THE SCOTT WHITFIELD JAZZ ORCHESTRA WEST - POSTCARDS FROM HOLLYWOOD (Summit Records)

Enquanto muitas pessoas estiveram excitadas ou extasiadas pelos arranjos da música, acompanhando a maioria dos filmes amados de Hollywood, poucos sabem (ou talvez mesmo tenham tido o cuidado) de saber quem os compôs. Isto é uma vergonha, como estes compositores (e seus contemporâneos) foram pioneiros musicais cujos nomes deveriam ser consagrados para sempre nos anais do brilho artístico. Aquele que se importa é o compositor/arranjador Scott Whitfield que dedicou o último álbum à Jazz Orchestra West de Hollywood com “Postcard”, para seus marcantes (e bastante esquecido) legado.

Alguns dos nomes (Henry Mancini, Johnny Mandel, Quincy Jones, John Williams) devem ser familiares, outros (Elmer Bernstein, Alex North, Jerry Goldsmith, Max Steiner, David Raksin, Miklos Rosza, Bernard Herrmann) um pouco menos. O que eles têm em comum é que cada um deles (ou na maioria dos casos, foi) um mestre absoluto de sua arte. Não ouviu falar de Steiner? Bem, ele escreveu a partitura para Gone with the Wind, entre outras obras-primas. David Raksin? Pense em Laura. Elmer Bernstein? The Magnificent Seven (dentre muitos outros), cujas temas principais Whitfield e a orquestra usam como o primeiro de seus coloridos Postcards (cartões postais) reestilizados aqui, como um antigo queimador, o tema bem conhecido de Bernstein para ser visto ou ouvido (que poderia ser bom ou mau, dependendo do ponto de vista). O que pode ser ouvido é um trabalho esplêndido da banda e os solos cortantes de Whitfield (esqueci de mencionar que ele também é um excelente trombonista), o baritonista Brian Williams, o trompetista Kye Palmer e o baterista Kendall Kay.

Embora, Mancini seja talvez melhor conhecido pela melodia assombrosa de "Moon River" de Breakfast at Tiffany, Whitfield escolheu outra canção, "Sally's Tomato", composta para um personagem menor nesse mesmo filme, que apresenta o trombonista Gary Tole, o altoísta Rusty Higgins, a trompetista Anne King e a baixista Jennifer Leitham. North é o próximo com "Entre'act" e "Love Theme" de Cleopatra, exibindo o convidado Pete Christlieb—um dos principais saxofonistas tenor da Costa Ocidental —seguido pelo principal tema de Goldsmith de The Sand Pebbles, no qual, como Cleopatra, estrelaram Elizabeth Taylor e Richard Burton. O pianista Jeff Colella, o trombonista Ira Nepus e o trompetista Tony Bonsera compartilham os espaços para o solo.

Mesmo quando ele exibe seu respeito por estes compositores ilustres, Whitfield não tem escrúpulos sobre remapeamento de seus desenhos, mesmo a ardente de Steiner, "Tara's Theme" de Gone with the Wind (E o vento levou...), arranjou aqui como um samba jazz com solos de Whitfield, King no flugelhorn e Higgins no soprano. O aquecimento permanece intenso na usualmente bem temperada "A Time for Love" de Mandel (no qual os solos de Whitfield com o tenor de Kirsten Edkins e o trompete de Palmer), então diminui até certo ponto no tempo principal de Raksin de The Bad and the Beautiful, uma peça de exibição para os trombones (Whitfield, Tole, Rich Bullock, Ira Nepus) com um breve, ainda que charmoso,  solo liderando a coda para o seu convidado de noventa e quatro anos, Dick Nash.

Whitfield (que também canta), faz isso em um ágil tema lírico de Rosza de Spellbound, após o que ele e a orquestra repercutem agradavelmente graças uma leitura deleitosa do tema principal de Jones para The Pawnbroker, que encara solos ardentes e faz trocas entre o tenorista convidado, Rickey Woodard, e Whitfield (desta vez no trombone). O tema icônico de Williams para Star Wars (Guerra nas Estrelas) é estabelecida por uma batida rítmica afro-cubana, cujo solo vigoroso de Williams, com percussão robusta, cortesia de Kay, e ainda outro convidado talentoso, Brad Dutz. A orquestra deixa tudo sair, ao final, fumegante, levando à frente o tema principal de Herrmann do thriller de Cary Grant/Eva Marie Saint, North by Northwest. Colella pavimenta o caminho para declarações acaloradas de Edkins (soprano) e Whitfield antes do refrão de encerramento.

Embora alguns ouvintes possam ter problema com a abordagem geral de romance de Whitfield para estes arranjos para filmes clássicos, não pode haver dúvida sobre sua sinceridade em homenagear as enormes contribuições dos compositores à música em geral e em arranjos para filmes em particular, nem da sua maestria perceptiva e frequentemente formidáveis em arranjos para orquestra. Adicione um número de soberbos solistas e uma nota de "excelência" é bem merecida e conclusiva. Como bônus: um dos melhores do ano e ensaios mais espirituosos, compostos por Whitfield.

Faixas: The Magnificent Seven; Sally’s Tomato (from Breakfast at Tiffany’s); Entre’act/First Love Theme (from Cleopatra); The Sand Pebbles; Tara’s Theme (from Gone with the Wind); A Time for Love (from An American Dream); The Bad and the Beautiful; Spellbound; The Pawnbroker; The Force theme (from Star Wars); North by Northwest.

Músicos: Scott Whitfield: trombone; Tony Bonsera: trompete; Dave Richards: saxofone; Kye Palmer: trompete; Anne King: trompete; Rusty Higgins: saxofone alto; Kristen Edkins: saxofone tenor; Brian Williams: saxofone barítono; Gary Tole: trombone; Ira Nepus: trombone; Rich Bullock: trombone baixo; Jeff Colella: piano; Jennifer Leitham: baixo; Kendall Kay: bateria; Peter Christlieb: saxofone tenor; Brad Dutz: percussão; Dick Nash: trombone; Rickey Woodard: saxofone.

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 31/12

Anat Cohen (1979) – clarinetista,saxofonista (na foto e video) https://www.youtube.com/watch?v=1YXhSKRStpM ,

Andy Summers  (1942) – guitarrista,

Bernie Senensky (1944) – pianista,

Gil Melle (1931-2004) saxofonista,

Jerry Van Rooyen (1928-2009) – trompetista, flughelhornista,

John Kirby (1908-1952) - baixista,tubista,

Jonah Jones (1909-2000) – trompetista,

Jonathan Mele (1969) – baterista,

Marcelo Salazar(1953) – percussionista,

Martin Spitzer (1965) – guitarrista,

Oran Etkin (1969) clarinete, saxofone,

Peter Herbolzheimer (1935) - trombonista,

Rich Perry (1949) – saxofonista,

Scott Forrey (1959) – trompetista,

Shane Endsley (1969) – trompetista,

Will Bernard (1949) – guitarrista,

Wilbur Harden (1924-1969) – trompetista, flugelhornista

 

 

ED VEZINHO / JIM WARD - LIVE FROM THE JERSEY PINES

 The Pineys (Os Pinheiros). The Jersey Devil (O Diabo de Jersey). A zona de passagem entre o sudeste da Pensilvânia e a costa de Jersey. Nenhuma destas são descrições lisonjeiras ou apresenta a grande extensão arborizada que se estende por grande parte de South Jersey, mas, como eles dizem, é o que é. Claro, os residentes das grandes cidades que rodeiam Jersey Pines também sabem que há muitos bons músicos e lugares para tocar também. Isto não é nada novo, mas, às vezes, a proximidade de Nova York tende a diminuir o corredor entre Filadélfia-Atlantic City aos olhos dos aspirantes a músico. Um foi, conforme Dizzy Gillespie colocou, conquistar Nova York. Quem foi a Nova Jersey para conquistar qualquer outra coisa que um péssimo hábito? Uma reputação muito infeliz e, musicalmente, uma má reputação também. A Ed Vezinho / Jim Ward Big Band pode não ser exatamente um nome familiar, mas é, como seus fundadores colocam, firme e fumegante. Qualquer que seja o nome que você escolher para esta gravação, não é um brilho residual.

