Groove", o solo de Sonny Red foi expansivo, assertivo, com saltos nas escalas. Ele aproveitou o espaço para traçar caminhos inusitados pela melodia.

"Confirmation" traz memórias de Charlie Parker enquanto todos negociam o tema complexo.

"Memories of You" foi todo Sonny Red. Ouvir seu solo causa mais reflexão sobre a inconsistência da vida jazzística. Sonny morreu na obscuridade. Difícil entender por que a vibrante atuação aqui levou a isso é outro mistério.

O lançamento, como acontece com todas as gravações da Resonance, é essencial porque combina entusiasmo com a abordagem acadêmica. Com notas finas e incisivas de Bob Blumenthal, comentários dos trompetistas Eddie Henderson e Jeremy Pelt, uma calorosa reminiscência de Dan Morgenstern e as filhas de Kenny Dorham compartilham suas memórias. O produtor Zev Feldman observa que este lançamento celebra o centenário de Kenny Dorham.

Faixas: Blue Bossa; Confirmation; Memories of You; My One and Only Love; Bags’ Groove; Blue Friday; The Theme.

Músicos: Kenny Dorham (trompete); Sonny Red (saxofone alto); Cedar Walton (piano); Paul Chambers (baixo acústico); Denis Charles (bateria).

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=MF6_CHa5Ers

Fonte: Jack Kenny (AllAboutJazz)

 

THEO CROKER AND SULLIVAN FORTNER - PLAY

Existe uma base, um ponto de referência, a partir do qual todos os improvisadores saltam. No caso do trompetista Theo Croker e do pianista Sullivan Fortner, ambos visionários de técnica prodigiosa, o sarrafo é tão elevado que a excelência no free jazz é praticamente uma garantia. Não havia garantia, é claro, de que esses dois instrumentistas, estilisticamente tão diferentes, extrairiam um brilho mágico do nada.

Após se reconectarem com os pontos fortes um do outro depois de gravarem um álbum de reinterpretações que acabou sendo descartado ("Parecia sem graça" disse Croker), eles lançaram um desafio. Eles tentariam novamente — e, desta vez, eles iriam "apenas brincar". Com os andamentos definidos e as melodias e/ou a sonoridade delineadas, os dois amigos de longa data — Fortner tocou no álbum de estreia de Croker em 2006, “The Fundamentals” — dedicaram-se a criar o que acabou se tornando 14 faixas harmoniosamente equilibradas. Algumas, expansivas e cinematográficas. Outros, íntimos e detalhados. Tudo isso impregnado de uma beleza acústica de sonoridade terrosa, ainda mais surpreendente dadas as respectivas trajetórias da dupla: a estética nu-jazz de Croker é voltada para a música eletrônica e influenciada pelo soul e pelo hip-hop.

Fortner, um membro de destaque do quarteto de Cécile McLorin Salvant, tem raízes tradicionais de New Orleans. Mas, tendo sido peça-chave na banda do trompetista Roy Hargrove e dotado de ouvido absoluto, Fortner oferece uma execução repleta de nuances que é um verdadeiro presente para Croker, cujo instrumento se curva, cresce e tremula em um jogo de (chamada e) resposta. Jazz autêntico e carregado de emoção.

Faixas

1.A Prayer for Peace 02:54

2.First Light 03:02

3.We Laugh Because We Must 02:01

4.Midnight Bloom 01:24

5.The Space Within 02:05

6.Let the Quiet Speak 01:57

7.Open Palms 03:43

8.Light Remains 05:53

9.Beneath the Noise 03:18

10.Mouth Full of Sky 03:25

11.Grace Is Not Gentle 01:55

12.As We Are 05:10

13.Then We Danced 03:47

14.Here and Now 02:50

 Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=N9NnUbt-WH0

 Fonte: Jane Cornwell (JazzWise)