Se a orquestra não tem uma seção rítmica de primeira classe e um trompete líder bastante capaz, todas as apostas estão encerradas. Embora Mike Nigro não consiga grandes solos, ele tem técnica, tempo e gosto. Ele, o pianista Demetrios Pappas e o baixista Joe Jacobs realmente fazem isso acontecer e na música final, "The Blues Up and Down", Nigro e Jacobs dão uma aula. O mesmo para (presumivelmente) o trompete principal Jim Ward, que lida com um repertório exigente mais ou menos perfeitamente. Jacobs está apenas onipresente, da mesma forma que alguns dos melhores músicos de orquestra, como Chuck Andrus esteve. Ouça "When Sunny Gets Blue" onde os saxofonistas Skip Spratt e Denis DeBlasio realmente obtêm todo o apoio que qualquer instrumentista poderia desejar.

"Ruby Baby" sente-se um pouco como as bandas de Woody Herman do final dos anos 1960 e dá a Pappas a chance para solar. Os trompetes e trombones lembram ao ouvinte a interação clássica que as bandas de Herman costumavam ter, bem definidas, nítidas. Falando de trompetes, há uma abundância de finos instrumentistas, se tocando na seção ou solando. Joe Scannella em "Impossible", realmente, toca lindamente e enquadra a seção de swing de forma maravilhosa, um tom tão adorável e um registro superior cantante. Tony DeSantis dá uma chance a "Body and Soul" e se comporta bem. Ward e Scannella atuam em "People" e é difícil não desejar que Ed Vezinho não os deixasse simplesmente soltos para um refrão. O duo harmonizado, aqui, está muito bem, mas deixe esses caras explodirem. "Deni's Lament" é o longa-metragem de DiBlasio e coloca para dormir uma imagem persistente de um Denis mais jovem de anos atrás tocando algumas coisas selvagens como "Jack Usage" com Maynard Ferguson. Ele envelheceu bem. "It Could Happen to You" dá algum espaço aos trombones e apresenta um ótimo solo de sax e outro solo de DeSantis.

Houve um tempo, muitos anos atrás, quando algumas personalidades de rádio na Filadélfia costumava desejar um retorno das big bands. Uma destas pessoas foi o infatigável Jack Pyle, que teve a sorte de ver todos os lindos olhares da Era do Swing. Ocasionalmente, um ouvinte idoso se pergunta o que Pyle teria achado de algumas big bands contemporâneas, onde os músicos pareciam capazes de qualquer coisa contanto que nada tão vulgar quanto a excitação atrapalhasse. Pyle teria gostado dessa banda, assim que ele entendesse seu estilo de harmonias mais modernas. Pode ser rígido e bem equilibrado, mas aborrecido, certamente não. O esperto faça você mesmo em "Skylark" é uma marca de pontuação apropriada (!). Todas as coisas consideradas, alguns de nós preferiríamos estar em Jersey Pines esta noite se o grupo Vezinho / Ward estivesse na casa.

Faixas: My Man Rob; When Sunny Gets Blue; Ruby Baby; Impossible; Body and Soul; People; Den's Lament; It Could Happen to You; Till There Was You; Skylark; Del Sasser; The Blues Up and Down.

Músicos: Ed Vezinho (arranjador); Howard Isaacson (saxofone alto); Joe Vettori (saxofone alto); Skip Spratt (saxofone tenor); Bob Quaile (saxofone tenor); Denis DiBlasio (saxofone barítono); Jim Ward (trompete); Joe Scannella (trompete); Tony DeSantis(trompete); Jon Barnes(trompete); Clint Sharman (trombone); Rich Goldstein (guitarra); Bob Suttmann (trombone); Joe Jacobs (trombone baixo); Demetrios Pappas (piano); Douglas Mapp (baixo); Mike Nigro (bateria).

Fonte: Richard J Salvucci (AllAboutJazz)

ANIVERSARIANTES - 30/12

Aloysio de Oliveira (1914-1995) – vocalista,compositor, produtor,

Brooke Sofferman (1972) – baterista,

Ed Byrne (1946) - trombonista,

Frank Vignola (1965) - guitarrista,

Jack Montrose (1928- 2006) – saxofonista,

Jerry Granelli (1940) - baterista,

Jimmy Jones (1918-1982) - pianista,

Lewis Nash (1958) – baterista(na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=R8SlQjwitC0,

Nir Felder (1982) – guitarra,

Ron Affif (1965) - guitarrista,

Stan Tracey (1926) - pianista,

Yaron Elyashiv (1981) - saxofonista 

 

MIHO HAZAMA M-UNIT – BEYOND ORBITS

A paleta de jazz orquestral do compositor/maestro Miho Hazama varia de improvisos rápidos  e vozes astutas do jazz da Costa Oeste até os toques e armadilhas características do hip-hop contemporâneo.

As explosões modernistas estão na mistura, assim como brilhos de cordas e escalas modais, todos artisticamente misturado com as reviravoltas narrativas de uma única faixa.

Este álbum, seu terceiro com o conjunto de M-Unit, abre com duelos de metais sobre baixo funkeado e cordas e trompas fazendo piruetas em um 4/4 animado. Solos emergem com todos os tipos de suporte, texturas engrossam e desbotam, a pulsação muda e temas reaparecem em diferentes aparências. ‘Abeam’ funciona brilhantemente, mantidos unidos pela lógica férrea do ofício de compositor de Hazama.

Por outro lado, ‘A Monk in Ascending And D’ é um recurso suave para múltiplas aberturas e alcance textural, a divertida ‘Can’t Hide Love’ tem um estranho toque latino e o saxofonista alto Immanuel Wilkins é convidado em ‘From Life Comes Beauty’.

A peça central do álbum são os três movimentos da ‘Exoplanet Suite’. Cada sessão tem muitas emoções e ‘Movement I: Elliptical Orbit’ tem o baixista Christian McBride como convidado. Porém, a força do álbum alicerça-se nas partituras emocionantes e na banda compacta, comprometida e sensível de Hazama. O saxofonista Steve Wilson e o vibrafonista James Shipp estão entre vários que trabalharam com Hazama desde que a m-unit gravou seu primeiro álbum, “Journey to Journey em 2013”.

Faixas

1.Abeam 07:38

2.A Monk In Ascending And Descending 08:44

3.Exoplanet Suite: I. Elliptical Orbit (apresentando Christian McBride) 08:19

4.Exoplanet Suite: II. Three Sunlights 07:26

5.Exoplanet Suite: III. Planet Nine 10:11

6.Can't Hide Love 05:59

7.Portrait Of Guess 07:57

8.From Life Comes Beauty (apresentando Immanuel Wilkins) 08:29

Fonte: Mike Hobart (JazzWise)

 

ANIVERSARIANTES - 29/12

Danilo Pérez (1966) – pianista,

David Feldman (1977) – pianista,

Fred Jacobs (1949) - trompetista,

George Colligan (1969) - tecladista,

George Schuller (1958) - baterista,

Joe Lovano (1952) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=AcowR9AvtJA,

Snub Mosley (1905-1981)- trombonista,

Sullivan Fortner (1986) – pianista,

Viola Smith (1912-2020) – baterista,

Willie Humphrey (1900-1994) - clarinetista

 

DAVE BURRELL - HARLEM RHAPSODY (Parco Della Musica)

Seria um erro caracterizar o pianista Dave Burrell como uma testemunha da história. História do jazz de vanguarda. O octogenário foi ouvido nos grupos dos anos 1960 de Marion Brown, Pharoah Sanders, Noah Howard, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Sunny Murray e Grachan Moncur III, ao mesmo tempo em que trocava ideias em Nova York com Albert Ayler, Sam Rivers e Tony Williams. Burrell não é apenas uma testemunha. Ele é a personificação da história do jazz. Nos anos 1990, juntos com David Murray, Burrell gravou um conjunto de álbuns memoráveis. Como Murray, Burrell teve (e tem) um pé na vanguarda, enquanto o outro é firmemente plantado na tradição. Embora ele possa prosperar em um ambiente totalmente livre com o saxofonista Ivo Perelman em “Brass And Ivory Tales (Fundacja Słuchaj!, 2021)”, ele também interpreta música de Jelly Roll Morton e Duke Ellington.

O gênio de Burrell está em sua habilidade para ancorar uma apresentação externa ou gratuita de música na linguagem do jazz tradicional. Pela mesma razão, sua interpretação de uma composição antiga como "My Melancholy Baby", que ele interpreta aqui, pode ser tocada de forma direta e desconstruída, apenas para ser reconstruída em uma espécie de experimento de vanguarda. A performance solo ao piano de Burrell inicia com vinte minutos em "Red Summer March", que é um amálgama de piano suave e exploração abstrata. Alguém deve crer que os dois seriam contraditórios, mas nas mãos de Burrell a tradição e vanguarda cabem como uma mão na luva. A faixa título episódica tece elementos da música clássica em um som épico Ellingtoniano. Seu "Paradox Of Freedom" tem uma sensação de boogie-woogie em câmera lenta envolvido em uma marcha. A música de Burrell é avant-garde com um constante aceno para as tradições do piano jazz.

Faixas: Red Summer March; How Little We Know; Paradox Of Freedom; My Melancholy Baby; Harlem Rhapsody; Dancing With Monika.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=zmFPcUVB6-c

Fonte: Mark Corroto (All About Jazz) 

 

ANIVERSARIANTES - 28/12

Ben Williams (1984) – baixista,

Caleb Curtis (1985) – saxofonista,

Dan Chmielinski (1993) – baixista,

David Berkman (1958) – pianista,

Daniel Carter (1945) – saxofonista,flautista,clarinetista,

David Berkman (1958) – pianista,

Dick Sudhalter (1938) - cornetista,

Donna Hightower (1926-2013) –vocalista,

Earl Hines (1903-1983) - pianista,

Ed Thigpen (1930) - baterista,

Lonnie Liston Smith (1940) - pianista,

Terrace Martin (1978) – vocalista,multi-instrumentista,

Michel Petrucciani (1962-1999) – pianista,

Moe Koffman (1928-2001) - flautista, saxofonista,

Rebecca Parris (1951-2018) – vocalista,

Rob Reddy (1966) – saxofonista,

Ted Nash (1959) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=BvsbUo5xSVs   

 

BLOODMIST – ARC (5049 Records)

“ARC”, o quinto lançamento do trio Bloodmist, deve ser a resposta do século XXI para o trabalho seminal de Lou Reed, “New York (Sire, 1989)”. Não que este “ARC” seja um álbum de rock, porque certamente não é. Não tem letras, nem referências a avenidas sujas, mistérios da loja de dez centavos ou morte do sonho estadunidense. Só que a desgraça que Reed canta está plenamente exposta aqui.

O trio é composto por clarinete mais a eletrônica de Jeremiah Cymerman, Mario Diaz de Leon nos sintetizadores mais drum machine (bateria eletrônica), e o baixista Toby Driver. Como os lançamentos anteriores do Bloodmist, a música permanece em uma aura de humor e som. Com “ARC”, o som do trio amadureceu em uma apresentação completa, construída sobre a escuridão e sombra, prateleira e ruína. Porém, isto não é espírito adolescente angustiado. É mais estruturado, como nós ouvimos na faixa de abertura "Battle Mountain”, onde a árdua pulsação prefigura o clarinete fragmentado e a estática de sinais elétricos. Como outros lançamentos de Cymerman, seu “Systema Munditotius, Vols. 1 & 2” (5049 Records, 2020 & 2021, respectivamente), e o mais excelente “Decay of the Angel (5049 Records, 2018)” há mais consideração e o planejamento vai para o desenho sonoro. Camadas são trabalhadas sobre reverberações que ecoam como uma estratégia intencional. Cada músico está encerrado em sua orientação, escura como é. A música ajusta-se bem com a citação do famoso Thelonious Monk, "É sempre noite, ou nós necessitaríamos da luz".

Faixas: Battle Mountain; Creston; Red Canyon; Santa Filomena.

Músicos: Jeremiah Cymerman: clarinete; Toby Driver: baixo; Mario Diaz de Leon: sintetizador; Mario Diaz de Leon: drum machine (bateria eletrônica); Jeremiah Cymerman: eletrônica

Fonte: Mark Corroto (AllAboutJazz) 

 

ANIVERSARIANTES - 27/12

Bill Crow (1927) - baixista,

Bunk Johnson (1889-1949) - trompetista,

David Hughes (1971) - baixista,

Demian Cabaud  (1977) – baixista,

Johnny Frigo (1916-2007) - violinista,

Ken Filiano (1952) – baixista,

Maurício Tapajós (1943-1995) – vocalista,

Pablo Held (1986) – pianista,

T.S. Monk (1949) – baterista(na foto e vídeo) http://www.dailymotion.com/video/xdxx8b_t-s-monk-at-museum-of-the-city-of-n_music,

Tony Deangelis (1969) – baterista,

Walter Norris (1931-2011) - pianista 

 

JON RASKIN / PHILLIP GREENLIEF - 2 + 2 WITH JEN BAKER & LIZ ALLBEE

Os saxofonistas inovadores Jon Raskin e Phillip Greenlief usam partituras gráficas para uma série de gravações, cada uma com um par similar de instrumentos. Estas colaborações são chamadas 2 + 2. As primeiras destas é a provocativa 2 + 2 com Jen Baker & Liz Allbee. Como o título indica Raskin e Greenlief junta-se a dois instrumentistas de sopro, o trombonista Jen Baker e o trompetista Liz Allbee. A música resultante, improvisada e interpretada, é uma conversação estimulante de quatro vozes únicas e sinérgicas dentro de uma ambiente  dramático.

Os intercâmbios entre os músicos são frequentemente abstratos e às vezes impressionista, como ouvido em "Light Bending". Frases coletivas longas, tristes e claras, no meio de, fazem uma curva angular acentuada e estremece com vibrato. Então eles resumem seus caminhos retos e assustadoramente desaparecem no silêncio.

Por outro lado, em "Geomorphs", dois saxofones sobrepostos e o trombone rosnante de Baker criam estruturas cristalinas. As arestas duras da música brilham com tons suaves à medida que Albee contribui com o clima expectante com seus tons reverberantes. Raskin e Greenlief engajam-se em um diálogo nítido e inteligente, enquanto Baker e Allbee respondem com longas linhas cheias de angústia. Doação e recebimentos apaixonados de ruídos, grasnados e deliciosas dissonâncias encerram a faixa.

Allbee inicia a cinemática "Night Town" com um solo melífluo, que ecoa no silêncio envolvente. Ela estende-se em uma complexa e eloquente improvisação, que inaugura um dueto sereno e gentil com um dos saxofonistas. Pillowy cujos rosnados, estalos e assobios se fundem em uma peça hipnótica e misteriosa, que invoca imagens de escuridão e ruas desertas. No meio de um misticismo oriental permeando a performance com cantos parecendo zumbidos e melodias assombrosas. Explorando o completo espectro de seus instrumentos e o contraste dos seus timbres, o grupo conclui com uma nota tranquila.

Este é um álbum brilhante que estimula e move-se com seu espírito ousado e sua criatividade. É um trabalho multicamada que demanda atenção da sua audiência. Consequentemente, embora não necessariamente acessível a ouvintes casuais, recompensa aqueles que se rendem a ele com a mente aberta.

Faixas: Tableaux; Geomorphs; Light Bending; Night Town; 2 + 2.

Músicos : Jon Raskin (saxophone barítono) ; Phillip Greenlief (saxofone); Liz Allbee (trompete); Jen Baker (trombone)

Fonte: Hrayr Attarian (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 26/12

Billy Bean (1933) - guitarrista,

Belden Bullock (1957) – baixista,

Butch Ballard (1917) - baterista,

Chihiro Yamanaka (1974) – pianista,

Chris Weigers (1957) - baixista,

George Porter Jr. (1947) – baixista,

George Winston (1949) – pianista,

Guy Barker (1957) - trompetista,

John Scofield (1951) – guitarrista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=ler4KKEcHDY,

Monty Budwig (1929-1992) - baixista 

 

GONZALO RUBALCABA – BORROWED ROSES (Top Side Music)

Enquanto muitos homens e mulheres abordam a comemoração dos seus sessenta anos com visões de aposentadoria, o pianista e iconoclasta Gonzalo Rubalcaba, com seu ouvido perceptivo para a dança folclórica e densa improvisação, move-se tão longe quanto possível da ideia de aposentadora e atinge outro pico de perfeição em “Borrowed Roses”.

Diferente de suas anteriores gravações solo estilísticas e impressionantes —o vencedor do Grammy Latino, “Solo (Blue Note, 2005)” e do espírito limpo de “Fe Faith (5Passion, 2019)” —"Borrowed Roses” contempla canções populares e standards.

Saindo de mais uma vitória no Grammy por “Skyline (5Passion, 2022)”, um lançamento em trio altamente diferenciado com Ron Carter e Jack DeJohnette, Rubalcaba, expressou esta música, com imaginação e criatividade, e nunca como uma coisa estática. Ele foca sua formidável destreza interpretativa em duas joias melódicas de Billy Strayhorn, "Chelsea Bridge" e "Lush Life", centrando as melodias dentro de si, optando por não lhes apoiar com os ricos acentos harmônicos, que fizeram os originais memoráveis. Isso não implica de forma alguma que a abordagem e o toque de Rubalcaba seja qualquer coisa menos que memorável.

Levado de costas um para o outro e guiado pelo fluxo lírico, os dois clássicos de George Gershwin, "Summertime" e "Someone To Watch Over Me" vêm a ser uma peça só, cada uma se glorificando no exterior (a estação do sol) e a interior (a estação da saudade). Talvez não seja um par original (dadas as muitas vezes que cada uma foi executada ao longo das décadas), mas, certamente, inspirador, e que destaca a intrincada delicadeza e determinação de Rubalcaba.

Se não fosse pela instantânea familiaridade com a mudança de jogo de Paul Desmond em "Take Five", esta performance poderia ser tomada como uma das composições que desafiam o tempo do próprio pianista, sua coordenação e improvisações solo mantendo a pegada. Mais e mais instrumentistas de jazz estão reconhecendo a profundidade e a durabilidade do repertório de John Lennon-Paul McCartney, garantindo anos futuros de boa música. O pianista toma seu lugar entre intérpretes verdadeiros, traduzindo o núcleo emocional de "Here, There, and Everywhere" com a clareza que um sobrevivente dos Beatles se maravilharia. Rubalcaba reflete e expande "Windows" de Chick Corea, invoca e convoca Bill Evans em "Very Early" e fecha “Borrowed Roses” com a elegância sussurrada de Sting na balada "The Shape of My Heart".

Faixas : Chelsea Bridge; Summertime; Someone To Watch Over Me; Take Five; Here There and Everywhere; Windows; Lush Life; Night and Day; In a Sentimental Mood; Very Early; Do It Again; Shape of My Heart.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=bJ4Kei-xk-g

Fonte: Mike Jurkovic (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 25/12

Bob James (1939) - pianista,

Cab Calloway (1907-1994) - vocalista, líder de orquestra,

Dmitri Matheny (1965) – flugelhornista,

Don Alias  (1939-2006) - percussionista,

Don Pullen (1944-1995) – pianista,

Eddie Safranski (1918-1974) - baixista,

Ernie Andrews (1927-2022) – vocalista,

Jim Robinson (1892-1976) - trombonista,

Joe Louis Walker (1949) – guitarrista, vocalista,

Julian Lage (1987) – guitarrista,

Kid Ory (1886-1973) - trombonista,

Oscar Moore (1912-1981) - guitarrista,

Ronnie Cuber (1941-2022) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=I6sRAHpBagc,

Simone (1949) – vocalista,

Wayman Carver (1905-1967) - flautista, saxofonista,

Zaccai Curtis(1981) - pianista

 

EMMET COHEN - UPTOWN IN ORBIT (Mack Avenue Records)

O pianista/compositor/educador/empresário Emmet Cohen tem provado a si mesmo, outra vez, que é uma luz guia do jazz no século XXI. Ele poderia ter solitariamente salvo nossa sanidade coletiva e continuado a ascensão e relevância do jazz quando, diante de uma praga mundial, começou a divulgar programas gravados em seu apartamento no Harlem, que chamou de Live From Emmet's Place. Primeiro foi Cohen e seus fieis companheiros de trio, o baixista Russell Hall e o baterista Kyle Poole. Então as sessões se expandiram para incluir talentos maravilhosos como Veronica Swift, Cyrille Aimee, Joy F. Brown, Joe Lovano e Buster Williams e a lista segue continuamente. Adicione-se a isto suas gravações de Masters Legacy com George Coleman, Ron Carter, Jimmy Cobb, Albert Tootie Heath e Benny Golson, e você tem o padrão de um talento determinado a manter a música profunda e real.

É isto que “Uptown in Orbit”, sem qualquer dúvida, faz. Segundo suas aventuras em passo largo na sua estreia na Mack Avenue, “Future Stride (2021)”, Cohen dobra e celebra não apenas a tradição, enquanto o produtor Poole utiliza um antigo gravador para "Finger Buster" de Willie Smith e a performance para romper os portões com uma exuberância que é dura de igualar. Tudo isto deve ajudar e estimular a sobrevivência destes que amamos, destes que nós confiamos, da música e a reflexão em si. "Uptown in Orbit", em si, é um aceno revigorante para “Blues In Orbit (Columbia, 1960)” de Duke Ellington, que arremessa a si mesmo como um temporal com relâmpago e trovão conforme o saxofonista convidado Patrick Bartley uiva alegremente após o convidado seguinte, o trompetista Sean Jones, elevar os glissandos.

Fica melhor a partir dali como “Uptown in Orbitblossoms” em um fim de ano melhor dos melhores, gravado no Sear Sound no centro da cidade, o álbum igualmente serve como uma nave para nova energia de todos envolvidos, bem como a dedicação ao passado por parte de Cohen. "My Love Will Come Again", um original terno de Cohen com uma divertidamente melancolia do solo cambaleante e destacado de Jones, poderia deduzir um embaralhamento através de catálogos anteriores de muitos dos grandes compositores para ver quem escreveu estas joias. A música move-se com sua própria energia nostálgica ainda que não olhe para trás.  O maliciosamente delicioso stride/pop do pianista em "Spillin' the Tea" pode iluminar um dia. Hall e Poole, sempre flexíveis e espertos, são particulares. "The Loneliest" de Hall é um astuto, blues de final de noite com Bartley e Jones languidamente deslizando e movimentando-se para frente.

A breve "Uptown in Orbit (Reprise)" deve arremessar algo como um autocongratulatório tapinha nas costas, mas nos deixa esboçar nesse assunto a impetuosidade jovial e move-se para três estimulantes reinterpretações que coloca em casa “Uptown in Orbit”. A saltitante "Mosaic" de Cedar Walton explode no passo de percolação, configurando o palco para uma suingante renovação de "Venus de Milo" de Gerry Mulligan e uma investigação robusta de "Braggin' In Brass" de Ellington, que  encontra Cohen variando através do seu piano como um homem possuído. Grande material.

Faixas: Finger Buster; Uptown in Orbit; My Love Will Come Again; Spillin' the Tea; Li'l Darlin'; The Loneliest; Uptown in Orbit (Reprise); Distant Hallow; Mosaic; Venus de Milo; Braggin' in Brass.

Músicos: Emmet Cohen: piano; Russell Hall: baixo; Kyle Poole: bateria; Patrick Bartley: saxofone; Sean Jones: baixo.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=QzIcMgMknDc

Fonte: Mike Jurkovic (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 24/12

Baby Dodds (1898-1959) - baterista,

Chris McGregor (1936-1990) pianista,

Craig Yaremko( 1978) – saxofonista,

Dave Bartholomew (1920) - trompetista,

Frank Chastenier (1966) – pianista,

Jabbo Smith (1908-1991) - trompetista,

Olívia Byington (1958) – vocalista,

Paal Nilssen-Love (1974) – bateria,

Ralph Bowen (1961) – saxofonista,

Ralph Moore (1956) – saxofonista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=vQd6OdAa1xk,

Ray Bryant (1931-2011) - pianista,

Woody Shaw (1944-1989) - trompetista

 

BOKANI DYER - RADIO SECHABA (Brownswood Recordings)

Bokani Dyer estabeleceu-se como uma das vozes musicais líderes de sua geração na África do Sul. Porém, com “Radio Sechaba” — o primeiro lançamento do aclamado multi-hifenado instrumentista no selo do árbitro auditivo Gilles Peterson, Brownswood— ele expande sua voz, alcance e notabilidade. Sintetizando um trabalho de amplas influências e construindo sons de possibilidades em torno de sua terra natal e de uma comunidade global, Dyer apresenta um amálgama irresistível para o nosso tempo e o futuro.

Nasceu no exílio no Botswana em 1986 e regressou à casa cerca de sete anos depois, enquanto a África do Sul lutava com seu passado e olhava para frente com a promessa do pós-apartheid, Dyer esteve sempre em uma posição singularmente importante em termos de perspectiva e lugar. Trabalhando com a vantagem deste ponto, ele modelou seu som e visão nos sucessos iniciais, incluindo o destaque “Emancipate the Story (Dyertribe, 2011)”, o abrangente “World Music (Dyertribe, 2016)” e um trio focado “Neo Native (Dyertribe, 2018)”. Agora ele toma um passo à frente, simultaneamente destacando suas habilidades de tocar, cantar, escrever músicas e produção, enquanto explora e desenvolve conceitos de uma nação em construção e sentimento de unidade através de mistura de influências.

Os presentes para o dinamismo e objetividade de Dyer são claros ao longo do trabalho. Com balanço vitrificado em "Resonance of Truth", ele extrai os ideais da África Ocidental, enquanto aborda os tópicos de atenção plena e autoexpressão. Para "Tiya Mowa", resplandece harmonias e apoio de marés de emoções na linguagem vocal de Setswana, que endereça o vigor. Com a moderna "Move On" vem uma serenidade cintilante de oração, promovendo a aceitação e a ação do título na sequência desse estado. Durante "Ke Nako", que primeiro apareceu (em uma versão diferente) como o número inicial na compilação de Indaba de Brownswood com foco na África do Sul, o líder fala à tensão passada e ao presente, referenciando uma frase, que procurou encorajar o voto nas primeiras eleições pós-apartheid do país e investigando no conceito de identidade com vozes altas e paixão em jogo claro.

Através das 14 faixas do álbum indica aquela mudança pessoal, Dyer trabalha com quem é quem dos talentos emergentes e estabelecidos da África do Sul, incluindo (mas não limitado a) os guitarristas Keenan Ahrends e Reza Khota, os saxofonistas Steve Dyer e Linda Sikhakhane, os guitarristas baixistas Tendai Shoko e Benjamin Jephta e o baterista Sphelelo Mazibuko. Sempre generoso com os holofotes, ele também cria recursos para alguns de seu grupo. O artista Damani Nkosi, que recita, se mantém firme no propósito e poderoso em "State of the Nation". O vocalista-bassista Amaeshi Ikechi prova-se memorável na breve e divina "Spirit People". A vocalista-tecladista Yonela Mnana vem à tona para a reflexiva "Ho Tla Loka". O trompetista Sthembiso Bhengu oferece um toque comovente na espécie de hino "Medu". E Sereetsi e os Nativos fazem mágica com o mencionado anteriormente em "Ke Nako". Esta é uma família, com certeza, musical com implicações universais acompanhando a reunião. Porém, é também demonstração que fala à história e aos pontos fortes de uma figura singular. Bokani Dyer não conhece limites, e ele continua para servir como um farol de criatividade, esperança e desdobramento de história.

Faixas: Be Where You Are; Mogaetsho; Move On; State of the Nation; Tiya Mowa; Ke Nako; Picturesque; Spirit People; Victims of Circumstane; Amogelang; Ho Tla Loka; Resonance of Truth; You Are Home; Medu.

Músicos: Bokani Dyer : piano: Aldert Du Toit: guitarra (1); Tendai Shoko: guitarra baixo (2, 3, 5, 6, 13); Tinotenda Dambaneunga: bateria (2, 3, 5, 6, 13); Shane Cooper: guitarra (2, 13); Sthembiso Bhengu: vocal, trompete (2, 3, 7, 8, 9, 11-14); Keenan Ahrends: guitarra (3, 6); Sphelelo Mazibuko: bateria (4, 7-11); Linda Sikhakhane: vocal, saxofone (4, 7, 8, 9, 11, 14); Amaeshi Ikechi: vocal, baixo (4, 8-11, 14); Damani Nkosi: recitação (4); Reza Khota: guitarra (5); Lwanda Gogwana: trompete (5, 6); Gontse Makhene: percussão (5); Sibusisiwe Dyer: vocal (5); Ndabo Zulu: trompete (6); Tlale Makhene: percussão (6); Keorapetse Kolwane: vocal (6, 7, 9); Steve Dyer: saxofone (8, 10, 14); Mthubzi Mvubu: saxofone alto (10); Yonela Mnana: vocal, teclados (11); Leagan Breda: bateria (12); Benjamin Jephta: guitarra baixo (12); Julio Sigauque: guitarra.

Fonte: Dan Bilawsky (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 23/12

Badi Assad (1966) – violonista,vocalista,percussionista,

Chet Baker (1929-1988) – trompetista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=Gsz3mrnIBd0,

Cristina Buarque(1950) – vocalista,

Cyro Baptista (1950) – percussionista,

Esther Phillips (1935-1984) - vocalista,

Frank Morgan (1935-2007) – saxofonista,

Jay Azzolina (1952) – guitarrista,

Jon Gordon (1966) – saxofonista,

Laurence Hobgood (1959) – pianista,

Verneri Pohjola (1977) -trompetista  

 

BENNY BENACK III - THIRD TIME'S THE CHARM (La Reserve/Bandstand Presents)

Embora o título do seu terceiro álbum do multihifenado Benny Benack III pode implicar falhas de ignição em suas duas primeiras rodadas, a verdade realmente corre ao contrário daquela linha de raciocínio. “One of a Kind (BB3, 2017)”, enquanto voando sob o radar, apresentado a alguns ouvintes para um talento grande demais para ser contido e “A Lot of Livin' To Do (La Reserve, 2020)” provou ser uma forte declaração de acompanhamento, ganhando maior atenção e aclamação por um protagonista arrojado com o mundo em uma corda. Agora, construindo nestes sucessos do passado, enquanto capitalizando em suas experiências de crescimento, Benack está em pleno florescimento e realmente entrando em ação.

“Third Time's The Charm” é o retrato de um dínamo gentil, forte e recomendável, capaz de empoderar junto ou tocar com paciência, tudo dependendo em qual música e momento é requerido. Explorando o trio do pianista Emmet Cohen formado com o baixista Russell Hall e o baterista Kyle Poole, e adicionando alguns convidados estelares no tempo certo, Benack apresenta seus vários talentos—como trompetista, vocalista, letrista, compositor, arranjador e produtor—em destaque. Para começar ele oferece a faixa título—um número maneiro e suingante, que é cheio de charme—e uma tomada adorável e fiel em "I'll Never Fall in Love Again", que não deixa dúvida o poder a poesia de uma canção de Bacharach-David nas mãos certas. Os primeiros dos dois números do álbum, que tem 14, pressagiam muito bem o balanço.

Seguindo estas ofertas introdutórias, Benack traz mais alguns bons amigos na dobra. O guitarrista Peter Bernstein, aparecendo em diversos números espalhados por todo o programa, cai em alguma ação de boogaloo em "Scootin'”, toca o perfeito acompanhamento de acordes no íntimo e surdinado "Thank You For The Heartbreak" e prova a chave para a beleza da bossa "Jade". O saxofonista tenor Chad Lefkowitz-Brown faz uma bem combinada parceria na linha de frente na agitação e na valsa "Catching Drift" e a sombria e rodopiante "Twilight Blue". A vocalista e a trompetista Bria Skonberg complementa e enfrenta Benack em perfeita forma em um irresistível "In a Mellow Tone". Michael Stephenson coloca seu tenor em bom uso na moderna "Roylike" e compartilha o vocal destacado com o líder no encerramento no scat amigável de "Pretty Eyed Baby".

Cada um dos artistas anteriormente mencionados adiciona peso com suas aparições e, ao fazê-lo, reforça, também, a elevada posição de Benack e seu lugar nesta música. Não que esta polivalência necessite de qualquer ajuda, claro. Mesmo quando compartilha os holofotes, Benack está radiante. Se animadamente cantando e soprando os louvores de "Gary, Indiana" com seu companheiro de piano ao seu lado, apresentando suave e magia na vocalização influenciada por um balanço de "Poinciana" em "It's Not Unusual", descartando sua banda completa (salvo por uma definição de clima e fundamentação da música por parte de Hall) em uma tomada emocionante de "American Woman" de The Guess Who ou banhando os ouvidos na terna balada durante "Giselle", este líder está sempre no ponto. Seu poder estelar é absolutamente inegável. Benny Benack III é simplesmente uma força a ser reconhecida, e “Third Time's The Charm” diz tanto ou mais.

Faixas: Third Time's The Charm; I'll Never Fall in Love Again; Scootin'; Catching Drift; Thank You For The Heartbreak; Gary, Indiana; In A Mellow Tone; It's Not Unusual; Twilight Blue; Roylike; Jade; American Woman; Giselle; Pretty Eyed Baby.

Músicos: Benny Benack III: trompete; Emmet Cohen: piano; Russell Hall: baixo; Kyle Poole: bateria; Ruben Fox: saxofone; Chad Lefkowitz-Brown: saxofone tenor; Peter Bernstein: guitarra; Michael Stephenson: saxofone tenor, vocal.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=PcEaWpiPWKw

Fonte: Dan Bilawsky (AllAboutJazz)

 

 

ANIVERSARIANTES - 22/12

Alex Goodman (1987) – guitarrista,

Camile Thurman (1986) – saxofonista,

Frank Gambale (1958) - guitarrista,

Grégory Privat (1984) – pianista,

Joe Lee Wilson(1935-2011) - vocalista,

John Abercrombie (1944-2017) – guitarrista,

John Patitucci (1959) – baixista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=2iKRT4XnPwg,

Kieran Overs (1950) – baixista,

Massimo Biolcati (1972) – baixista,

Nick Ceroli (1939-1985) - baterista

Reunald Jones (1910-1989) - trompetista 
 

DAY AND TAXI - LIVE IN BADEN (Clean Feed Records)

Com apenas sete lançamentos em sua história de mais de 30 anos, a banda suiça Day & Taxi, liderada pelo saxofonista e compositor Christoph Gallio, essa não está exatamente bem documentada. Isto é uma vergonha, já que tem sido um conjunto consistentemente estimulante e que tem uma visão ampla da tradição do free jazz. Gallio foi a única presença constante desde a existência do grupo, mas a corrente formação, desde 2018, compreende o baixista Silvan Jeger e o celebrado baterista estadunidense, agora residindo na Suíça, Gerry Hemingway, que convence como um dos melhores.

Gallio desenvolveu sua própria voz em que suas linhas complicadas, que se enrolam e se fragmentam em gritos emotivos e desgastados, às vezes trazendo à mente Oliver Lake do World Saxophone Quartet, famoso por seus saltos angulares e, em mais uma remoção, sua inspiração, Eric Dolphy. Em "Faces" seu saxofone soprano gagueja, ocasionalmente, relembrando seu, por um tempo, professor Steve Lacy.

Gallio compôs todos os números deste álbum gravado em sua cidade. Estes transportam o trio pra locais não familiares. Ou é o trio levando as músicas para novas paragens? Provavelmente, um pouco dos dois. Duas das nove faixas estão abaixo da marca de um minuto, enquanto apenas quatro estão acima de seis. Embora não seja surpreendente que as faixas mais longas coloquem a carne improvisada nos ossos composicionais, as peças mais curtas, entretanto adicionam variedade e novidade no programa de três quartos de hora, notavelmente em "Dieses Gedicht Erinnert Sich", onde Jeger recita/canta sobre um uníssono espasmódico.

A mais longa das faixas, a abertura "Tall Guy Blues" revela o atraente modus operandi da unidade. Pequenas passagens em ritmo e harmonia do baixo despreocupado de Jeger primeiro estabelece o clima, antes de Hemingway cair para trás e antes de Gallio sobrepor um motivo simples de saxofone terroso, que é esticado, comprimido, torcido e finalmente deixado para trás na criação do meio de um vórtice rodopiante. É um efeito maravilhoso, feito possível por capacidade incomparável de mudar de dentro para fora de forma tão imperceptível de  Hemingway, e um para o qual eles retornam novamente, com este tempo executado no microcosmo, na vigorosa "Kopfnuss."

Embora possa não abrir novos caminhos, o trio prospera na relaxada, mas emocionante interação, que é contrapontual, acolhedora e, mais importantemente, uma audição valiosa.

Faixas : Tall Guy Blues; Infinite Sadness; Mare; Dieses Gedicht Erinnert Sich (Words by Thorsten Krämer); Kopfnuss; Faces; Too Much Nothing; Jimmy; Marina and the Lucky Pop Song Transformation.

Músicos: Christoph Gallio (saxofone soprano); Silvan Jeger (baixo acústico); Gerry Hemingway (bateria); Silvan Jeger (voz & sequenzer)

Fonte: John Sharpe (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 21/12

Altamiro Carrilho (1924-2012) – flautista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=Fp2lFUC3V2k,

Cameron Brown (1945) - baixista,

Chris Crenshaw (1982) – trombonista,

Damon Warmack (1975) - baixista,

Dario Boente (1973) - pianista,

Elomar(1937) – violonista,vocalista,compositor,

Frank Zappa (1940-1993) - guitarrista,

Hank Crawford (1934-2009) - saxofonista,

John Hicks (1941-2006) – pianista,

Marco Marzola (1954) - baixista,

Paco De Lucia (1947-2014) - violonista,

Panama Francis – (1918-2001) - baterista,

Phil Parisot (1981) - baterista,

Quinsin Nachoff (1973) - saxofonista,

Rita Reyes (1924-2013) – vocalista,

Warren Benbow (1954) – baterista,

William Magalhães (1965) - pianista 

 

QUINN STERNBERG - CICADA SONGS (Mind Beach Records)

Em “Cicada Songs”, o baixista Quinn Sternberg pinta um retrato sonhador de um verão lânguido em uma noite em casa, uma visita para uma confortável varanda da frente cheia de cachorros cochilando, gatos sinuosos e uma serenata natural de verão em sua faixa título.

A primeira música de “Cicada” é "June", Sternberg e a reflexão coletiva da companhia, como se fosse um sonho, sobre o amado cachorro chamado June. "June" inicia com um brilhante uso de pratos, como se estivesse passando pela fina cortina do sono e estão agora livremente flutuando através da terra do sonho. "June" não se sente como uma melodia direta ou linear, porém mais com o baixo de Sternberg, o teclado de Oscar Rossignoli e a bateria de Peter Varnado estão flutuando e circulando em torno do centro orbital de exuberante melodia no saxofone tenor de Sam Taylor e as notas da guitarra elétrica de Charlie Ballantine não entram como música, mas como um som que estilhaça como uma refração do luar através de um vidro de janela quebrada.

Ballantine suspende as notas de country-blues na guitarra como luz do sol cintilante brilhando sobre "Porch Cat", uma mais confortável, se não um balanço absolutamente preguiçoso que se enrola, desenrola e reenrola como um felino cochilando. O dueto de guitarra e baixo sobre a ponte, e então Ballantine dedilha os acordes que parecem flutuar e se pendurar no ar para brilhar na seção rítmica e nos teclados.

"Remember the Birds" tremula maravilhosamente no piano acústico eclodindo no fechamento de "Alter Ego", perfeitamente sequenciada com quase nenhum espaço de silencio entre elas. O tenor de Taylor desenvolve esta melodia com um som tão pleno e caloroso quase dá vontade de respirar e ajuda a lançar a fortemente melódica e destacado meio da música no piano de Rossignoli.

Sternberg baseou na seção rítmica da faixa título nos ritmos das cigarras que ele viu chilrear uma noite na Louisiana.  Ele descobriu que elas estavam cantando em 7/4 e compôs "Cicada Song" em torno de seus ritmos natural noturnos, adicionando uma ponte que constrói e desmorona em 5/4. Intertravamento da guitarra e saxofone no primeiro plano malha com os ritmos de piano e baixo interligados ao fundo, irradiando ondas brilhantes de música crescente e vazante — apenas como um som natural de cigarra.

Sternberg executa a tabela conceitual, trazendo o ouvinte através do fim do dia com o encerramento da trilogia “Cicada Songs”: Preocupações com "Insomnia (NT: Insônia)" não resolvida através da guitarra e saxofone. Variações rápidas das melodias movem-se como piscadelas através de reflexões em "What a Day", e, então, "Ami's Lullaby" vem descansar tranquila ainda que ressoando jazz do som do coração estadunidense.

Faixas: June; Cicada Song; Alter Ego; Remember the Birds; Porch Cat; Insomnia; What a Day; Ami's Lullaby.

Músicos: Quinn Sternberg: baixo; Sam Taylor: saxofone tenor; Oscar Rossignoli: piano; Peter Vernado: bateria; Charlie Ballantine: guitarra elétrica; Max Bronstein-Paritz: guitarra elétrica.

Nota: Este álbum foi considerado, pela DownBeat, um dos melhores lançados em 2022 com a classificação de 4 estrelas.

Para conhecer um pouco deste trabalho, assistam ao vídeo abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=dye33l2TQk8

Fonte: Chris M. Slawecki (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 20/12

Arne Domnérus (1924-2008) – clarinetista,saxofonista,

Ehud Asherie (1979) – pianista (na foto e vídeo) https://www.youtube.com/watch?v=h0WS6Jp-c_w,

George V Johnson Jr (1950) - vocalista,

John Hardee (1918-1984)- saxofonista,

Larry Willis (1940-2019) - pianista,

Pete Levin (1942) – tecladista,

Peter Kronreif (1982) - baterista 

 

HORACE SILVER QUINTET - LIVE NEW YORK REVISITED

Este álbum fabuloso, gravado durante três trabalhos de clubes de Nova York em 1964, 1965 e 1966, classifica-se entre os mais finos componentes do ilustre catálogo do pianista/compositor. Há diversas coisas a caminho: a qualidade e a intencionalidade compartilhada dos dois, formações levemente diferentes, a escolha do material e seu cuidadoso encadeamento; a vibração das performances, que é bastante para praticamente ressuscitar da morte e a qualidade da masterização do CD pelo selo ezz-thetics do jedi sonoro Michael Brändli, cujo trabalho em efeito equivale a uma restauração completa do áudio.

Três das cinco músicas (a sétima faixa do álbum contém duas versões cada uma de "Que Pasa" e "African Queen") são do celebrado “Song For My Father (Blue Note, 1964)” de Silver e interpretadas pela banda, que as tocou naquele álbum: Silver, o saxofonista tenor Joe Henderson, o trompetista Carmell Jones, o baixista Teddy Smith e o baterista Roger Humphries. "Song For My Father", "The Natives Are Restless Tonight" e "Que Pasa" nunca soaram tão bem.

O mesmo pode ser dito para "Señor Blues" de “6 Pieces Of Silver (Blue Note, 1957)”, a faixa título de “Tokyo Blues (Blue Note, 1962)” e "African Queen" de “The Cape Verdean Blues (Blue Note, 1965)”. As duas versões de "African Queen" as últimas faixas em termos de data que foram gravadas (na Half Note em noites separadas em Fevereiro de 1966), tendo Woody Shaw em lugar de Jones e Larry Ridley no lugar de Smith. O restante dos músicos permaneceu.

Resenhistas, usualmente, não fazem citações das palavras de outros escritores, muito menos dando-lhes atribuição, mas em uma ocasião alguém faz uma observação que vale a pena repetir textualmente. A nota de Brian Morton para “Live New York Revisited” é precisa em sua análise sobre a importância de Silver dentro do desenvolvimento do jazz. Eis a tese geral de Morton: "Bem antes de sua morte em 2014, a reputação de Silver veio a ser obstruída, ou manchada com a noção que ele era, relativamente, uma figura pequena, mais um animador que um inovador". Ele expõe no discurso as várias maneiras nas quais Silver foi uma figura inovadora, incluindo isto: "Seu hábito de citar outras músicas em seus solos, frequentemente   rejeitado como superficial, um truque para agradar a plateia, é um precursor da cultura de amostragem e hip-hop. É também um reconhecimento de [como] profundamente informado Silver estava sobre o cânone e sua evolução. Eis uma linha minha, ele deve dizer, e aqui é de onde veio, mas também aqui e aqui. Seu único equívoco nesta consideração foi sorrir, enquanto estava tocando.... um desafio para a noção bastante recente que o jazz deve ser mortalmente sério e jogado com um rito doloroso".

Rostos alegres em vez de ritos dolorosos deveria ser a resposta universal a este álbum.

Faixas: Song For My Father; African Queen; The Natives Are Restless Tonight; Que Pasa; African Queen; Tokyo Blues; Señor Blues.

Músicos:Horace Silver: piano; Carmell Jones: trumpet (1, 3, 4, 6, 7); Woody Shaw: trumpet (2, 5); Joe Henderson: saxofone tenor; Teddy Smith: baixo (1, 3, 4, 6, 7); Larry Ridley: baixo (2, 5); Roger Humphries: bateria.

Fonte: Chris May (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES -19/12

Abigail Riccards (1980) – vocalista,

Aziza Mustafa Zadeh (1969) - pianista,vocalista,

Bob Brookmeyer (1929-2011) – trombonista(na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=Rj-_nqyZiMc,

Bobby Timmons (1935-1974) – pianista,

Cornell Dupree (1942-2011) – guitarrista,

Ed Bennett (1951) - baixista,

Edith Piaf (1915-1963) - vocalista,

Eric Marienthal (1957) – saxofonista,

Jacques Lesure (1962) - guitarrista,

João Castilho (1970) – guitarrista,violonista,

Joe Traina (1963) - clarinetista,

Kermit Ruffins (1964) – trompetista,vocalista,

Kerry Politzer (1971) - pianista,

Lenny White (1949) -, baterista, percussionista,

Lu Watters (1911-1989) – trompetista,líder de orquestra,

Mão de Vaca(1930-1996) – violonista,guitarrista,

Milcho Leviev (1937) - pianista,

Susie Arioli (1963) – vocalista,

Tevet Sela (1975) - saxofonista 

 

HENDRIK MEURKENS AND THE WDR BIG BAND - SAMBA JAZZ ODYSSEY (Zoho Music)

Alguém, provavelmente, poderia contar nos dedos da mão o número de álbuns de orquestra apresentando um gaitista. Apenas um ou outro me vem aqui à cabeça, e foi lançado há muitos anos atrás, que os nomes já foram esquecidos. E é realmente um prazer genuíno ouvir o virtuosismo de Hendrik Meurkens atuando com uma das mais fundamentais orquestras, a exemplar WDR Big Band localizado em Colônia na Alemanha.

Mais que simplesmente atuar, Meurkens também compôs sete das nove deliciosas faixas, enquanto o maestro Michael Philip Mossman arranjou todas exceto duas ("Prague in March", "Bolero Para Paquito"), que foram soberbamente orquestradas por Carlos Franzetti. Mossman compôs a entusiasmada, em estilo jam , "You Again", e o dinâmico final de "Choro" de Antônio Carlos Jobim, os solos de Meurkens em cada número, sempre com um ou mais membros da orquestra dividindo os holofotes.

O pianista Billy Test está impressionante em "Bolero Para Paquito" (composta para o grande saxofonista cubano Paquito D'Rivera), como está o flautista Pascal Bartoszak ("Manhattan Samba"), o trombonista Ludwig Nuss ("Prague in March"), o altoísta Johan Horlen ("Sambatropolis"), o trompetista Andy Haderer ("Mountain Drive") e o guitarrista Paul Shigihara ("Samba Tonto"). O saxofonista tenor Paul Heller e o trombonista Raphael Klemm estão brilhantes na faixa de abertura, "A Night in Jakarta", mas não mais que Shigihara, o saxofonista barítono Jens Neufang, o trombonista Andy Hunter, o trombonista baixo Mattis Cederberg, o baterista Hans Dekker e o trompetista Rob Bruynen em "You Again" e Test, Nuss e o trompetista Ruud Breuls em "Choro".

Dekker sustenta a segura seção rítmica da WDR (Tess, Shigihara, o baixista John Goldsby), que nunca desconta as mudanças rítmicas em zigue-zague do álbum, enquanto assegura que os metais e as palhetas tenham uma ampla zona de conforto. Quanto a Meurkens, ele é um marcante instrumentista em qualquer estrutura ou gênero, apresentando seu incomum talento para a improvisação em cada faixa, se intercambiando frases eletrificadas em quatro compassos com Horlen em "Sambatropolis" ou apresentando sua maestria intuitiva sempre que ele dá um passo à frente. Isso não é surpreendente; o que era imprevisto— e, portanto, especialmente agradável —é a proficiência especial de Meurkens como compositor, pois isso é verdadeiramente o que estabelece o álbum sobre e para além de muitos outros.

Combine o soberbo toque de Meurkens e composições com os deslumbrantes arranjos de Mossman e Franzetti, impecavelmente interpretados pela maravilhosa WDR Big Band, e você tem o pacote completo. Para colocar de outra forma, o sabor latino em uma orquestra de jazz simplesmente não fica muito melhor do que isto.

Faixas: A Night in Jakarta; Manhattan Samba; Prague in March; Sambatropolis; Mountain Drive; You Again; Bolero Para Paquito; Samba Tonto; Choro.

Músicos : Hendrik Meurkens: gaita; Michael Philip Mossman: compositor/maestro; Paul Shigihara: guitarra; Johan Horlen: saxofone; Pascal Bartoszak: saxofone; Oliver Peters: saxofone; Paul Heller: saxofone; Jens Neufang: saxofone; Andy Haderer: trompete; Wim Both: trompete; Rob Bruynen: trompete; Ruud Breuls: trompete; Ludwig Nuss: trombone; trombone; Raphael Klemm: trombone; Andy Hunter: trombone; Mattis Cederberg: trombone;Billy Test: piano; John Goldsby: baixo; Hans Dekker: bateria.

Fonte: Jack Bowers (AllAboutJazz)

 

ANIVERSARIANTES - 18/12

Barry Galbraith (1919-1983) – guitarrista,

David Marriott, Jr. (1973) - trombonista,

Eddie “Cleanhead” Vinson (1917-1988) – saxofonista,vocalista,

Fletcher Henderson (1897-1952) - pianista,líder de orquestra,

Harold Land (1928-2001) – saxofonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=R1RzowIGBuU,

Jacek Kochan (1955) – baterista,

Márcio Bahia(1958) – baterista,

Miles Okazaki (1974) – guitarrista,

Oliver Timmons (1956) - tecladista,

Pee Wee Crayton (1914-1985)- guitarrista,

Taru Alexander (18/12/1967) – baterista,

Wadada Leo Smith (1941) - trompetista

 

ARUÁN ORTIZ TRIO - SERRANIAS: SKETCHBOOK FOR PIANO TRIO (Intakt Records)

O pianista Aruán Ortiz saúda Santiago de Cuba, mas ele reside nos Estados Unidos por duas décadas. Musicalmente ele é primo em primeiro grau do pianista Matthew Shipp com seu acessível e frequentemente intenso estilo do teclado avant-garde e ele parece um neto estilístico de Thelonious Monk com suas jubilosas angularidades e interlúdios fora de ordem. Porém, ele é filho de Cuba, sua música misturando de forma cubista os toques da nação insular, rumbas, son e conga, tingida às vezes com subcorrentes Afro-Haitianas e sombreamento clássico europeu. Falando de família musical, Dizzy Gillespie está lá também—um grande sobrinho talvez—conforme o trio inicia com uma fragmentada e finamente reconstrução aleatória de "Shaw 'Nuff" para apresentar “Serranias: Sketchbook For Piano Trio”, uma celebração do 50º aniversário de Ortiz e seus 20 anos de residência nos Estados Unidos.

Unido ao Brad Jones e ao baterista John Betsch, o pianista Picasso pinta com uma gama de cores que vai do azul escuro ao cinza claro, agitando turbulência e atmosferas sinistras. Sombras caem em toda a parte, eixos de luz transmitindo com uma fragmentada, às vezes uma dinâmica turbulenta do trio, que combina com a música, aguçando o nervosismo de Ortiz.

“Serranias: Sketchbook for Piano Trio” é o sexto lançamento de Ortiz pela Intakt Records. Ele está prosperando lá. Esta é sua gravação mais ousada. A palavra "sketchbook – caderno de rascunho" no título diz, nós podemos imaginar, algo sobre a frouxidão, o nível de improvisação escancarada envolvida, a abordagem do trio diabólico pode importar, deixe-nos fazer isso.

Faixas: Shaw 'Nuff (Siento Un Bombo); En Forma De Guajira; Memorias Del Monte; Los Tres Golpes; Canto De Tambores Y Caracoles; Huellas (Interlude I); Serranias; Black Like Thunderstone (one); Like A Changui (Montuno); ...And Shadows (Interlude II); Lullaby For The End Times.

Músicos: Aruán Ortiz: piano; Brad Jones: baixo; John Betsch: Bateria.

Fonte: Dan McClenaghan (AllAboutJazz)

ANIVERSARIANTES - 17/12

Antônio Carlos Barbosa Lima (1944-2022) – violonista (na foto e vídeo) http://www.youtube.com/watch?v=60jwIVYfrko,

Célio Balona (1938) - pianista, tecladista, acordeonista e vibrafonista,

Nicole Rampersaud (1981) - trompetista,

Ray Noble (1903-1978)- arranjador,líder de orquestra,

Sonny Red (1932-1981) - saxofonista,

Sy Oliver (1910-1988) - trompetista,vocalista,

Walter Booker (1933-2006) - baixista,

Zé Luis Oliveira (1957) – saxofonista,flautista 

 

MATT ULERY – MANNERIST (Woolgathering Records)

 Há uma mágica cadenciada para a música de “Mannerist”, o que é difícil de negar ou encontrar falhas. "Bridge" inicia e é difícil encontrar falhas, conseguindo, talvez, um sentimento de ser mais leve nos pés, mais brilhante no espírito e, mais importantemente, mais leve na cabeça. De repente, todas as informações que eles querem que você engula vão embora e é só você e a música. É algo bonito. É algo que o baixista/compositor/líder Matt Ulery se propõe a fazer toda vez que vai ao palco ou compõe. Então, parabéns a ele por seguir seu instinto e inspiração.

Com a chuva do caos com a qual lidamos diariamente, torna-se uma necessidade quase extrema da música de “Mannerist”. Calma como uma ressaca comovente, é uma trégua de uma chuva forte. É a música carregada na brisa da primavera e no pôr do sol. Uma música que não necessita implorar para você ouvir.

“Mannerist” tem a habilidade de flutuar em sua vida, como "Bridges" flutua em "The Brink of What" que, mesmo com um pouco de momentos sombrios (graças ao pianista Paul Bedal), deriva para a quixotescamente efervescente "Another Book of Ornaments", um curso intensivo sobre Duke Ellington e Charles Mingus. As três faixas virtualmente jogam, e quando foi a última vez que você brincou com alguma coisa?

Como compositor, Ulery tem uma veia romântica passando por ele. Uma casa de dança no centro da cidade, talento para big band elegante que se torna instantaneamente evidente em sua condução de uma banda com onze componentes (como ele faz aqui) ou grupos menores. Após as aventuras ouvidas em "Another Book of Ornaments", a dança passa para "Left Window" e, se você nunca encontrou Ulery e seus desenhos suaves nas gravações como “Become Giant (Woolgathering, 2022)”, “Pollinator (Woolgathering, 2020)” ou “Wonderment (Woolgathering, 2019)”, isso começa a fazer você se perguntar por quanto tempo ele consegue manter suas ilusões graciosas.

E, embora, Ulery possa parecer para alguns como um mágico, “Mannerist” não é ilusão. "Under the Dusken Crown" e "The Prairie is a Rolling Ocean" são sem sonhos de ficção. Eles são, como é o todo, o resumo mais recente do que Ulery faz: leva você para outro lugar, quando você pensou que estava perdido, mas agora foi encontrado.

Faixas: Bridges; The Brink of What; Another Room of Ornaments; Left Room; Under the Dusken Crown; The Prairie is a Rolling Ocean.

Músicos: Matt Ulery (baixo acústico); Paul Bedal (piano); Jon Deitemyer (bateria); Dustin Laurenzi (saxophone tenor); James Davis (trompete); Chris Shuttleworth (trombone); Zachary Good (clarinete); Andrew Nogel (oboé); Ben Roidl-Ward (fagote); Constance Volk(flauta); Matthew Oliphant (french horn).

Fonte: Mike Jurkovic (AllAboutJazz)